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Ich bin Pete Docter, CCO,
also Chief Creative Officer der Pixar Animation Studios.
Ich bin seit über 30 Jahren bei Pixar,
habe aber alles Mögliche von Storyboarding über Animation bis hin zu Regie gemacht.
Pixar hat sich sehr verändert, aber im Kern ist es gleich geblieben.
Am Anfang hatten wir nur ein heruntergekommenes Gebäude.
Es haben, glaube ich, 112 Menschen an Toy Story mitgearbeitet,
und doch war die Story sehr persönlich.
Wir erzählten von unseren eigenen Erfahrungen.
Wir überlegten: "Was ist Eifersucht?
"Was tun wir, wenn wir
"Leuten begegnen, die besser sind?"
All diese Themen, die im Film zum Tragen kommen.
Ich bin in einer langweiligen Kleinstadt in Minnesota aufgewachsen.
Mir wurde klar, dass unsere Filme, über Monster ...
DIE MONSTER AG (2001)
... über einen alten Mann, der nach Südamerika fliegt ...
OBEN (2009)
... über ein Kind, das nach San Francisco zieht ...
ALLES STEHT KOPF (2015)
... sehr persönlich sind.
Sie entstammen meiner Erfahrung.
Daher dachten wir:
"Wie können wir offen für neue Ideen sein
"und uns auf Leute einlassen, bei denen wir finden,
"sie haben das gewisse Etwas
"und etwas Interessantes zu sagen?"
Das SparkShorts-Programm ist recht neu.
Wir wollten verschiedenen Personen
ermöglichen, uns in kurzer Zeit zu zeigen ...
... wer sie sind und was sie erzählen.
Die Geschichte der Kurzfilme bei Pixar ist interessant,
denn darin liegt Pixars Ursprung.
Genau genommen im Film André und Wally B.,
das erste animierte CG-Filmchen.
DIE KLEINE LAMPE (1986)
Kurzfilme gingen in die DNA des Unternehmens über.
ROTS TRAUM (1987)
Wir probierten so neue technologische Ideen aus,
als die Computergrafik fortschritt,
noch bevor Toy Story entstand.
EIN SCHAF IST VON DER WOLLE (2003)
Bei den Kurzfilmprojekten ging es anfangs auch
um Risikobereitschaft.
TEILWEISE WOLKIG (2009)
Nach dem Motto ...
LA LUNA - MONDLICHT (2011)
... "Wir haben wenig zu verlieren, denn niemand kennt uns."
So konnten wir Risiken eingehen.
Wir überlegten: "Wie wäre es mit etwas viel Kostengünstigerem
"als unseren üblichen Kurzfilmen?"
Wir lassen die Filmemacher ihre Geschichten erzählen
und geben ihnen sechs Monate Zeit dafür.
Wir riefen SparkShorts ins Leben,
weil wir nicht wussten, welche Talente unentdeckt blieben,
weil wir Leuten keine Chance zum Erzählen gaben.
Wir wollen ungefiltert sehen, was diese Leute können,
und uns nicht einmischen.
Wir werden die Geschichten der Spielfilme nur voranbringen,
wenn wir die nächste Generation einbeziehen.
Wir können nicht 20 Jahre damit warten.
Wir müssen es jetzt tun.
Ich heiße Aphton Corbin.
Ich bin Story Artist hier bei den Pixar Animation Studios.
Geschichten zu schreiben und zu erzählen, hat mich immer fasziniert.
Als Kind fertigte ich kleine Malbücher an, tackerte sie zusammen
wie ein kleines Drehbuch
und verschenkte die Bücher dann zum Geburtstag.
Als Kind führte ich beim Spielen mit meiner Schwester Regie.
Zum Beispiel: "So würde die Figur das nicht sagen.
"Wir müssen es anders wiederholen."
Seit ich zu Pixar kam, war mir klar, dass ich Regisseurin werden will.
Das klingt wohl forsch: "Ich will Regisseurin werden."
Ich wusste nicht, wann,
doch ich wusste, dass ich mal Regie führen wollte.
Aphton hat von Anfang an einen Eindruck hinterlassen.
Schnell hatte sie den Ruf,
jemand zu sein, der etwas sagte, das alle hören wollten,
egal, wo sie war.
Ich habe mit Aphton an Soul gearbeitet.
Von ihr stammt die Visualisierung der Mentoren in Soul.
Sie ist sehr talentiert und hat skurrile Ideen, bei denen man sich fragt,
wo die herkommen, weil sie so brillant-bizarr sind.
Ich heiße Louis Gonzales und bin seit fast 20 Jahren bei Pixar.
Seit ich mit der Animation angefangen habe,
hatte ich immer das Gefühl, herausgefordert zu werden.
Ich habe immer mit Begeisterung Arbeit bei Pixar angenommen,
weil es mehr Erlebnis als Job war.
Mit der Zeit hatte ich das Glück, an sehr besonderen Filmen zu arbeiten,
die viele Menschen mögen.
Ich habe ein wenig dazu beigetragen.
Aber jetzt, fast 20 Jahre später, fragte ich mich: "Was brauche ich noch?
"Wohin führt meine Karriere? Was mache ich?
"Vielleicht werde ich nicht als Regisseur arbeiten können."
Louis ist schon sehr lange dabei.
Er ist ein gestandener Story Artist ...
MERIDA (2012) Storyboard von Louis Gonzales
... und ein fantastischer kreativer Kopf.
Louis hat mit Brad Bird zum Beispiel an Die Unglaublichen gearbeitet.
Er hat eine einzigartige Perspektive eingebracht.
DIE UNGLAUBLICHEN (2004)
Er hat großartigen Figuren Leben eingehaucht.
Er steckt voller Ideen.
Man fragt sich immer:
"Was wird er tun, wenn er die Chance dazu bekommt?
"Welche Geschichte wird er erzählen?"
Nach einem Jahr Arbeit an meinem ersten Film, Toy Story 4,
konzentrierte ich mich nur darauf, wie ich gute Storyboards schaffe.
Dann bekam ich eine E-Mail:
"Du sollst wissen,
"dass dein Name für die Regie eines SparkShort-Films gefallen ist."
Vor einer Weile haben sich Lindsey und Jim an mich gewandt.
Ich dachte ehrlich, sie würden mich feuern.
Aber sie fragten, was ich als Nächstes vorhabe.
Da dachte ich: "Ich darf meine Meinung dazu sagen?"
Mir war nicht ...
Ich wusste nicht, dass ich meine Zukunft mitgestalten kann.
Sie fragten, was ich von einem SparkShort-Film halten würde.
Das Tolle an SparkShorts ist,
dass man dadurch unheimlich ausgeliefert ist.
Man kann sich nirgends verstecken. Man spielt die Hauptrolle.
Das ist ein riesiger Druck, der auf einem lastet.
Man muss sich überlegen, wie man damit umgeht
und wie man sich so weit öffnet, dass andere mitwirken können.
Wenn wir die Regisseure über SparkShorts aufklären,
sagen wir: "Es muss eine erzählte Geschichte sein,
"ob CG oder 2-D ist egal,
"und sie muss für jedes Publikum geeignet sein."
Wir versuchen, in sechs Monaten fertig zu sein.
Aber ansonsten gibt es keine wirklichen Regeln.
Wir haben die SparkShort-Regisseure für 2020 ausgewählt:
Louis Gonzales ...
Als unsere Namen bekanntgegeben wurden,
hatte ich so positive Reaktionen nicht erwartet.
Ich dachte: "Oh Mann, hier gibt es Menschen,
"die wollen, dass wir Erfolg haben.
"Sie wollen, dass wir Geschichten erzählen."
Das war für mich unglaublich.
Außerdem hat es den Druck erhöht.
Wenn man solche Unterstützung erfährt,
will man niemanden enttäuschen.
Als ich gefragt wurde, ob ich Interesse hätte,
sagte ich anfangs, dass es eher nichts für mich wäre.
Doch irgendwann wurde mir klar,
dass ich nur große Angst davor hatte, schlecht zu sein
und mit dem Gesicht voran gegen eine Wand zu brettern.
Ich hatte Angst zu versagen.
Sobald mir klar wurde, dass ich Angst vor dem Versagen
in kreativer Hinsicht hatte, bei der Sache, auf die ich stolz bin,
dachte ich: "Ich muss mit dem Kopf voran auf diese Wand zu und sie durchbrechen."
Es war verrückt, als unsere Namen verkündet wurden.
Ausgewählt worden zu sein, verunsicherte mich immer noch sehr.
Ich hatte Angst, dass es zu schnell gegangen war,
und ich war unsicher, ob ich ein Team leiten könnte.
Ich dachte: "Was werden die Leute denken?
"'Aphton ist noch nicht mal so lange hier.
"Was soll das schon werden?'"
Und Louis ist so ein toller Story Artist,
der an vielen Filmen gearbeitet hat, mit denen ich aufwuchs.
"Was, wir werden gleichzeitig gewählt? Cool. Gar kein Druck."
Viele Menschen fragen sich, wie wir Filme machen.
Aber es gibt nicht die eine Methode. Jeder Film ist anders.
Jeder fängt natürlich mit einer Idee an,
aber danach kann es sein, dass ein Drehbuch daraus wird
oder eine Gliederung.
