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Me llamo Pete Docter. Soy el CCO,
el director creativo de Pixar Animation Studios.
Llevo más de 30 años en Pixar,
pero hice todo tipo de cosas, de guion gráfico a animación a dirección.
Pixar cambió mucho, pero, en el fondo, sigue siendo la misma.
Al principio, trabajábamos en un edificio destartalado.
Participaron 112 personas en la creación de Toy Story,
y, sin embargo, fue una historia muy personal.
Como narradores, hablábamos de nuestras experiencias
en el mundo, el descubrir: "¿Qué son los celos?
"¿Qué hago cuando enfrento
"a alguien que es mejor que yo?".
Y todos esos temas de que trataba la película.
Crecí en Minnesota, en una aburrida ciudad de las afueras.
Todas las películas en las que trabajé, sobre monstruos,
un anciano que vuela en su casa a Sudamérica,
UP: UNA AVENTURA DE ALTURA (2009)
una niña que se muda a San Francisco...
INTENSAMENTE (2015)
todas eran historias muy personales.
Surgieron de mis experiencias de vida.
Así que pensamos
cómo dejar entrar ideas nuevas
y apostar por gente sobre la que la intuición nos dice:
"Esa persona es especial.
"Tendría algo interesante para decir".
SPARKSHORTS PROYECTOS DE ARTISTAS DE PIXAR
El programa SparkShorts es relativamente nuevo.
Quisimos darles a distintos narradores
la oportunidad de contar, en un tiempo acotado...
LINDSEY COLLINS Productora y VP de desarrollo
...quiénes son y qué historias contarían.
La historia de los cortos de Pixar es muy interesante
porque la empresa nació de cortos...
JIM MORRIS Presidente
...y específicamente, de un corto titulado Andre y Wally B,
que es el primer producto de animación digital.
LAS AVENTURAS DE ANDRE Y WALLY B (1984)
Los cortos se integraron al ADN de la empresa.
EL SUEÑO DE RED (1987)
Los hacíamos para probar nuevas ideas tecnológicas
JUGUETE DE HOJALATA (1988)
al avanzar los gráficos digitales,
todo esto antes de hacer Toy Story.
Parte de la idea inicial tras los proyectos de cortometrajes
fue la toma de riesgos.
Había un poco de:
"No tenemos mucho que perder, porque nadie nos conoce".
Así que podíamos correr riesgos y apostar.
Dijimos: "¿Y si hiciéramos algo con un presupuesto mucho menor
"al de nuestros cortos tradicionales?".
Le damos al cineasta total libertad para contar la historia que desee
y seis meses para hacerlo.
Creamos el programa SparkShorts
porque no sabíamos qué talentos estábamos desaprovechando
al no brindarles la oportunidad de contar su historia.
Deseamos una visión sin filtros de lo que aportan estos narradores
y no deseamos interferir.
El único modo de crear buenas historias para largometrajes...
...es conectar con la generación siguiente.
No podemos esperar 20 años para conectar con ella.
Debemos conectar con ella ahora.
A SPARK STORY: UNA HISTORIA CON CHISPA
Mi nombre es Aphton Corbin.
Soy artista gráfica en Pixar Animation Studios.
APHTON CORBIN Artista gráfica
Siempre me atrajo escribir y compartir historias.
De niña, hacía cuadernitos de dibujos, los unía,
armaba toda una situación
y los regalaba en los cumpleaños.
Cuando era más pequeña, dirigía los juegos con mi hermana.
Decía: "El personaje no hablaría de ese modo.
"Hay que repetirlo de este modo".
Desde que me contrataron aquí en Pixar, supe que deseaba dirigir.
Suena muy ambicioso: "Quiero dirigir".
No sabía cuánto tiempo iba a llevarme,
pero sí que deseaba, algún día, dirigir algo.
Aphton impresionó a todo el estudio desde el momento en que llegó.
Rápidamente, ganó reputación
de siempre tener algo para decir que todos querían escuchar,
no importa en qué área estuviera.
Trabajé con Aphton en Soul.
Ella creó la visualización de los consejeros del universo de Soul.
CÓMO SE MUEVEN...
Es una artista gráfica muy talentosa con ideas curiosas que te hacen pensar:
"¿Cómo se le ocurrió esto? Es extraño y maravilloso".
Mi nombre es Louis Gonzales y llevo casi 20 años en Pixar.
LOUIS GONZALES Artista gráfico
Desde que me inicié en la animación,
siempre viví de desafío en desafío.
Siempre me entusiasmó tomar todo tipo de trabajo en Pixar,
porque era más una experiencia que un trabajo.
Con el tiempo, tuve la suerte de participar en películas muy especiales
que mucha gente ama,
y pude dejar mi granito de arena.
Pero ahora, casi dos décadas después, pensé: "¿Qué más necesito?
"¿Adónde va mi carrera? ¿Qué estoy haciendo?
"Quizá no sea mi destino hacer cosas como director".
Louis lleva aquí muchísimo tiempo.
Es un artista gráfico prestigioso...
VALIENTE (2012) Guion gráfico de Louis Gonzales
...y una mente creativa fantástica.
RATATOUILLE (2007) Guion gráfico de Louis Gonzales
Louis trabajó con Brad Bird en películas como Los increíbles.