Oder die Künstler zeichnen die Idee als Storyboard
oder einzelne Bilder, die das Konzept rüberbringen.
Nach Überraschung und Durchdrehen sammelte ich Ideen für meinen Kurzfilm.
Kurzzeitig dachte ich,
ich könnte etwas Gruseliges, Horrormäßiges machen.
Es gibt kaum animierte Horror-Kurzfilme.
Ich fand, es könnte witzig und ausgefallen werden.
Aber es ist schwer genug, einen Film zu machen,
da muss ich mir nicht noch
ein mir fremdes Genre aufbürden.
Ich wusste immer,
dass es ums Heranwachsen und die damit verbundene Unbehaglichkeit gehen sollte.
Ich bin zwischen 20 und 30
und kenne das Gefühl "Ich mache das falsch" manchmal nur zu gut.
Ich hatte vor ewigen Zeiten einen Comic dazu gemacht.
Mit 26 fühlt man sich manchmal erwachsen
und manchmal wie zwei Kinder, die sich in einem Trenchcoat verstecken.
Aber das ist nur ein einzeiliger Comic.
Wie mache ich daraus eine ganze Geschichte?
Ich dachte an dieses Gefühl:
"Heute sehen mich alle als kleines Kind mit Schulterpolstern.
"Ich werde meinem Potenzial als Erwachsene nicht gerecht."
Oder wenn ich auf der Arbeit patzig bin
und denke:"Das hätte ich viel eloquenter sagen können."
Aber ich bin zu meinem Teenagerin-Ich geworden.
Diese Dinge fielen mir ein.
"Ich glaube, daraus wird eine Geschichte."
Ich bin ein Fan von Rahmenbedingungen.
Wenn man nur kurz Zeit
und wenige Menschen verfügbar hat,
gibt es Strategien, um Sparks anzugehen.
Ich hätte mir ein großes Konzept aussuchen können.
Eltern trinken einen Trank, werden zu Kuscheltieren
und sind am Ende bessere Eltern.
"Wow, Teddys animieren. Toll. Süß."
Aber ich wollte tiefer gehen.
Ich wollte eine Großmutter in der Geschichte haben.
Großmütter, mit denen ich aufwuchs.
Sie waren tough, aber auch sehr liebevoll.
Sie hätten einem ihr letztes Hemd gegeben,
aber sehen irgendwie unnahbar aus.
Ich kam also zum Thema Generationsunterschiede.
Für mich war es wichtig, meine Leute heranzuziehen.
Meine Freunde und Familie sollen die Welt repräsentieren,
wie sie sich verändert und tickt.
Das unterscheidet sich natürlich von den Welten aller anderen.
Unsere Welten sind anders.
Meine verstorbene Oma Pearl war nicht auf den Mund gefallen.
Meine Tochter war noch zu klein
und kannte meine Oma kaum.
Aber meine Tochter war als Kind auch nicht auf den Mund gefallen.
Ich hätte die zwei gerne zusammen gesehen.
Mir gefällt die Gegenüberstellung von völliger Unschuld und Erfahrung.
Aber Figuren, die wirklich verwundbar sind,
müssen auch wirklich vom Künstler kommen.
Der Künstler muss verwundbar sein.
Das fällt mir schwer.
Es kamen hundert Fragen auf,
um diese große, schwammige Idee, die so simpel scheint, auf den Punkt zu bringen.
Ich musste mich einnorden.
Ich brauchte etwas, das mir zeigte, dass es möglich war.
Zu der Zeit besuchte ich jemanden in London,
und wir sahen uns das Stück Tod eines Handlungsreisenden an.
Das Leben eines Ehemannes und seine Beziehung zu seiner Familie.
Es ist simpel, aber eindeutig.
Ich dachte: "Wenn mein Kurzfilm auch nur annähernd an das herankommt,
"was die auf der Bühne tun, und so einen Eindruck hinterlässt?
"Genau das will ich erreichen."
Der Prospekt hängt an meiner Tafel.
Als Erinnerung, dass es um die Figuren geht.
"Was kann ich mit einer Großmutter, einer Enkelin
"und dem alten Hund der Oma in einer Wohnung machen?"
Ich kann jeden Tropfen Persönlichkeit aus ihnen auswringen,
weil es wie ein Bühnenstück ist.
Es ist interessant, wenn man sagt:
"Ich konnte nicht zeichnen, also habe ich nicht gezeichnet."
Ich wusste nicht unbedingt, ob ich gut war.
Ich musste es einfach tun.
Es war eine Art Therapie für mich.
Wenn ich Frust habe, muss ich malen.
Wenn ich glücklich bin, ebenfalls.
Aber als ich Kind war,
gab es nicht viel mit kleinen Schwarzen Mädchen.
Die zwei Disney-Prinzessinnen, als die wir uns verkleideten,
waren Pocahontas und Jasmin, weil sie in Richtung Braun gingen.
Ganz früher
habe ich automatisch blonde Figuren mit blauen Augen gemalt.
Wenn es keine Vorgaben gibt, wird das so gemacht.
Ein Familienmitglied forderte mich mit der Frage heraus ...
Hey Aphton, ich habe eine Frage. Mir ist aufgefallen ...
... "Warum zeichnest du nur Weiße?"
Darum!
Es war frustrierend, der Familie zu erklären:
"Wieso fragst du mich das?
"Du kennst doch die Antwort."
Nein, Dad! Sie sind in Japan.
"Ich zeichne, was ich sehe,
"und die Leute wollen eh nur Weiße sehen.
"Sonst gäbe es andere im Fernsehen."
Wenn ich Schwarze zeichne, mag niemand meine Arbeit.
Es war echt schwer, das zu überwinden.
Du kannst das ändern.
Es hat gedauert. Ich musste mich umgewöhnen.
Ein Sprung ins kalte Wasser.
Ich beschloss, mehr Figuren unterschiedlicher Ethnien zu zeichnen.
Es fühlte sich richtig und wahr an, denn es entsprach meinem Wissen.
Daraus wurde dann: "Wenn niemand was anderes sagt,
"zeichne ich hauptsächlich Schwarze Figuren
"und alle anderen sind PoC.
"Mal sehen, wie lange es dauert, bis ein Lehrer etwas sagt."
Es hat aber niemand was gesagt.
Das wäre echt interessant geworden.
So wurde es für mich zur Norm.
Wieso zeichnest du so viele Schwarze?
Wenn nicht ich, wer dann?
Als ich zu Pixar kam, kannte man hier meine Arbeit.
Ich dachte: "Ihr wisst, was ihr kriegt."
Die Arbeit an Soul war eine Offenbarung für mich,
denn als weißes Kind in Amerika
sah ich Tausende Figuren, die meine Lebensumstände darstellten.
Joe Gardner in Soul ist unsere erste afroamerikanische Hauptfigur.
Um die Welt mit seinen Augen zu sehen,
musste ich viel lernen.
Aphton hat viel zu der Geschichte beigetragen.
Hier weiterhin den Grad an Diversität von Stimmen und Figuren
infrage zu stellen, ist wichtig.
Fragen zu stellen ...
"Gibt es einen bestimmten Grund dafür, dass diese Figur weiß ist?"
Denn manchmal gibt es keinen. Oft hat einfach jemand
zwei Punkte und ein Lächeln gezeichnet,
und daraus wurde dann im Prozess automatisch eine weiße Figur.
Das stelle ich infrage. Ich rege zu mehr Offenheit an.
"Klar, das kriegen wir irgendwie diverser hin."
Wir alle haben Gefühle und Erfahrungen, die nachempfindbar sind.
Ich freue mich darauf, dass die Menschen sich daran gewöhnen,
Geschichten durch die Augen von Schwarzen zu sehen.
Das möchte ich mit dem Film erreichen.
FAST ERWACHSEN (2021)
Ursprünglich sollte es um einen Tag im Leben der Figur Gia gehen,
an ihrem 21. Geburtstag.
Meine Idee ist folgende:
Anstatt dass Gia älter und reifer wird,
kommen immer mehr Kinder in den Trenchcoat.
Es sollten 21 sein.
Aber ich dachte: "Das ist albern. Ich habe Glück, wenn ein paar klappen."
Ich versuchte, entscheidende Lebensjahre festzulegen.
Es wurde also die Einjährige, die das Babyhafte verkörperte,
pure Emotionen.
Dann die Zehnjährige, die für mich für Selbstbewusstsein steht.
À la: "Es ist alles gut",
gepaart mit dem Gefühl, alles zu wissen, das man in dem Alter hat.
Und 16 ist inmitten der Teenagerjahre, also war es genau richtig.
Für mich ist man mit 16 total emotional
und unsicher.
Sie ergänzten sich ganz gut.
Ich hoffe, dieser Film ergibt Sinn.
Man kann die Erfahrungen des Erzählers
nicht von den Geschichten trennen, die er erzählt.
Das machen wir alle, wenn wir erzählen.
Wir tendieren zu den Dingen, die wir kennen,
zu denen, die wir mögen.
Das hört nie auf.
Als Kind hatte ich eine starke Clique.
Meine Graffiti-Crew.
Ich mochte sie sehr, weil es nur um Kunst ging.
Wir hatten unterschiedliche Nationalitäten,
entstammten unterschiedlichen Kulturen, und es hieß: Wir gegen den Rest der Welt.
Die Kunst stand fürs Teilen.
Es war egal, wer man war. Es ging nur um die Kunst.
Wir hatten Spaß, zogen durch LA,
sprayten, rannten vor den Bullen weg, sprangen auf Busse
und aus Fenstern heraus, falls der Fahrer anhielt.
Es machte Spaß, weil es frech war,
aber es hatte auch mit Kunst zu tun.
Es war eine Möglichkeit,
sich selbst als größer zu sehen als alle anderen.
Wir reden hier vom LA der 80er und 90er.
An jeder Ecke trieben sich Gangs rum.
Damals hat keiner von braunen Kindern gedacht:
"Du gehst nach Harvard."
Sondern: "Du wanderst in den Knast.
"Sieh dich doch an. Du bist Sprayer."
Wir wollten einfach nur gesehen werden.
JETZT GUCKT IHR HIN
Ich wollte eine Kunstschule besuchen, doch wir konnten das nicht bezahlen.
Ich versuchte, ein Stipendium zu bekommen,
aber ich war echt schlecht in der Schule.
Ich konzentrierte mich zu wenig aufs Lernen,
weil ich immerzu zeichnete.
Meine Eltern waren toll.
Sie haben das Zeichnen immer unterstützt.
Aber sie waren Busfahrer.
Sie sagten: "Zeichnen ist toll.
"Wir unterstützen dich.
"Willst du vielleicht Busfahrer werden?"
Das wollte ich nicht,
weil es sich anfühlte, als wäre meine Wahl getroffen.
Aber ich hatte immer den Antrieb,
mit dem Zeichnen Geld zu verdienen.
Das Spektrum reichte
von T-Shirt-Design bis hin zu Graffiti für Schaufenster,
zum Beispiel mit Airbrushing.
Man konnte sich damit über Wasser halten.
Keine Ahnung, ob es für eine Familie reichen würde.
Ich suchte nach etwas Passendem
und dachte, dass es Comics werden würden.
In der Highschool habe ich Comics für mich entdeckt.
Ich mochte die Hernandez-Brüder. Jaime, Berto and Mario.
Ich mochte ihre Arbeit, die ein toller Mix war
aus Figuren, die in einem Viertel wie meinem wohnten.
Hauptsächlich Latinos.
Die Basis war eine Welt wie meine, nur erlebten sie Abenteuer.
Sie reisten ins All.
Es war fantastisch und anders.
Durch Comics wurde mir klar: "Ich will Geschichten erzählen."
Meine Tochter hat früher Kostüme geliebt.
Sie hatte ein Tigger-Kostüm.
Sie liebte es, als Tigger herumzutanzen.
Sie trug das Kostüm tagelang.
In meinen ersten Entwürfen
trug das Mädchen ein Katzenkostüm.
Sie sollte eine unschuldige Vierjährige sein,
mit der Energie, Begeisterung und Fantasie,
die Kinder in dem Alter normalerweise haben.
Kleine Kinder haben unkontrollierte Emotionen.
Sie wechseln von glücklich über traurig über wütend hin zu ausgelassen.
Und das innerhalb von fünf oder zehn Minuten.
Es sollte um eine toughe Oma gehen,
die Besuch von ihrer quirligen Enkelin bekommt.
"Ich will die ständige Aufmerksamkeit meiner Oma."
Und die Oma reagiert: "Ich hab dich lieb, aber ich mach gerade etwas."
Ich musste mir überlegen, warum sie sich
so bemüht, die Kleine von sich fernzuhalten.
Es sollte eine Großmutter werden,
die keine Kekse backt. Keine 80er-Jahre-TV-Oma,
sondern eine, die ich kenne.
Mit dem Mumm, an den ich mich von meiner Oma erinnere.
Ich habe von ihnen gezehrt,
Teile von ihnen zusammengetragen.
Ich dachte darüber nach, ob sie vielleicht Wrestling mag.
Aber dazu gehört dann das Drumherum:
"Du bist Hispanoamerikaner. Sie auch?
"Oh, luchadores, oder? Sie war luchador, oder?"
Und ich: "Nein. Sie mag Wrestling so wie Seifenopern."
Es ist das Gleiche. Nur sportlicher.
Sie guckt es einfach gerne.
Das passte also für mich.
Es ist keine willkürliche Entscheidung, die sie interessant macht.
Sondern es steckt was Echtes darin.
Also entschied ich mich dafür. Das waren die Anfänge.
Ich mache Storyboards meist digital,
aber wenn ich brainstorme, zeichne ich die Ideen manchmal auf Papier.
Als Miniaturbilder.
So kann ich die Einstellungen, die ich im Kopf habe, ausarbeiten
und einige der Schlüsselszenen
für meinen Kurzfilm visualisieren.
Ich arbeite am Einleitungsgespräch zwischen Gia und ihrer Schwester Nicole.
Diese Schwesterfigur basiert auf meiner Schwester.
Sie ist meine beste Freundin. Wir sind fast gleich alt.
Es ist schön, jemanden zu haben, der ein ähnliches Alter hat
und weiß, was man durchmacht.
Mit seiner Schwester den 21. Geburtstag zu feiern
schien so erreichbar und charmant.
Ihre Beziehung erfüllte mich mit Begeisterung.
Dann habe ich über Schauplätze nachgedacht.
Anfangs wollte ich ein Büro.
Da spricht sie am Wasserspender mit Freunden.
Als drei Figuren, die übereinander gestapelt waren.
Dann sollten andere Freundinnen mit ihr in einen Club gehen,
wo sie einen Nervenzusammenbruch erleidet.
Aber da ich nicht in einem normalen Büro arbeite,
fühlte sich das verlogen an.
Dann überlegte ich, den Büroteil zu streichen
und alles im Club stattfinden zu lassen.
Als introvertierte Stubenhockerin
steckt für mich so viel Wahrheit darin, an einem Ort,
an dem man eigentlich Spaß haben soll, keinen zu haben.
Es fühlte sich richtig an. Es war ein Schauplatz, wirkte prägnant
und diente dem Rest der Geschichte.
Die Oma ist Anfang 50.
Nicht so alt, dass sie über ihre Hüfte jammert.
Und die Frisur? Das ist immer knifflig.
Na ja, wir ...
Die Regisseure erzählen die Geschichte.
Ihre rechte Hand sind die Produzenten.
Sie werden mit viel Unerwartetem konfrontiert
und sind zuständig
für eine bessere, schnellere, billigere Umsetzung.
Ich brauche einen Partner, der meine Arbeit überprüft,
denn ich will keine blinden Flecken haben.
Aber ich wollte Courtney kennenlernen.
Du hast in vielen Abteilungen gearbeitet?
Wie arbeitest du gerne?
Für mich ist mit das Wichtigste,
um das Ganze zu beschleunigen, Zusammenarbeit.
Ich heiße Courtney Kent.
Ich bin knapp über 13 Jahre bei Pixar.
Wie viele Cutter stehen zur Wahl?
Wie läuft das ab?
Ich habe eine Liste von möglichen Cuttern.
Wir können mit jedem von ihnen reden.
Im Laufe der Zeit durfte ich beim ersten SparkShort,
Smash and Grab, mitarbeiten.
Seitdem habe ich gesagt,
sollte es eine Stelle als Spark- Produzentin geben, nehme ich sie gerne.
Louis und ich wurden einander unbekannterweise zugeteilt.
Das war gleichzeitig einschüchternd und spannend.
Wie eine arrangierte Ehe.
Ich war sehr nervös.
Ich hatte das Gefühl, viel beweisen zu müssen.
Ich hatte vorher nie als Produzentin gearbeitet
und fühlte mich echt ahnungslos.
Aber sobald wir über die Geschichte sprachen,
den starken Familienfokus,
konnten wir, da ich Mutter bin,
schnell Verbindungen knüpfen,
die uns Schwung für den Rest gaben.
Die Produzenten sind die Partner der Regisseure,
gleichzeitig leiten sie aber auch die Crew.
Wir baten die Produzenten der SparkShorts,
Leute zu suchen, denen sie vertrauen,
und mit ihnen die Vision der Regisseure auf die Leinwand zu bringen.
Man sagte mir: "Du hast einen Produzenten. Er heißt Erik."
Ich kannte ihn kaum, und als Erstes meinte ich:
"Ich schaffe das allein."
Ich wusste nicht, was diese Beziehung überhaupt bedeutet.
Dann wurde mir langsam unsere Dynamik bewusst.
Ich heiße Erik Langley.
Ich bin seit 2004 bei Pixar.
Also circa 16 Jahre.
Ich bin zum ersten Mal SparkShort-Produzent.
Aphton wusste von Anfang an, was sie erzählen wollte.
Es gibt nichts Besseres für eine Crew
als Regisseure, die wissen, was sie wollen.
Die größte Crew bei unseren Filmen ist die Animationscrew.
Ich sehe Animatoren vor mir, die fragen:
"Was ist in dem Mantel los?"
"Hast du schon eine Idee, wie ..."
"Wie oft blenden wir rein ..."
Wir wollten der Animationscrew alles vorstellen, um ihnen Kontext
und eine Idee der Geschichte, der Figuren und des Stils zu geben.
Das ist eure Sache.
-Ihr entscheidet. Da freuen sie sich. -Genau.
Manchmal können Animatoren entscheiden, an welcher Sendung sie arbeiten,
also will man sie überzeugen, dass die eigene Idee
spannend ist und sie Spaß haben werden.