Tiene un punto de vista muy especial.
LOS INCREÍBLES (2004)
Y le dio vida a personajes sensacionales.
Es un gran generador de ideas.
Te genera curiosidad:
"¿Qué hará este tipo cuando tenga la oportunidad?
"¿Qué historia contará?".
Más o menos al año de trabajar en mi primera película, Toy Story 4,
solo pensaba en hacer bien los guiones gráficos.
Un día recibí un email que decía:
"Queremos que sepas
"que surgió tu nombre como director de un SparkShort".
Un tiempo antes, Lindsey y Jim se me habían acercado.
Pensé que iban a despedirme.
Pero me preguntaron qué quería hacer en el futuro.
Y yo dije: "¿Puedo elegir qué hacer?".
Ni siquiera se me...
No se me había ocurrido que yo podía decidir mi futuro.
Entonces, sugirieron: "¿Qué piensas de un SparkShort?".
Algo magnífico de los SparkShorts es
que te coloca en un lugar de enorme vulnerabilidad.
No tienes dónde ocultarte, eres el espectáculo.
La presión es grande, te pesa,
intentas descubrir cómo trabajar de ese modo,
cómo bajar la guardia lo suficiente para permitir que otros colaboren.
Cuando les explicamos a los directores las reglas para hacer un SparkShort...
...les decimos: "Debe ser una narración...
"Puede haber animación digital, puede ser 2D,
"y tiene que ser para todo público".
Intentamos terminarlo en unos seis meses.
Más allá de eso, no hay reglas.
ANUNCIO DE LOS DIRECTORES DE SPARKSHORTS 2020 - 24 de octubre, 2019
Seleccionamos a los directores de SparkShorts de 2020, y son...
Louis Gonzales...
Cuando nos anunciaron en la reunión,
no esperaba tanta demostración de cariño.
Sentí: "Dios mío, la gente de esta empresa
"desea que tengamos éxito.
"Quiere vernos contar historias".
Para mí, eso fue fabuloso, en serio.
Y me agregó presión.
Cuando te apoyan así,
dices: "No quiero decepcionar a nadie".
Al principio, cuando me sugirieron hacer un SparkShort,
dije: "Mejor no. Lo voy a pensar".
Pero luego comprendí
que tenía miedo de hacerlo mal,
de chocar de lleno contra la pared, los dientes volando para todos lados.
Temía fracasar.
Cuando comprendí que temía fracasar en ese aspecto,
en el aspecto creativo, que me enorgullece como artista gráfico,
decidí: "Tengo que correr a esa pared porque voy a atravesarla".
El día que nos anunciaron fue increíble.
Me generaba mucha inseguridad que me eligieran.
Temía que fuera demasiado pronto,
y no sabía bien cómo iba a liderar un equipo.
Me decía: "¿Qué va a pensar la gente?
"¿Va a decir: '¿Aphton? Entró hace muy poco.
"'¿Qué podrá hacer?'".
Y Louis es un artista gráfico extraordinario
que trabajó en muchas películas que vi de niña.
Pensé: "¿Vamos a dirigir al mismo tiempo? Genial. Nada de presión".
Muchas veces la gente pregunta cómo hacemos las películas.
Y no hay una única manera. Cada película es diferente.
Todas parten de una idea, claro,
pero luego puede ser que la escribas como guion
o como esquema.
Puede ser que el artista se siente a dibujar la idea, como un guion gráfico,
quizá solo ideas sueltas que basten para trasmitir el concepto.
Una vez superados la sorpresa y el susto, fui pensando ideas para mi corto.
Primero pensé:
"Podría hacer algo que dé miedo, algo del género de terror".
Hay muy pocos cortos animados de terror.
Pensé: "Eso será divertido y novedoso".
Pero después dije: "Me costará bastante hacer una película.
"No necesito el desafío extra
"de un género totalmente distinto en el que todavía no incursioné".
Siempre supe que sería
una historia sobre lo extraño que es el paso a la adultez.
Para mí, como veinteañera,
a veces prevalece la sensación de no estar haciéndolo bien.
Mucho tiempo antes, había hecho un cómic sobre el tema.
Cuando tienes 26, algunas veces te sientes adulta,
y otras veces te sientes como dos niños en una gabardina.
Pero ese es solo un cómic de una frase.
¿Cómo desarrollo eso en una historia?
Reflexioné sobre la sensación
de: "Hoy todos me ven como una niña con hombreras,
"y no estoy usando todo mi potencial de adulta".
O cuando en el trabajo respondo con brusquedad...
BLA BLA BLA
...y pienso: "Pude haber dicho eso con mucha más elocuencia".
En cambio, tuve una regresión a mi adolescencia.
Esos pequeños recuerdos me venían a la mente.
"Creo que aquí hay una historia".
Me encanta tener parámetros.
Cuando tienes un tiempo limitado,
una cantidad mínima de personas,
necesitas una buena estrategia para abordar cada Spark.
Lo más seguro hubiera sido ir por una idea impactante.
Como que los padres beben una poción y se transforman en peluches
y al final, aprenderían a ser mejores padres de sus hijos.
"Vaya, animar ositos de peluche. Me encanta. Muy tierno".
Pero quería ir más profundo.
Sabía que quería hacer una historia con una abuela.