Alle 70 Animatoren waren in einem Vorführraum.
Sie haben den Ruf, etwas ruppig zu sein.
Nach dem Motto: "Wir sind hier, also unterhalte uns."
Das war mein erster großer Pitch vor einer so großen Gruppe.
Das macht Angst und nervös. Das ist eine große Sache.
Denn wie der Film sich entwickelt
hängt an deiner Beziehung zu den Animatoren.
Immer wenn man vor über 100 Leuten auf einer Bühne
etwas vorstellen muss,
ist man etwas nervös, denke ich.
Hallo, Animation.
Danke, dass wir euer Meeting crashen dürfen. Ich bin Erik, Produzent.
Ich bin Aphton, Regisseurin. Hier klicken, dann geht's los?
Der aktuelle Arbeitstitel lautet Fast Erwachsen.
Ich hoffte, nichts Wichtiges zu vergessen.
So sieht es immer für mich aus, wenn ich ausgehe
und von anderen überwältigt bin, die so aufgeräumt sind.
Diese Momente im Büro,
wenn man denkt, was Falsches gesagt zu haben.
Ich hatte peinliche Kinderfotos dabei.
Ich dachte, das gefällt ihnen.
Sechzehn
"Ich werde es blöd finden und sie super."
Seht euch die fingerlosen Netzhandschuhe an. Weiter geht's.
Aphtons Konzept ist sehr interessant.
Sie war witzig und hatte die Figuren vorbereitet. Es war gut.
Zu dem Zeitpunkt wusste ich, welche Figuren ich wollte
und wo es spielen sollte. Aber die Geschichte fehlte.
"Was würde mich gut in einer Geschichte verkörpern?"
Da dachte ich: "Eine 50-jährige Oma
"mit ihrer Enkelin."
Ich dachte: "Niemand wird daran arbeiten wollen."
Weil es langweilig klingt.
Ich nahm mir also vor, mich selbst zu präsentieren.
-Da. Los, los. Ja. -Sie liebt Wrestling.
Ich wollte betonen, wer ich bin und wie ich arbeite.
Die Kleine macht Wrestling-Moves.
Und andere fürs Projekt begeistern.
Oma zieht sie runter, dreht sie, wirbelt sie herum.
Die Dinge, die wir mit Kindern nicht machen sollten,
macht Oma ziemlich sicher.
Danke.
Es wurde gut aufgenommen. Die Leute schienen interessiert.
Wir wurden danach beide von Animatoren angesprochen,
denen die Geschichte gefiel.
Hey, auf den Punkt.
Gut gemacht, Leute.
Dito, Mann.
Die Reaktion auf den Pitch war positiv.
Einige freuten sich darauf und wollten mitmachen.
Meine Karriere basiert darauf, dass ich ins offene Meer geworfen werde
und alleine zurück an Land kommen muss.
Ich war auf keiner Kunstschule und habe keine
"ankommen, anpassen"-Mentalität,
die man auf der Uni entwickelt
und dadurch, wie man aufwächst.
Ich musste sehen, wie ich Sachen geregelt kriege.
Früher, als ich mit meinen Freunden
in einem Comicladen herumhing, lernte ich Johan kennen.
Er war Mentor. Er meinte zu mir:
"Wie stehst du zu Animation?"
Ich sagte: "Ob ich sie gerne gucke?" Und er: "Nein, als Arbeit."
"Keine Ahnung, ob ich das kann."
Er sagte: "Wir stellen ein Portfolio zusammen
"für einen Animationsjob."
Ich hatte nichts zu verlieren und wollte mit Zeichnen Geld machen.
Ich hockte mich hin und stand um 7 Uhr auf.
Am Schreibtisch neben dem Bett fertigte ich die Tests an
und zeichnete. Jeden Tag. Acht Monate lang.
Für das Portfolio.
Ich ging zum Zeichnen in den Zoo.
Und in Museen.
Überallhin, wo ich reinkam,
für kostenlose Gestenzeichnungen.
Am Ende hatte ich ein Portfolio. Ich war beeindruckt.
Ich bewarb mich bei mehreren Studios.
Manche lehnten dankend ab.
Aber Warner Bros. Feature
lud mich als Trainee ein.
Ich fragte, wie viel man da verdient.
Warner Bros. Feature Animation war meine Kunstschule.
Dort machte ich meine Erfahrungen wie bei Der Gigant aus dem All.
Denn ich lernte unentwegt.
Die Arbeit an dem Film
gehört zu den besten Erlebnissen in meiner Karriere.
Brad Bird sprudelte vor Energie.
Er trieb das Ganze voran.
Wir alle kamen kaum hinterher.
Brad und die Crew gaben mir die Chance, mich zu beweisen.
Sie werteten nicht, sondern sagten:
"Hier ist die Arbeit. Machst du sie gut,
"gebe ich dir mehr."
Ich wollte immer mehr.
Denn ich wollte unbedingt in der Animation bleiben,
weil ich sie toll fand. Ohne Der Gigant
hätte ich nicht mit Brad gearbeitet und wäre nicht bei Pixar.
Als ich hier anfing, war es seltsam.
Denn alle waren so nett, dass ich dachte:
"Ihr seid fake. Ich habe euch durchschaut."
Die Leute hier haben Großartiges geschaffen, was mir gefiel.
Betritt man ein Animationsstudio,
stehen die Tische voll mit Actionfiguren
und anderen Dingen. Das sah mir nicht ähnlich.
"So einer bin ich nicht." Es war wie eine andere Welt.
So begann für mich der lange Prozess, herauszufinden, wie ich da reinpasse.
Noch dazu arbeitete ich mindestens 14 Stunden pro Tag, sechs Tage die Woche.
Wer Kinder hat, trägt Verantwortung.
Familie bedeutet mir alles.
Es war schwer, da ein Gleichgewicht zu finden.
Entscheide ich mich für meine Karriere oder meine Kinder?
Das macht es schwierig.
Als mir die Idee kam,
drei Kinder aufeinanderzustapeln,
dachte ich: "Ich muss das
"als Idee verkaufen, die nicht teuer
"und nicht schwierig umzusetzen wird.
"Am ansprechendsten und schönsten wird es in 2-D."
FAST ERWACHSEN (2021) Figurenperspektiven 'Gia'
Der Unterschied zwischen 2- und 3-D-Animation ist,
dass 3-D computergeneriert ist und Tiefe in drei Dimensionen darstellt.
Und 2-D ist flach und handgezeichnet.
Es gab vorher zwei 2-D-SparkShorts.
Kitbull und Burrow.
Es war genug kollektives Wissen vorhanden, um zu sagen:
"Probieren wir es doch mal in 2-D."
Das gefällt mir, Rachel. Es ging so schnell.
Ich habe dir gesagt, was ich wollte,
und dann hast du gesagt: "Ja, hier. Bitte sehr."
Das ist mein Job.
Ich weiß.
Ich arbeite mit Rachel, die die Figuren entwirft.
Character Designerin, Fast Erwachsen
Ich hatte überlegt, das selbst zu machen,
aber ich wollte auch meinen neuen Posten als Regisseurin nutzen.
In Bezug auf Kunst leitend zu sein,
war eine weitere wichtige Lektion für mich.
Das gefällt mir sehr.
Das ist eine gute Idee für die Frisur.
Und die Gesichtsform finde ich auch besser.
Meine Stimme als Regisseurin zu finden, war sehr wichtig
in diesem irren Spark-Prozess.
-Sollen wir ... -Die Sticker?
-Die Regie-Post-its. -Ja. Mach du es.
-Gönnt ihr mir meinen Moment? -Na klar.
-Genieß ihn. -Mach ich. Das gefällt mir.
Das. Das gefällt mir sehr. Ein toller Kopf.
Ich trat einen Schritt zurück und überlegte,
was mich ausmachte und wie ich herkam.
Als Kind mochte ich Animation und Cartoons immer sehr.
Besonders die von Disney.
In der Highschool hatte ich einen Animationskurs.
Ich saß in meinem Zimmer, zeichnete und tackerte Seiten zusammen.
Zu sehen, wie eine Zeichnung zum Leben erwacht, packte mich.
Ich informierte mich über Unis, die das anboten.
Es zog mich zu CalArts,
weil es von Walt Disney gegründet wurde.
Ich wollte unbedingt dorthin.
Nach meinem Schulabschluss bewarb ich mich,
bekam aber keinen Platz. Ich ging stattdessen ans Community College.
Ich arbeitete viel bei McDonald's, um meinen Unterhalt zu bestreiten.
Ich zweifelte, ob ich es je in die Animation schaffen würde.
Ich arbeitete immer noch an meinem Portfolio.
In den anderthalb Jahren dachte ich darüber nach,
wer ich als Künstlerin war.
Japanische Anime waren ein großer Einfluss.
Auf der einen Seite
zeichnete ich die feinen Anime-Striche mit einem Minenschreiber,
und auf der anderen Seite
probierte ich mich am wunderschönen Disney-Stil.
Ab und an
schrieb ich kleine Texte dazu oder so.
Für mich. Alberne Comics.
WEHE, DU PETZT!
Das kam gut an.
"Nein, so will ich nicht zeichnen.
"Das ist nicht gut."
Aber ich bekam sehr positive Reaktionen darauf.
Komm hoch. Kein Thema.
So lernte ich, zu akzeptieren, wo ich stand.
Mit meinem Portfolio bewarb ich mich erneut bei CalArts.
Aphtons Bewerbungsportfolio
Die Reaktion war gut, und ich wurde aufgenommen.
Der Plan war, schnell fertig zu werden,
weil es extrem teuer war.
Ich dachte: "Ich werde ein Jahr bleiben.
"Vielleicht zwei.
"Pixar wird begeistert sein, ich werde entdeckt,
"und die Sache ist geritzt." Aber so kam es nicht.
Die gesamten vier Jahre stresste ich mich und dachte:
"Wieso bemerkt mich niemand? Was mache ich falsch?
"Was wollen die Studios?"
Ich musste erwachsener werden.
Ich brauchte Zeit, um zu lernen, mich wirklich in meine Kunst einzubringen.
Und ich musste meine Stimme finden.
Ein Dozent sagte: "Leg einen Tumblr- Account an und lade dort Kunst hoch."
Ich nutzte Tumblr,
um wöchentlich Dinge hochzuladen.
"Egal, ob es hässlich ist. Ich lade es hoch."
Ja, aber du bist echt hübsch für ein Schwarzes Mädchen.
Hast du dich zu Hause je fremd gefühlt?
Da begann ich, mich selbst zum ersten Mal ...
... zu zeichnen.
Und wie ich im Großraum Sacramento aufwuchs,
der hauptsächlich von Weißen bevölkert ist.
Als Schwarze Familie dort zu leben,
brachte unangenehme Momente mit sich.
Die Comics waren grobe Kritzeleien.
Wünschst du dir je, hellere Haut zu haben?
Ich lud sie um Punkt Mitternacht hoch.
Dann versteckte ich mich in meinem Zimmer: "Was habe ich da grade gepostet?
"Ich war so offen."
Ich habe deine Geschichten gelesen
und dachte, vielleicht willst du eine von meinen hören.
Es gab viel mehr Leute,
die mir schrieben
oder mich ansprachen und mir ihre Geschichte erzählten, als gedacht.
"Ich kenne das Gefühl", "Sehe ich genauso"
oder "Mir ist Folgendes passiert".
Das fand ich sehr stark und unerwartet.
Das gab mir den Mut, meine Geschichten weiter zu teilen.
Danke, dass du mir folgst!
Ich dachte: "Wieso habe ich Zeit daran verschwendet,
"jemand anderes sein zu wollen?"
Und so wurde ich bei Pixar bemerkt.
Man nahm mit mir Kontakt auf. Ich dachte:
"Bei allem, was ich für interessant gehalten hätte,
"waren Schwarze Mädchencomics nicht dabei."
Ja, ich bin die einzige Schwarze.
Aber das bin ich gewohnt.
Aber ich schöpfte aus einer waren Geschichte
und half anderen, meine Perspektive zu sehen.
Das ist eine Leidenschaft bei Pixar,
authentisch Geschichten zu erzählen.
Wenn ich eine Geschichte erzähle, soll sie ehrlich sein.
Die Story lautete: Die Enkelin kommt vorbei
und will bei ihrer Oma sein.
Und die Oma hat etwas zu tun,
bei dem die Enkelin sie stört.
Wie entwickelt sich das?
Die Oma sollte fantasievoll sein,
denn so sind Kinder.
Ich wollte eine Verbindung haben, sie sollten sich ähneln.
Wie kann man das visuell machen, ohne dass sie sagen:
"Du magst Wrestling?
"Ich auch. Super, wir sind ein so tolles Team."
Ich wollte keinen Dialog. Ich wollte es laufen lassen und sehen,
was möglich war. Ich habe so viele Filme mit Dialogen gemacht.
"Können wir mal aufhören zu reden?"
Ich mag Animation mit weniger Text.
Es gibt eine Binsenwahrheit, die besagt,
man sollte jedem unserer Filme ohne Ton folgen können.
Die Geschichte sollte so klar und das Visuelle so wirkungsvoll sein.
Bei WALL-E sagten alle:
"Kein Kind guckt sich
"einen 25-minütigen stummen Filmanfang an.
"Das interessiert sie nicht." Aber in Wahrheit
verbringen Kinder die ersten vier, fünf Jahre mit Zusehen
und versuchen zu verstehen, was passiert.
Sie haben keine Probleme, die Sprache zu verstehen.
Man muss Geschichte und Bild so miteinander kombinieren,
dass es auch ohne Ton funktionieren könnte.
WALL-E.
Vielleicht funktioniert es besser mit Dialog.
Aber es sollte ohne funktionieren.
Am Anfang sagte man uns:
"Bei SparkShorts sollte man sich auf zwei Figuren,
"wenig Dialog und ein oder zwei Sets beschränken."
Aber in Aphtons Film gibt es fünf Sprechrollen.
Ich wusste, um die Idee zu verkaufen, brauchte ich Dialog,
weil man aus der Sprechweise viel über die Persönlichkeit ableiten kann.
Jetzt wird gefeiert.
Ich bat Erik, mir in etwa zu sagen, wie viel Dialog
in den vorigen Filmen vorkam. Er sagte:
"Nur vier Seiten." Darauf ich: "Ok.
"Ich glaube, bei mir wird es mehr."
Die Idee, sich als Erwachsene unsicher zu fühlen, ist etwas komplex.
Wenn wir Filme machen,
machen wir sogenannte Story Reels.
Das ist eine grobe, handgezeichnete Version des Films
mit Platzhalter-Stimmen und -Musik.
Wir spielen die Reels ab und gucken, was funktioniert und was nicht.
Am Anfang denkt man: "Das wird super."
Dann sieht man sich die Reels an und denkt:
"Nicht so super, wie wir dachten."
Auf mich wirkt es, als wisse Joe genau, wo er hinwill.
Er hat das schon mal gemacht.
Das sollten wir ändern.
Dann zerlegt man es, überlegt, was nicht passt,
und setzt es wieder zusammen.
Louis ist Story Artist,
also war es für ihn kein Problem, die Storyboards selbst zu zeichnen.
Er hat sich hingesetzt und überlegt,
was er erzählen möchte.
Er schuf Schlüsselmomente, die die Geschichte voranbringen sollten.
Zum Beispiel: Die Großmutter setzt sich, um Wrestling zu gucken,
und im nächsten Schlüsselmoment erscheint die Enkelin.
Es gibt einen Konflikt.
Der Fernseher fällt um.
Sie wrestlen auf dem Boden und umarmen sich dann.
Wenn Louis einige solcher Momente zu Papier gebracht hat,
gehen sie an die Cutting-Abteilung,
wo sie zusammengeschnitten und getimt werden.
Ich wollte schnell Boards anfertigen, um zu sehen, ob da wirklich etwas war.
Ich gab sie dem Cutter, um ein Gefühl für die Geschichte zu bekommen.
Dann die Problemlösung in der Schnittfassung.
Es war spannend zu sehen, was wir hatten ...
... aber die Schnittfassung war furchtbar.
Mir sank das Herz in die Hose.
Ich hatte viele Ideen, die sich nach vorne drängten.
Die Geschichte war nicht klar.
Aber obwohl die Fassung so schlecht war,
sah ich etwas darin.
Ich musste es nur finden. Da verschwand ich quasi.
Von Louis kam nichts mehr.
Wenn die Vision des Regisseurs nicht klar ist,
ist das wirklich schwierig.
Ich dachte: "Ok. Machen wir den Film?"
Ich fokussierte mich auf die Geschichte.
Mein Hirn ratterte unermüdlich.
Ich wurde um 3 Uhr wach und saß im Dunkeln herum.
Ich durchwühlte meine Seele auf der Suche nach Dingen,
die etwas auslösen.
Auf der Ebene, die wir nicht sehen, aber spüren.
Diese menschliche Wahrheit.
Ich schrieb meine Ideen auf, beschäftigte mich den Tag über damit
und beobachtete, wie sie am Morgen großartig
und schlüssig schienen und am Mittag nicht mehr so sehr.
Ich war ratlos, und kurz bevor ich ins Bett ging,
dachte ich: "Oh Mann, das ist furchtbar.
"Das haut nicht hin. Was soll ich tun?"
Je nachdem, an welchem Punkt ich war, wechselte meine Stimmung
von "Das wird der beste Kurzfilm aller Zeiten",
zu "Ich werde als Riesenidiot dastehen".
Es wurde von Version zu Version schlimmer.
Es ging stetig bergab.
Der Schreibprozess hat mich isoliert. Ich fühlte mich allein.
Das war meine dunkelste Zeit.
Ich wusste nicht, was ich tun sollte, und brauchte mehr Zeit.
Nicht zu wissen, was in ihm vorging, war wirklich hart.
Ich dachte: "Haben wir eine Geschichte?"
Die Geschichte ist der Kern unserer Arbeit.
Seit ich bei Pixar bin,
kenne ich die unbändige Stärke, die uns antreibt,
bis die Story passt.
Wir setzen uns nicht hin und haben sofort die gesamte Story.
Das dauert wirklich lange.
Und wenn uns klar wird, dass etwas nicht funktioniert
und wir alles ändern müssen,
gehört das einfach dazu.
Denn wenn es glatt läuft,
gibt man sich vermutlich kaum Mühe, etwas Tolles zu schaffen.