Como las abuelas con las que crecí.
Había firmeza y dureza, pero mucho amor.
Te daban lo que no tenían, hacían todo por ti,
pero no parecían muy accesibles.
Así que comencé a rondar esa idea de la brecha generacional.
Para mí, era fundamental basarme en mi gente.
Quiero que mi familia y mis amigos representen el mundo,
cómo se mueve y respira el mundo.
Que será diferente al tuyo o al que cualquier otro.
Nuestros mundos son diferentes.
Recuerdo a mi abuela Pearl, que ya falleció y tenía mucha actitud.
Mi hija era demasiado pequeña para tener
una relación con mi abuela.
Pero, a muy temprana edad, también tenía actitud.
Me hubiera fascinado ver cómo se habrían llevado.
Me encanta la yuxtaposición de la inocencia pura y la experiencia.
Pero la vulnerabilidad genuina de los personajes
debe provenir del artista en forma genuina.
El artista debe ser vulnerable.
Y eso es lo que me resulta difícil.
Surgieron mil preguntas
para intentar definir esa idea enorme e incorpórea que parece sencilla,
así que necesitaba orientarme.
Necesitaba algo que me diera la sensación de que era posible hacerlo.
Entonces, fui a Londres a visitar a un amigo,
y me llevaron a ver una obra, Muerte de un viajante.
La vida y el tiempo de ese marido, la relación con su familia.
Es así de sencillo, pero así de claro.
Pensé: "Por Dios, ojalá mi corto pudiera tocar la superficie
"de lo que hacen los actores de esa obra y tuviera ese impacto.
"Es ahí adonde quiero ir".
Tengo el folleto en mi tablero
para recordarme que los personajes son la clave.
"¿Qué puedo hacer con una abuela y una nieta
"y el perro viejo de la abuela en un apartamento?".
Puedo extraerle cada gota de personalidad a ellos tres,
porque es, en sí, una obra teatral.
Es interesante cuando dicen:
"Nunca fui bueno para dibujar, así que no dibujé".
Yo no supe si era buena o no.
Era algo que debía hacer.
Era casi como mi propia forma de terapia.
Si me frustro, digo: "Tengo que dibujar".
O: "Estoy feliz, voy a sentarme a dibujar".
Pero, en mi infancia,
no había mucho contenido con niñas negras.
Mi hermana y yo nos disfrazábamos solo de dos princesas de Disney,
Pocahontas y Jasmín, pues eran las que tenían piel más oscura.
Así que cuando era muy pequeña,
automáticamente dibujaba cabello rubio y ojos azules.
Si no se especifica el personaje, eso hacemos.
Y siempre me increpaba algún miembro de la familia.
Aphton, ¿puedo preguntarte algo? Noté que...
"¿Por qué solo dibujas personajes blancos?".
¡Porque sí! Porque ¿qué?
Y la frustración de intentar explicarle a tu familia:
"No sé ni por qué me preguntas.
"Sabes la respuesta".
¡No, papá! Están en Japón
"Dibujo lo que veo.
"Y la gente no quiere otra cosa que gente blanca,
"porque si no, estarían en la tele".
Y si dibujo gente negra, nadie leerá mis cosas ni aprobará mis caricaturas.
Fue sumamente difícil superar eso.
No tiene por qué ser así. Tú puedes cambiar eso.
Me llevó tiempo y mucho desaprender.
Fue un acto de fe.
Dije: "Sí, voy a dibujar más personajes de diferentes razas".
Me hacía sentir bien y me parecía sincero, porque es lo que conozco.
Luego decidí: "Salvo que alguien me diga que no,
"voy a dibujar casi todos personajes negros
"y los demás serán personas de color,
"y veamos cuánto tarda en decir algo un profesor".
Nadie me dijo nada. Habría sido
una conversación muy interesante.
Luego, se convirtió en mi norma.
¿Por qué dibujas tantos personajes negros?
Si yo no los dibujo, ¿quién los dibujará?
Cuando llegué a Pixar, habían visto mi trabajo.
Así que, en mi interior, pensé: "Saben lo que contrataron".
Trabajar en Soul fue una revelación para mí
porque, como chico blanco en Estados Unidos,
vi a miles de personajes que representaban mi experiencia.
Joe Gardner en Soul es el primer protagonista afroamericano.
Así que intentar ver el mundo a través de sus ojos
implicó mucho aprendizaje de mi parte.
Y Aphton contribuyó mucho a esa narración.
Atreverse a desafiar el nivel de diversidad
de voces y personajes es importante.
Cuestionar...
"¿Por qué es blanco este personaje? ¿Hay alguna razón específica?".
Porque, a veces, no la hay. Francamente, a menudo sucede
que alguien dibujó dos puntos y una cara sonriente
que siguió el proceso de producción, y se autocompletó como personaje blanco.
Desafiar eso, que haya más personas dispuestas a decir:
"Cómo no. Busquemos el modo de sumar diversidad aquí".
Todos tenemos emociones y experiencias con que nos identificamos.
Me entusiasma que la gente se acostumbre a ver historias comunes
a través del lente de un personaje negro.
Eso espero hacer con mi película.
VEINTIALGO (2021) Diseño del personaje 'Gia'
La historia inicial era un día en la vida de un personaje, Gia,
cuando cumple 21 años.
En mi mente, la idea era que,
en lugar de volverse mayor y más madura,
lleva a más niñas en la gabardina.
Debería haber 21 ahí dentro.
Pero pensé: "Es una ridiculez. Con suerte, tendré unas pocas".
Por eso, me propuse decidir qué edades eran clave.
Así llegué a la de un año, representada por la bebé,
emociones puras.
Luego, Diez. Representa la confianza en ti misma,
el optimismo,
y la seguridad de saberlo todo a esa edad.
Y luego quise tener a Dieciséis, la adolescencia en su máximo esplendor.
Para mí, los 16 son una edad cargada de emociones,
insegura con respecto a todo.
Me pareció que se equilibraban bien entre ellas.
Ojalá esta película tenga sentido.
No puedes separar la experiencia del narrador
de los tipos de historias que narra. Es algo innato.
Algo que todos hacemos como narradores.
Nos acercamos a aquello con lo que crecimos,
aquello que nos gusta.
Siento que eso no se pierde nunca.
RESPETO
Al crecer, tuve un grupo de amigos muy unidos.
Eran mi banda de grafiti.
Los quería mucho. Solo nos importaba el arte.
En esas bandas, había diferentes nacionalidades,
diferentes culturas. Éramos nosotros contra el mundo.
Me encantaba que el arte era una invitación a compartir.
No importaba quién eras, solo importaba el arte.
Nos divertíamos en Los Ángeles,
pintábamos, huíamos de la policía, subíamos a autobuses
y saltábamos de las ventanas si el conductor se detenía.
Eran travesuras divertidas,
pero hacíamos arte, y eso me encantaba.
La cuestión es que era un escape,
una forma de verte más grande de lo que te veían los demás.
Hablamos de Los Ángeles en los años 80 y 90.
Proliferaban las pandillas en una de cada dos esquinas.
Nadie le decía a un chico marrón:
"Dios mío, vas a ir a Harvard".
Te decían: "Dios. Acabarás preso.
"Mírate, eres un grafitero".
Y nosotros decíamos: "Solo queremos que nos vean".
TE HICE MIRAR
Quise estudiar arte en la universidad, pero mis padres no podían pagarlo.
Traté de conseguir algún tipo de beca,
pero era pésimo alumno. Es la verdad.
No me concentraba en el estudio tanto como debía,
porque me la pasaba dibujando.
Tuve padres geniales.
Siempre apoyaron que dibujara.
Pero se ganaban la vida conduciendo autobuses.
Me decían: "Por supuesto. Dibujar es estupendo.
"Vamos a apoyarte.
"Pero ¿y si conduces autobuses?".
Y yo decía: "No voy a conducir autobuses,
"porque eso sería conformarme, mamá".
Pero eso siempre me impulsó a intentar
vivir del dibujo.
Mi espectro de posibilidades era
hacer diseños para camisetas, grafitis para frentes de tiendas,
como con aerografía.
Era algo modesto con lo que podías sobrevivir.
No sé si alcanzaba para mantener una familia.
Buscaba mi lugar
y pensé que me gustaría hacer cómics.
Empezaron a interesarme los cómics en la secundaria.
Me fascinaban los hermanos Hernandez. Jaime, Berto y Mario.
Me fascinaba su trabajo porque era una gran combinación
de personajes que vivían en una zona como la mía.
Eran mayormente latinos.
Se basaba en un mundo como el mío, pero tenían aventuras.
Iban al espacio exterior.
Me parecía fantástico, distinto.
Con los cómics, redoblaba los esfuerzos. "Quería contar historias".
Mi hija adoraba disfrazarse cuando era más pequeña.
Tenía un disfraz de Tigger.
Le encantaba bailar así vestida de Tigger.
No se lo quitaba en varios días.
Cuando empecé a explorar ideas para la niña,
la imaginé como una pequeña que se disfrazaba de gato.
Quería que fuera una niña de cuatro años, pura,
con la energía, el entusiasmo y la imaginación
que suelen tener los niños de esa edad.
Sus emociones están desatadas.
Pueden pasar de estar contentos, a tristes, a enfadados, a juguetones
todo en cuestión de cinco a diez minutos.
Tenía una abuela dura
que iba a recibir la visita de su nieta, que era superenergética.
"Quiero la atención de mi abuela".
Y la abuela dice: "Sí, te quiero, pero ahora estoy ocupada".
Tuve que imaginar por qué la abuela
tendría tanto interés en mantener alejada a la niña.
Empecé a explorar el personaje de la abuela.
No quería que horneara galletas ni fuera una versión de la TV de los 80,
sino alguien que conociera.
Esa dureza que recuerdo de mis abuelas.
Fue como intentar tomar partes de ellas,
extraerles características.
Al pensarlo, fue como decir: "¿Y si amaba la lucha?".
Pero eso viene con trampas.
"Eres hispano. ¿Ella es hispana?
"Luchadores, ¿no? Ella era luchadora, ¿no?".
Y yo decía: "No. Ama la lucha como las novelas".
Es lo mismo, solo que más atlético.
Es lo que ama mirar.
Me pareció que me había encaminado bien.
No era una decisión arbitraria la que la hace interesante.
Está anclado en algo real.