Man geht immer wieder zurück
und versucht, es perfekt zu machen. Immer und immer wieder.
FINDET NEMO (2003)
Bei Findet Nemo mochte ewig lange
niemand Marlin, den Vater.
Warten, gucken, rüberschwimmen.
"Er nervt."
Du wolltest ins offene Wasser.
Nein, ich wollte nicht raus!
-Gut, dass ich hier bin. -Aber Paps ...
Also mussten wir ihn umschreiben.
Und erst war es so,
dass die traumatische Szene mit dem Barrakuda
nicht am Anfang des Films kam.
Sondern in Flashbacks über den Film verteilt.
-Wir müssen ihnen noch Namen geben. -Ich denke oft daran.
Mir gefällt Nemo.
Super. Fehlen nur noch 99.
Das Problem war, dass man nicht mit dem Vater mitfühlte,
weil man nicht wusste was sein Problem war. Erst spät
beschlossen wir, dass die Flashbacks nicht funktionieren.
Wir mussten es direkt erzählen.
Denn man fühlt nicht mit der Hauptfigur mit, was aber sein muss.
Cora!
Papa beschützt dich.
Wenn man eine Geschichte erzählt, reflektiert man viel.
Denn ich frage mich:
"Wieso sind diese Figuren wichtig?
"Wieso habe ich diese Idee immer im Hinterkopf? Wieso gefällt mir das?"
Man muss sich schwierige Fragen stellen.
WAS IST WAHR
"Was bedeutet es einem? Was will man damit sagen?
"Was macht man gerade durch?"
Für mich war die Wende
der Moment im Film, in dem der Fernseher kaputtgeht.
Die Oma war immer super wütend auf das Mädchen.
Ich dachte: "So eine blöde Kuh. Wer will so jemanden sehen?"
So wurde mir klar, dass sie nicht eine Figur sein kann,
die einfach lieber Wrestling guckt. Das ist unlogisch.
Wir mussten tiefer gehen und herausfinden, was ihr das Wrestling bedeutet.
Denn wir mussten auf emotionaler Ebene verstehen,
wieso sie ausgerechnet fürs Wrestling
an dem Tag die Welt ausschloss.
Wieso es sie störte, Besuch zu haben.
Ich dachte: "Was wäre eine unheimliche Reaktion?"
Für mich war ihre Verletzlichkeit
das Unheimlichste, was wir machen konnten.
Wenn sie zusammenbricht und anfängt zu weinen,
weil sie wirklich traurig ist
über die Unterbrechung ihrer Routine ...
Das war ein großer Moment für mich.
Denn mein Bauchgefühl sagte mir, es war richtig,
aber ich wollte nicht, dass sie schwach wirkte.
Ich dachte: "Wir müssen es machen",
weil es darum geht, mit den Figuren zu fühlen.
Und man kann keine Geschichte erzählen
ohne eigene Verletzlichkeit.
Nona brauchte einen Grund dafür, dass das besonders war,
und ich hatte die Idee eines verstorbenen Mannes.
"Vielleicht hat sie Wrestling immer mit ihrem Mann genossen."
Aber er ist tot,
und jetzt nähern wir uns der Idee,
dass sie den Tag nutzt, um die Liebe ihres Lebens zu feiern.
Jetzt graben wir tiefer, um herauszufinden, was das bedeutete.
Sobald der Mann mit im Spiel war,
war klar, dass es um die beiden geht.
Jetzt gibt es die emotionale Schwere,
die fehlte, als es nur um Wrestling ging.
Mein Rat an SparkShorts-Filmemacher lautet:
"Denk dran, dass es nicht um dich geht.
"Du sollst keinen Film für dich machen.
"Sondern einen fürs Publikum.
"Wenn du ihn toll findest, das Publikum aber nicht, wer hat dann was davon?"
In unseren Filmen versuchen wir, Figuren darzustellen
und Situationen, die sofort die Aufmerksamkeit wecken.
Am Anfang von Die Monster AG geht ein Kind ins Bett,
und dann sieht man sofort, wie komische Dinge passieren.
Man ist interessiert, weil das etwas ist,
das jeder als Kind oder Erwachsener erlebt hat.
Und wir kehren das um.
Ja, das sind Monster, aber es ist ihr Job, Kinder zu erschrecken.
So haben wir eine Verbindung
zwischen dem, was wir kennen, und einer Wendung.
Alles gut, sie ist alt genug. Sie hat heute Geburtstag.
Glückwunsch.
Bei Animationsfilmen gibt es diesen Nervenkitzel:
"Wie weit können wir gehen, ohne an Glaubwürdigkeit zu verlieren?"
Such dir was aus. Ich zahle.
Dann nehme ich Milch. Nur ein Scherz.
Gia ist am Anfang schwer zu lesen,
und es dauert, bis man versteht,
dass sie durchdreht, weil sie erwachsen wird.
Nein. Du hattest schon was Süßes.
-Gia, alles klar bei dir? -Ja, alles bestens.
Es gab zwei Testvorführungen, und das Publikum hatte seine Meinung.
Ich muss mal Pippi. Zur Toilette, mein ich.
Fast alle haben gefragt,
ob es wirklich drei Kinder seien oder ob das eine Metapher sei.
Das mussten wir deutlich machen.
Und wie nimmt das Publikum das auf?
Ist Regisseurin sein so, wie du es dir vorgestellt hattest?
Ich schätze schon.
Ich denke, die Leute verstehen, was ich sagen will.
Hast du gegenteilige Anmerkungen bekommen?
Klarheit ist wichtig und hat ihre Zeit und ihren Ort,
aber ein wenig Unklarheit kann auch toll und mysteriös sein.
Ich wusste, dass ich das ausprobieren wollte.
Im Dunkeln im Publikum zu sitzen
und zu hören, wie gelacht und geschnauft wird, ist cool.
Regisseurin
Das macht süchtig,
und man will nicht aufhören, das Publikum anzuregen und zu bewegen.
Domee ist Regisseurin hier bei Pixar. Von ihr ist der Kurzfilm Bao.
Ich wollte mir von ihr Tipps holen,
weil sie in ihrem Kurzfilm interessante Risiken einging.
Wenn man hier arbeitet,
kriegt man eingetrichtert: "Klarheit ist essenziell."
Aber es geht hauptsächlich um Gefühle.
Bei der Entstehung von Bao
gab es einige, die vom Ende verwirrt waren.
In Bao geht es um eine einsame alte Chinesin,
die entdeckt, dass eines ihrer Klößchen
zum Leben erwacht ist.
Sie adoptiert ihn sofort
und macht die Irrungen und Wirrungen mit,
die die Mutterschaft mit sich bringt.
Der Film ist semi-autobiografisch. Ich war auch ein verhätscheltes Einzelkind.
Ich musste diesen Film machen.
Damals lebte ich nicht zu Hause
und fühlte mich schuldig, weit von meiner Mutter weg zu sein.
Ich musste diese Dynamik bearbeiten.
Ich erzählte Pete Docter ganz nebenbei von der Idee.
An der Stelle, als die Mutter
das Klößchen isst, weil sie nicht will, dass es sie verlässt,
war er schockiert, aber auch sehr begeistert.
Er sagte: "Behalte das Ende bei.
"Es ist so einzigartig und seltsam und cool."
So war ich selbstbewusst genug, es zu verteidigen.
Selbst wenn andere sagten, es sei finster oder merkwürdig.
"Denkst du nicht, das macht Kindern Angst?"
91. OSCAR-VERLEIHUNG 24. Februar 2019
Und der Oscar geht an: Bao.
Danke an die Academy.
Ihr nerdigen Mädchen, die ihr euch hinter euren Skizzenbüchern versteckt:
Habt keine Angst, eure Geschichten zu erzählen.
Man muss nicht alles erklären.
Es geht nur darum, dass das Publikum nach dem Film
das fühlt, was man sich vorgestellt hat.
Das kann Angst machen.
Manches muss man einfach wagen.
Nach deinen Reels spüre ich es.
Also stress dich nicht.
Die Bestätigung zu bekommen,
es zu versuchen, auch wenn es ein wenig seltsam ist,
hat mir sehr geholfen.
"Nein, darum geht es."
Wir genießen dieses abstrakte Abenteuer.
Und am Ende kriegen wir Klarheit.
Ich bin auf die Kleidung gespannt.
Was soll simuliert werden?
Ich habe mit Ana darüber geredet ...
... Bewegungen zu priorisieren.
Was hat bei Nona Priorität? Ihr T-Shirt.
Das wichtigste Symbol des Mädchens
werden vermutlich ihre Haare sein.
Und der Hund bewegt sich so langsam,
-vielleicht braucht er gar nichts. -Er hat ein Halsband.
-Wenn da etwas dran hängt ... -Wir könnten es animieren.
Er braucht kein Halsband.
Das Tolle an der Animation ist die Zusammenarbeit.
Und ich glaube, wenn das Team engagiert ist
und man etwas zu erzählen hat,
kann es nur gut werden.
Es gibt verschiedene Ansätze
für SparkShorts und für Filme.
Dicke Striche lenken das Auge.
Bei Spielfilmen
hat man Zeit und Geld, um Unvollkommenheiten zu beseitigen.
Aber genau die will ich.
Wenn wir sie stark vereinfachen,
könnten wir grafischer sein
-und uns auf die Falten konzentrieren. -Ok.
Ich möchte wie eine neue Band sein.
So völlig ungeschliffen.
Damit verglich ich unseren Film.
Wir sind die beste Garagenband, die es gibt.
Also legen wir los. Und zwar schmutzig.
Unpoliert.
Lasst uns große, mutige Entscheidungen fällen.
Und dann sehen wir, was passiert.
Wir lösen Probleme.
Ich finde immer,
wenn einem etwas in den Schoß fällt, kann man etwas daraus machen.
Aber es ist mehr als das. Es hat eine Alchemie an sich.
Einen Hauch Magie.
Die Leinwand muss sich bewegen und tanzen,
um wirklich etwas zu erschaffen, das solche Gefühle weckt,
dass man auf eine Reise geht und am Ende
das Schöne im Leben hervorgehoben wird.
In früheren Versionen der Wrestling-Szene
mit Nona und Renee
suchten sie sich in der Wohnung Dinge zusammen,
um wie Wrestlerinnen auszusehen.
Sie wrestleten auf dem Boden.
In der echten Welt.
Aber Louis ging die Szene nicht weit genug.
Hallo und willkommen zum Main Event.
In der blauen Ecke, Nona, die Hammerschwinge.
Ich wollte sehen, wie es sich anfühlt, wenn sie Wrestling spielen.
Nicht tatsächlich wrestlen.
Wir sehen es durch die Augen des Kindes.
Und wir wissen, dass Nona auch so eine Fantasie hat.
Wir wollten sehen,
wie weit wir gehen konnten, bevor wir das Publikum
wegen der ungewöhnlichen, irren Fantasie verlieren.
Aber manche Ideen waren einfach übertrieben.
Es soll sich wie ein Kinderspielplatz anfühlen
und gleichzeitig geerdet und echt.
Wir haben versucht, etwas dazwischen zu finden.
Renee hatte ihre Sticker dabei,
und Nona durfte ihren großen Wrestling-Move machen.
In dieser Szene sind die beiden gegensätzlichen Welten
zu einer verschmolzen.
Und sie teilen eine Erfahrung, die ihnen beiden hilft
und sie stärker macht.
... von hier oben. Mit mehr Fokus auf dem Auge, damit ...
Wenn ich an die Unterschiede
zwischen Animations- und Realfilmregisseuren denke,
finde ich oft, dass gute Realfilmregisseure
ein Skript haben und dann die Schauspieler dazu holen.
Sie arbeiten wie Jazzmusiker.
Sie setzen die Teile zusammen und improvisieren.
Animationsfilmregisseure erinnern mich eher an Klassikkomponisten,
die gewissenhaft ihre Musik schreiben
und die eine Note von einer Sechzehntel- zu einer Achtelnote ändern.
Der Prozess dauert sehr lange.
Es erfordert viel Arbeit.
Und man macht viele Fehler.
Man probiert etwas aus, das nicht funktioniert.
"Sie haben nicht gelacht. Wieso?
"Dröseln wir das Ganze auseinander."
Und dann wiederholt man es immer und immer wieder.
Los geht's.
Wenn der Film auf die Leinwand kommt,
ist es vermutlich die zehnte Fassung oder so.
Mögliche Freundin entdeckt.
-Nicht schon wieder. -Sollen wir sie ansprechen?
Riley ist schon über zwei Monate hier
-und hat keine Freunde. -Und Bing-Bong?
Der ist nur imaginär ...
Lange Zeit war bei Alles steht Kopf
Freude die gesamte Reise über mit Angst gepaart.
Du kommst nicht wieder rein.
-Riley ist ohne dich besser dran. -Warte.
Holt sie euch.
ALLES STEHT KOPF (2015)
Und spät fiel uns auf,
dass die Geschichte nur einen Sinn ergab,
wenn wir Freude mit Kummer paarten.
Ich hab Heimweh.
Also mussten wir zurückrudern,
den gesamten Film ändern und vieles rauswerfen.
Tausende Zeichnungen, hunderte Stunden Aufnahme und Schnitt.
Aber all das war sehr wertvoll,
denn es lehrte uns Dinge über die Figuren,
die Welt und die Story, und wie das alles sein sollte.
Das ist super. Das ist das erste Mal,
dass wir die komplette Version sehen.
Genau. Alles an Platzhalter-Dialog, -Musik und -Soundeffekten.
Dann wollen wir mal.
Beeil dich. Danach rocken wir die Tanzfläche.
Kann's kaum erwarten.
Das Schwierige an diesem Kurzfilm war,
das unterschiedliche Alter der Figuren rüber zubringen.
Das totale Desaster. Was ist los mit uns?
Wer hat dich zur Chefin gemacht?
Ten ist zehn,
Teenie ist 16.
Aber mit Scratch-Sprecherinnen.
Toll gemacht, Teenie. Wie doof kann man sein?
Du hast es verhauen.
Scratch-Sprecherinnen lesen den Text
für die Rohfassung,
damit man weiß, wie es klingt und abläuft.
Ich habe eine Frage zu Ten.
Das klingt gar nicht wie eine Zehnjährige.
Wir hatten keine Kinder für die Scratch-Aufnahmen,
daher war es schwierig, Ten als Zehnjährige zu verkaufen.
Das dachte ich mir auch.
Ich weiß nicht, wie pedantisch ich sein soll. Schließlich ist es Scratch.
Aber es wäre schön, wenn es anders klänge.
Wenn sie jünger klingen würde.
Bei den Testvorführungen
fiel es den Leuten schwer, die Zehnjährige als solche zu sehen,
weil eine 30-Jährige den Dialog eingesprochen hatte.
Wir sind erwachsen.
Wir müssen uns zusammenreißen. So machen Erwachsene das.
Also los!
Ich wusste, die Illusion der Zehnjährigen steht und fällt mit der Stimme.
Sobald Kaylin Ten sprach ...
Zähl runter. Drei, zwei, eins. Aufnahme.
Und drück auf Aufnahme, wenn du Aufnahme sagst.
Sie brachte so viel Charme und Unschuld in die Figur ein.
Wir sind eine schöne, starke und nunmehr offiziell erwachsene Frau.
Wir rocken richtig ab auf der Tanzfläche
und bleiben so lange auf, wie wir wollen.
Wir sagen unserer Jugend leb wohl,
denn dies ist Gias Nacht.
Wir haben endlich jemanden für die Sets.
-Gut. Ja. -Trianne wird
mit der Modellierung anfangen.
Womit kann sie anfangen?
Wir brauchen einen Plan, oder?
Ich habe den Grundriss dafür.
Ich denke da an ...
Häuser im LA-Villa-Stil. Weißt du?
Weiße Stuckwände, damit sie Struktur haben
und nicht glatt sind.
Aber mir gefällt, dass ihre Wohnung kuratiert ist.
Wir brauchen die richtigen Details, damit sie voll wirkt.
Man will es auf den Punkt treffen.
Denn es kommt darauf an, wie echt die Welt wirkt
und wie die Figur da hineinpasst.
Wir brauchten kulturelle Details, damit es echt wirkt.
Es spielt an der Westküste,
und da gibt es eine ganz bestimmte Atmosphäre.
Darauf möchte ich achten.
Wir hatten eine Bühnenbildnerin für Nonas Wohnung,
weil wir sie anfertigten.
Das war unser einziges Set.
Ich nannte ihr grobe Details,
dass es nach dem LA-typischen spanischen Stil aussehen sollte.
Warme Holzböden, Bögen, eine Treppe mit schmiedeeisernem Geländer.
Sie hat den Ton getroffen. Sie belebte die Wohnung.
Sie sagte: "Meine Oma hat das.
"Ein hängendes Brettchen."
Das fand ich super.
Sie hängte sich richtig rein. Deko, Bilderrahmen ...
Die Wohnung wirkte bewohnt, und es gab Details,
ohne zu detailreich zu sein. Das konnten wir uns nicht leisten.
Letztlich
gestalten die Animatoren den Film.
Das sieht man auf der Leinwand.
Nicht meine Strichfiguren,
sondern die schöne Animation.
Der Film spielt in einem Club, also brauchten wir viele Menschen.
Wir sind ein CG-Studio.
Wenn man CG nutzt,
gibt es eine ganze Abteilung, die sich nur darum kümmert.
Aber im Spark-Programm mit der 2-D-Animation
mussten wir kreativ werden, damit der Club voll und lebendig wirkt,
ohne dass wir über 70 Leute animieren.
Sie ließ sich von alten Cartoons inspirieren.
Wie die UPA-Filme, in denen der Hintergrund
nur aus ein paar Strichen bestand,
einfach um zu zeigen, dass da etwas war.
Wir wollten viele Figuren im Hintergrund haben,
die sich aber nicht bewegen.
Aber hier und da setzten wir strategisch
sich bewegende Figuren ein, damit es wirkt,
als würden viele Leute tanzen und der Club sei gut besucht.
Ich habe die Animationsabteilung wirklich gefordert.
Mit diesen Figuren ist so viel los.
In manchen Szenen sind sechs verschiedene Figuren,
die eine Person animieren musste.
Und die Figuren sind echt kompliziert.
Es war wie eine Feuerprobe.
Nun, ich ...