Pensé: "Bien, así será". Y así empezó.
En general, hago guiones digitales,
pero cuando pienso ideas, a veces primero dibujo en papel,
más como miniaturas.
Para empezar a organizar las tomas que tengo en mente
y ayudarme a visualizar algunas escenas clave
que quiero retratar en mi corto.
Trabajo en la charla introductoria de Gia con su hermana Nicole.
Para crear el personaje de la hermana, me basé en mi hermana.
Mi hermana es mi mejor amiga. Nos llevamos solo dos años.
Es fabuloso tener a alguien de una edad muy parecida a la tuya,
que sabe lo que estás pasando.
La idea de salir con tu hermana en tu cumpleaños número 21
me resultó comprensible y adorable.
Me entusiasmé mucho con su relación.
Entonces, empecé a pensar en ambientes.
Al principio, se me ocurrió una oficina.
Empezaba con una charla informal entre amigas,
y tres personajes uno encima del otro.
Y luego algunas amigas la llevan a una disco,
y ahí es cuando tiene la crisis.
Pero como yo no trabajo en una oficina tradicional,
me pareció poco genuino.
Después dije: "¿Y si quito toda la parte de la oficina
"y que directamente pase todo en la disco?".
Como introvertida y hogareña,
puedo decir que hay algo muy real en eso de ir a un sitio
donde deberías divertirte, pero no te diviertes.
Me pareció bien. Tenía un solo ambiente, era conciso
y le daba solidez al resto de la historia.
La abuela tendrá 50 y pocos años.
No será demasiado vieja como para quejarse de la cadera.
¿Cómo quieres el cabello? Es complicado.
Estamos...
El director es el narrador clave.
Y su mano derecha es el productor.
Afrontan muchas cosas inesperadas
y deben pensar:
"¿Cómo hago esto mejor, más rápido y económico?".
Necesitaba que mi socia en el corto fuera capaz de controlarme.
No quería puntos ciegos.
Pero deseaba saber quién era Courtney.
Pasaste por muchos departamentos, ¿no?
¿Cómo te gusta trabajar?
Para mí, algo fundamental
para acelerar el ritmo es colaborar.
Me llamo Courtney Kent.
Llevo poco más de 13 años en Pixar.
¿Cuántos editores tenemos?
¿Cómo funciona eso?
Tengo una lista de personas dispuestas.
Podemos sentarnos a hablar con todos.
En este tiempo, pude ayudar a desarrollar
el primer SparkShort, Smash and Grab.
Desde entonces, siempre dije
que si había una oportunidad para producir un Spark, me encantaría tomarla.
Louis y yo formamos equipo, sin conocernos,
lo cual me resultaba intimidante y emocionante a la vez.
Era como un matrimonio a ciegas.
Estaba muy nerviosa.
Sentía que tenía mucho por demostrar.
Al no tener experiencia en producción, sientes
que no sabes lo que haces.
Pero apenas empezamos a hablar de la historia,
como se centraba en la familia,
y yo tengo una hija pequeña,
enseguida logramos conectar,
y eso nos dio mucho ímpetu para avanzar.
El productor es el socio del director,
pero también el líder del equipo.
Les pedimos a los productores de SparkShorts
que busquen a personas en quienes confíen
y las usen para llevar a la pantalla la visión del director.
Creo que me dijeron: "Tienes un productor, y es Erik".
No lo conocía, y mi reacción inicial fue:
"Puedo encargarme sola".
Ni siquiera sabía qué significaba esa relación.
Luego empecé a entender cómo sería nuestra dinámica.
Me llamo Erik Langley.
Trabajo en Pixar desde 2004.
ERIK LANGLEY Productor de Veintialgo
Ya van unos 16 años.
Y esta es la primera vez que produzco un SparkShort.
Desde el comienzo, Aphton sabía cuál era la historia y qué quería decir,
y no hay nada mejor para un equipo
que un director que sabe lo que desea decir.
El equipo más grande de una película será el de animación.
Anticipo que los animadores preguntarán:
"¿Qué pasa con ese abrigo?
"¿Tienes pensado cómo...?
"¿Con qué frecuencia vemos el interior?".
Queríamos hablar con los animadores para darles contexto,
para que vieran cuál sería la historia, los personajes, el estilo...
-Lo deciden ustedes. -Cosas como esta. Sí.
-Puedes decidir. Entusiasmarlos. -Exacto.
A veces, los animadores pueden elegir en qué material trabajar,
así que debes convencerlos de que tu idea es
atractiva, y que se divertirán mucho.
Los 70 animadores estaban en una sala de proyección.
Los animadores tienen fama de exigentes.
Algo como: "Ya estamos aquí, entreténgannos".
Era mi primera presentación ante un grupo tan grande.
Tenía miedo, estaba nervioso. Era importante.
Porque cómo viva y respire tu película
lo dictaminará la relación que tengas con los animadores.
Siempre que debes pararte ante más de 100 personas
y hacer una pequeña presentación
te pones un poco ansioso.
De acuerdo. Hola, animadores.
Gracias por permitirnos interrumpir su reunión. Yo soy Erik, el productor.
Yo soy Aphton, la directora. ¿Presiono esto para empezar?
Sí.
El título provisorio que estamos usando es Veintialgo.
Pensé: "Bien, espero recordar todo lo que había planeado decir".
A propósito, me ocurre cada vez que salgo
y me siento abrumada por toda la gente que sabe lo que hace.
Esos momentos en la oficina
en que sientes que no dijiste lo correcto.
Tenía algunas fotos vergonzosas de mi niñez.
Pensé: "Les gustarán".
Dieciséis
"Yo lo odiaré, a ellos les encantará".
Fíjense en los guantes de red sin dedos. Sigamos adelante.
Aphton tiene un concepto muy interesante.
Estuvo graciosa, tenía a sus personajes y demás. Fue una buena presentación.
Por favor.
Pero a esa altura del proceso, yo tenía a mis personajes
y el ambiente, pero no la historia.
"¿Qué historia me representaría mejor?
"Entre una abuela de 50 y pocos años
"y su nieta".
Pensaba: "Nadie querrá trabajar en este corto".
No despertaba entusiasmo.
Así que decidí presentarme a mí mismo.
-Aquí está. ¡Vamos! Sí. -Sí, le encanta la lucha.
Quiero subrayar quién soy y cómo hago las cosas.
La niña lanza codazos y patadas.
Entusiasmar a alguien con esto.
La abuela la baja, la hace girar y la pone boca abajo.
Esas cosas que no debemos hacer con niños pequeños,
la abuela seguramente las hace.
De acuerdo. ¡Gracias!
La recepción fue excelente. La gente parecía entusiasmada.
Después, a los dos se nos acercaron animadores
para decirnos que la historia les parecía muy divertida.
-Daniel. -Felicitaciones.
Gracias, hermano.
Felicitaciones, chicos.
Igualmente para ustedes.
La presentación tuvo buena respuesta.
Había entusiasmo, querían participar.
Pasé mi vida entera lanzándome a altamar
y arreglándomelas para volver a la costa.
No estudié arte, ni tengo
esa mentalidad de adaptación
que desarrollas cuando recibes una educación formal
y te crías de cierto modo.
Fue cuestión de ver cómo ir resolviendo las cosas.
Hace mucho, estaba en la parte de atrás de una tienda de cómics
con otros amigos y conocí a un tipo, Johan,
que tiene un programa de mentorías. Dijo:
"¿Nunca pensaste en la animación?".
Le pregunté: "¿Para mirarla?". Y él me respondió: "No, para trabajar".
"No sé si puedo hacerlo".
Me dijo: "Prepara un porfolio
"y busca trabajo en animación".
Pensé: "No tengo nada que perder y quiero vivir del dibujo".
Me decidí y empecé a despertarme a las 7:00 a. m.
En un pequeño escritorio junto a mi cama, hice pruebas
y dibujos todos los días, durante unos ocho meses.
Fui armando un porfolio.
Iba a dibujar al zoológico.
A los museos.
Iba adonde pudiera meterme
para dibujar a mano alzada.
Cuando terminé todo, tenía un porfolio. Me asombré.
Me presenté en varios estudios.
Algunos me dijeron: "Gracias, pero no".
Pero Warner Bros. Feature dijo:
"Sí, queremos que vengas como aprendiz".
Pregunté: "¿Cobraré un salario?".
Warner Bros. Feature Animation me enseñó arte.
Allí me inicié. El gigante de hierro me brindó muchas oportunidades.
Porque siempre se aprendía.
EL GIGANTE DE HIERRO
El gigante de hierro
fue una de las mejores experiencias de mi carrera.
Brad Bird era un géiser de energía,
una fuerza que hacía avanzar la película.
Y todos hacíamos lo imposible para intentar seguirle el ritmo.
Brad y el equipo me dieron la oportunidad de probarme.
EL GIGANTE DE HIERRO (1999) Arte conceptual de Louis Gonzales
No había juicio. Decían:
"Aquí tienes. Si sigues trabajando bien,
"te mantendré ocupado".
Y yo decía: "Por favor, denme más".
Lo que menos quería era dejar la animación,
me encanta. De no ser por El gigante,
no habría trabajado con Brad. Y no estaría en Pixar.
Pixar me causó una primera impresión muy extraña.
Porque cuando llegué, todos fueron tan amables que pensé:
"Son todos falsos. No me engañan".
Aquí la gente venía a hacer grandes cosas, y eso me fascinaba.
Pero cuando entras a un estudio de animación
y ves figuras de acción en todos los escritorios
y todo tipo de cosas divertidas... Pensé: "No pertenezco aquí.
"No tengo nada que ver con esto". Me parecía un mundo distinto.
Así comencé un largo proceso de intentar entender cómo encajaba.
Además, trabajaba como 14 horas por día, seis días a la semana, mínimo.
Y cuando eres padre, tienes una responsabilidad.
La familia lo es todo para mí.
Y hallar el equilibrio no fue nada fácil.
¿Escojo mi carrera o a mis hijos?
Eso lo hace difícil.
Cuando se me ocurrió tener
tres niñas una encima de la otra dentro de una gabardina,
dije: "Tendré que presentar esto
"como una idea que no será cara
"ni complicada, y el modo de hacer eso
"y que parezca hermosa y atractiva es usar 2D".
VEINTIALGO (2021) Rotación del personaje 'Gia'
La diferencia entre la animación 2D y 3D
es que la 3D es digital y puede mostrar profundidad en tres dimensiones.