Mein Animationsleiter Lucas
fragte mich, ob ich zu Änderungen bereit sei
bei Ohrringen und Taschen.
Dinge, die die Animatoren immer und immer wieder unterbringen mussten,
und die sich über längere Zeit als schwierig erweisen könnten.
Eine Sache, die ich nicht ändern wollte,
waren die unterschiedlichen Frisuren der Figuren.
Das ist eine große Sache in der Schwarzen Kultur.
Es gibt viele verschiedene, einzigartige Frisuren.
Und sie lassen gut aufs Alter schließen.
Der Unterschied
zwischen der Frisur, die die Mutter macht,
zu einer aus dem Friseursalon.
Mir war klar, dass das anspruchsvoll werden würde,
aber sie waren ein wichtiger Aspekt der Figuren.
Wir hatten was vor.
Wir haben die Haare verändert, um es uns leichter zu machen.
Gia? Süße, wo steckst du?
Aber diese Animatoren sind spitze,
und ich habe mich so gefreut, weil die Zeit knapp war ...
Du nervst viel mehr.
... und es dennoch so gut wurde.
Du bist total planlos.
Ich bin seit 20 Jahren dabei
und fühle mich jetzt zum ersten Mal wie ein alter Hase.
Es kommen viele Jüngere nach,
die tolle Ideen und viel Energie haben.
Ich merke, dass ich weniger Energie habe.
Aber dieser Kurzfilm zeigt, wie Generationen einander beeinflussen.
Ich nehme immer meine Hündin vor ihrem Tod als Beispiel.
Sie hieß Pica.
Sie war ein kleiner Pitbull und circa zwölf Jahre alt.
Sie hatte Hüftprobleme.
Sie war alt und wollte sich nicht mehr bewegen.
Etwa zur selben Zeit schenkten wir meiner Tochter einen Yorkshire-Terrier.
Meine Tochter war glücklich,
aber die alte Hündin war noch glücklicher.
Denn plötzlich wollte sie wieder spielen.
Der Welpe erweckte sie wieder zum Leben.
So sollte die Beziehung zwischen dem Mädchen und dem Hund sein.
Als ich dem Team den Hund vorschlug,
sagten sie: "Das geht nicht.
"Schon gar keinen Hund mit Klamotten."
Vierbeiner
sind schwierig zu animieren.
Und dass die Oma den Hund hochhebt und woanders absetzt,
war auch sehr kompliziert.
Gleichzeitig war Louis' Bild so süß
und machte das Ganze so viel persönlicher,
dass wir es irgendwie hinkriegen wollten.
Mein Team hat so viel geleistet.
Sie haben die Formen ausgearbeitet, den Hund simuliert
mit richtigem Kapuzenpullover und ...
Der Hund kratzte am Sofa.
Am Ende war alles dabei.
Ich freue mich so, es zu zeigen.
Ich weiß nicht, was dabei herumkommt,
aber der Film ist fertig, und ich bin stolz, also mal sehen.
VORFÜHRRAUM
Das Erste, was man sich von einem Kinobesuch erhofft,
ist Unterhaltung.
Aber das ist nur die Oberfläche, quasi der Zuckerguss.
Es ist unsere Aufgabe, uns zu überlegen,
was wir dem Publikum mitgeben,
worüber wir es anregen, nachzudenken.
Damit es beim Abendessen noch daran denkt.
Und das geht nur,
wenn man Filmemacher hat, die auf einzigartige Weise Interessantes erzählen.
Am besten mit vorher nie dagewesenen Ideen und Konzepten.
Ich freue mich sehr über den Film
und bin extrem stolz.
Und ich war sehr emotional. Genau wie Erik,
denn es war von Anfang bis Ende einfach so verrückt.
FAST ERWACHSEN
Ich wollte eine Geschichte erzählen,
die zeigte, was ich durchmachte, und was andere ebenfalls durchmachen.
Unabhängig von Alter, Herkunft, Gender
konnte diese Geschichte viele Menschen berühren.
Und dass sie von einer Schwarzen Figur erzählt wird,
macht sie besonders, neu und aufregend.
Die Geschichte ist witzig, emotional
und wird mit einer unterrepräsentierten Stimme vorgetragen.
Ich freue mich, wenn andere den Film sehen und sich selbst darin sehen,
denn das können wir alle.
Ich freue mich darauf, dass Afroamerikaner
und insbesondere kleine Schwarze Mädchen ihn sehen.
Der Wunsch nach Repräsentation ist groß,
und den Film zu gucken und sich darin zu sehen,
bedeutet vielen Menschen viel.
Ich freue mich, dass die Leute sich gesehen fühlen
und wissen, dass dieser Film für sie ist.
Ich freue mich auch darauf, dass meine Familie ihn sieht.
Besonders meine Schwester.
Als ich ihr sagte,
dass eine der Figuren auf ihr basiert ...
Jetzt wird gefeiert.
... war sie überrascht und erfreut.
Tanzt weiter. Hier gibt's nichts zu sehen.
Lass mich in Ruhe.
Es ist ein Film übers Erwachsensein
und darüber, das Chaos zu akzeptieren, was damit zusammenhängt.
Heulst du etwa auf dem Klo?
Nein.
Ja.
Und ich wollte, dass Nicole sagt:
"Du übertreibst total. Das wird schon."
Gehen wir.
So mag ich das. Also los.
Wie im Kurzfilm
lerne ich gerade, mir selbst mehr zu vertrauen.
Darauf, dass ich es richtig mache. Oder fast.
Und dass ich weiter wachsen und lernen werde
und das nichts Schlechtes ist, sondern dazugehört.
Ich glaube, das hängt nur damit zusammen, dass ich den Film gemacht habe.
Ich habe es geschafft und habe überlebt.
Das ist das erste Mal, dass ich etwas fertig mache.
Ich habe lange vergeblich versucht, einen Kurzfilm fertigzustellen.
Ich fand keinen Weg, ihn aufzuteilen und ein Team zu haben.
Das ist mir jetzt erst gelungen.
Der Abschluss ist wichtig.
Man wächst nur, wenn man etwas abschließt.
Wir freuen uns, Nona endlich zeigen zu können.
Ich freue mich darauf, dass meine Familie ihn sieht.
Meine Tochter ist auch fünf, genau wie Renee.
Mich hinzusetzen
und mit ihr das Endprodukt anzugucken,
wird aufregend und bringt sie hoffentlich nicht auf dumme Gedanken.
Es war wunderschön, den Kurzfilm zu machen.
Geschichten ehren das Leben. Sie ehren Menschen.
Wenn ich meine Geschichten erzähle, ehre ich Freunde und Familie.
Das mag ich sehr.
Es ist toll, das jetzt zu machen. Aber ich musste 20 Jahre warten.
Als ich die Chance gehabt hätte,
auf einen Regisseurposten hinzuarbeiten,
hörte ich auf wegen meiner Kinder.
Es ging nicht beides.
Ich arbeitete abends und am Wochenende.
Ich erinnere mich gut an einen Morgen,
an dem meine Kinder fragten, ob ich mit ihnen spielen wolle.
"Ich komme gleich."
Ich dachte: "Ich zeichne noch was und dann ist gut."
Sie kamen herein und sagten Gute Nacht.
Ich habe den ganzen Tag verpasst. Mir wurde schlagartig klar,
dass sie diese Zeit nur einmal haben.
Sie sollen so viel wie möglich von mir haben.
Als ich mir die Geschichte ausdachte und sie immer spezifischer wurde,
wurde mir klar, was sie mir bedeutet.
Ich dachte: "Oh Mann.
"Das sind meine Kinder, die mit mir spielen wollen,
"während ich Karriere machen will."
Ich habe sie enttäuscht, weil ich unaufmerksam war.
Darum geht es in der Geschichte.
Ich brauchte diesen Weckruf.
Witzig, dass die Kurzgeschichte diese Wendung nahm.
Und so kam die Ehrlichkeit,
denn ich konnte sie auf besondere Weise nachempfinden,
auf wahre Weise.
Je persönlicher man wird,
desto universeller wird die Geschichte.
Für meine Kinder und deren Kinder
werden es weniger die typischen Märchen sein,
die ihnen das Gefühl geben ...
Die sie ansprechen.
Das Publikum will immer überrascht werden,
wenn es einen Film ansieht.
Wenn wir Filmemacher mit verschiedenem, diversem Hintergrund haben,
haben wir bessere Chancen,
diese Überraschung zu erzielen.
In Anbetracht der Tatsache, dass es Neuland
für die Regisseure ist, sie ein knappes Budget
und nur wenig Zeit haben,
hauen mich die fertigen Filme immer um.
Es ist erstaunlich, wie die Leute das schaffen,
und wie gut sie sind.
SparkShorts entwickelt sich so wie die Filmemacher sich entwickeln.
Und in der Zukunft
brauchen wir weiterhin neue Stimmen,
denen wir Chancen und eine Plattform geben.
Wir müssen selbst offener werden und sie anhören.
Als Studio, als Welt, als Publikum.
FAST ERWACHSEN (2021)
Dieses Programm zeigt uns die Filmemacher der Zukunft.
Buch und Regie: Louis Gonzales
Und es ist der beste Einstieg ...
BUCH UND REGIE: APHTON CORBIN
... in die hoffentlich nächsten Jahrzehnte bei Pixar.
Untertitel von: Zora Sturm