Y la 2D es plana, dibujada a mano.
Hubo dos SparkShorts en 2D,
Gatbull y Madriguera.
MADRIGUERA (2020)
Consideré que había suficiente conocimiento colectivo.
"¿Por qué no podemos hacerla en 2D? Vamos a intentarlo".
Me gusta mucho esto, Rachel. Qué rápido.
Siento que te pedí lo que quería,
y tú dijiste: "Sí. Aquí tienes, aquí tienes".
Es mi trabajo, ¿no?
Ya sé.
Trabajo con Rachel, mi diseñadora de personaje.
YINGZONG 'RACHEL' XIN Diseñadora de personaje, Veintialgo
Había pensado en hacer yo el diseño de personajes,
pero también deseaba dedicarme a mi nuevo rol de directora.
Y dirigir a alguien en arte
me pareció otra cosa importante que necesitaba aprender.
Me gusta mucho este.
Creo que encontramos algo divertido para el cabello.
Y me agrada más esta forma de la cara.
Encontrar mi voz como directora cobró mucha importancia
en este loco proceso de Spark.
-¿Le ponemos...? -¿La pegatina?
-Los Post-it de director. -Sí. ¿Quieres...? Sí. Hazlo tú.
-¿Te molesta si lo disfruto? -Disfrútalo.
-Es un momento especial. -Sí. ¡Me gusta este!
Este. Me agrada muchísimo. Me encanta esta cabeza.
Empecé a rememorar y analizar todo eso
que me hizo ser quien soy y me trajo aquí.
De niña, siempre amé la animación y las caricaturas.
Sobre todo, las caricaturas de Disney.
En la secundaria, hice un curso de animación.
Proyecto de animación de secundaria de Aphton
Y me quedaba en mi cuarto dibujando y uniendo papeles.
Me apasionaba ver cómo un dibujo cobraba vida. Y a partir de ahí,
averigüé de distintos lugares que lo enseñaban.
Me atraía mucho CalArts,
porque había sido fundada por Walt Disney.
Decía: "Tengo que estudiar allí".
Apenas me gradué, solicité entrar a CalArts,
pero no me aceptaron. Entonces, fui a un instituto terciario.
Trabajaba muchas horas en McDonald's para tener un ingreso.
Y pensaba: "¡Santo cielo! ¿Algún día podré dedicarme a la animación?".
Pero seguí trabajando en mi porfolio.
Durante ese año y medio, medité mucho sobre mi identidad
como artista.
Me inspiraba mucho el anime japonés.
Intentaba dibujar
con un portaminas esos trazos tan delicados del anime,
y por otro lado,
trataba de hacer bosquejos bellos al estilo Disney.
Cada tanto,
garabateaba algo...
¡Hola, elfo!
...para mí, un cómic tonto.
¡COSCORRÓN PARA EL SOPLÓN!
La gente decía que le gustaba mucho.
Yo aclaraba: "No es como quiero dibujar.
"Eso no es bueno".
Pero seguía recibiendo comentarios muy positivos.
Sube, no pasa nada
Ahí empecé a sentirme más cómoda con mi situación.
Armé un porfolio y volví a presentarme en CalArts.
Porfolio de aceptación a CalArts de Aphton
Reaccionaron muy bien, y entré a CalArts.
El plan era terminar lo antes posible,
porque era demasiado caro para mí.
Así que pensé: "Voy a estar aquí un año.
"Quizá dos.
"A Pixar le encantará mi trabajo, me contratará,
"y me iré". Pero no fue lo que sucedió.
Pasé los cuatro años nerviosa, pensando:
"¿Por qué nadie repara en mí? ¿Qué estoy haciendo mal?
"¿Qué buscan los estudios?".
Necesitaba madurar más.
Necesitaba tiempo para aprender a ser más auténtica en mi arte.
Y necesitaba hallar mi voz.
Un profesor me dijo: "Crea una cuenta en Tumblr y publica arte ahí".
Así que usé Tumblr como:
"Voy a subir algo cada semana,
"no importa si es feo. Va a estar ahí".
Sí, pero eres muy bonita, por ser negra.
¿Nunca te sentiste una extraña en tu propia casa?
Entonces, empecé a dibujarme...
Ahora multiplica eso por dos.
...en cómics, por primera vez.
Y mis experiencias de crecer en la zona de Sacramento,
que tiene mayoría blanca.
Vivir ahí como familia negra
implicó pasar por muchos momentos incómodos.
Esos cómics eran garabatos burdos.
¿Nunca deseas tener una tez más clara?
Y los publicaba a medianoche.
Luego me escondía en mi dormitorio. Pensaba: "Dios mío, ¿qué publiqué?
"Me expuse mucho".
Leí algunas de las historias que compartiste
y pensé que quizá querrías leer mi historia.
La cantidad de mensajes
o de gente que me paraba
para contarme su historia superó todas mis expectativas.
Me decían: "Yo siento lo mismo" o "Estoy de acuerdo"
o "A mí me pasó esto".
Eso me resultaba muy conmovedor y muy inesperado.
Me daba coraje para seguir compartiendo mis historias a mi modo.
¡Gracias por seguirme!
Pensé: "¿Por qué perdí el tiempo intentando ser
"lo que no soy?".
Y así fue como reparó en mí Pixar.
Me contactaron. Y pensé:
"De todas las cosas que pensé que le interesarían a Pixar,
"jamás hubiera dicho que sería mi cómic".
no era mentira, soy la única mujer negra de mi departamento.
Pero no es nada a lo que no esté acostumbrada.
A esta altura, aprendí a ser la distinta.
Pero pude explorar una historia genuina
y ayudar a la gente a ver mi punto de vista,
y a Pixar le apasiona eso.
Contar historias desde un lugar auténtico.
Cuando cuento una historia, quiero que se sienta sincera.
La historia iba a ser que la nieta llegaba
y quería estar con la abuela.
Y la abuela trataba de hacer algo
que la nieta interrumpía.
¿Cómo lo desarrollamos?
Yo deseaba que la abuela tuviera una imaginación frondosa.
Sabemos que los niños la tienen.
Buscaba ese puente de... Sí, son parecidas.
Cómo podemos mostrar eso visualmente sin decir:
"Cielos. ¿Te gusta luchar?
"A mí también. Estupendo, hacemos una pareja de abuela y nieta genial".
No quería diálogo. No, solo quería representarlo y ver
lo que podía hacer. Había hecho muchas películas con diálogo
que te hacían pensar: "¿Pueden dejar de hablar?".
Adoro la animación que dice poco.
Un axioma de aquí es la convicción
de que debes poder quitar el sonido de cualquier filme nuestro y entenderlo.
La narrativa debe ser así de clara, y la imagen debe ser así de poderosa.
Para WALL-E, siempre nos habían dicho:
"Los niños no se quedarán a mirar
"una película que empieza con 25 minutos de silencio,
"perderán el interés". Pero la realidad es
que los niños pasan sus primeros cuatro o cinco años de vida observando y mirando
y tratando de comprender lo que sucede.
Y no tienen problema en comprender el lenguaje que perciben.
Así que hay que buscar una buena dinámica entre la historia y las imágenes,
poder decir: "Esto puede prescindir del diálogo".
-¡WALL-E! -¡WALL-E!
Quizá funcione mejor cuando tiene diálogo.
Pero puede prescindir de él.
Al inicio, nos dijeron:
"En un SparkShort, les conviene tener dos personajes,
"un diálogo mínimo y uno o dos ambientes".
Pero el corto de Aphton tiene cinco papeles con diálogo.
Debía convencerlos de esta idea. Iba a necesitar diálogo
porque la forma de hablar transmite mucha personalidad.
¡A festejar!
Le pregunté a Erik: "¿Me darías una idea aproximada de cuánto diálogo
"tuvieron los cortos anteriores?". Y me contestó:
"Unas cuatro páginas". Dije: "Está bien.
"Creo que el mío tendrá más".
La idea de sentirse inseguro sobre la adultez es un poco compleja.
Al hacer una película,
pasamos por un proceso de hacer rollos de historia,
que es una versión burda de la película, dibujada a mano,
que tiene voces y música temporarias.
La proyectamos y buscamos identificar qué funciona y qué no.
Cuando empiezan, dices: "Esto será genial".
Luego ves los reels y dices:
"No es tan genial como pensábamos".
Yo siento que Joe sabe exactamente adónde va
y ya lo hizo antes.
Habría que corregir eso.
Después lo desarmas para ver qué es lo que no funciona
y lo vuelves a armar.
Louis tenía experiencia en animación,
así que no tuvo problema en dibujar todos los guiones gráficos.
Así que se sentó a pensar
sobre la historia que deseaba contar.
Y creó momentos clave que ayudarían a contar la historia.
Hay una abuela que se sienta a mirar su programa de lucha...
SÁBADO DE SMASHDOWN
...y el siguiente momento clave es cuando llega su nieta.
Hay un conflicto.
Se cae el televisor.
Luchan en el piso, y se abrazan.
Una vez que tiene desarrolladas algunas de esas cosas,
los dibujos pasan a editorial,
y ahí se montan y sincronizan.
Solo quería subir rápido algunos guiones, para ver si teníamos algo.
Se los di a mi editor para tener una idea de la historia.
Y luego resolver los problemas en el video.
Me entusiasmaba ver lo que teníamos,
pero miramos el video, y era terrible.
Fue una gran decepción.
Tenía muchas ideas que pugnaban por imponerse.
La historia no estaba clara.
Pero supe, incluso con lo mal que estaba,
que había algo especial ahí.
Solo necesitaba encontrarlo, y ahí fue cuando me aislé.
Louis hizo silencio radial,
y cuando tu director no tiene una visión definida,
es muy, pero muy difícil.
Yo pensaba: "Bien. ¿Vamos a hacer la película o no?".
Me concentré en buscar la historia.
Mi mente intentaba descubrirla y no se detenía.
Despertaba a las 3:00 de la mañana y me sentaba en la oscuridad.
Hurgas en tu alma en busca de cosas que,
en otro nivel, van a resonar.
El nivel que ninguno de nosotros ve, pero todos sentimos.
Esa verdad humana.
Lo escribía, lo analizaba durante el día,
por la mañana parecía fabuloso,
parecía resolverlo todo. Para el mediodía, ya no estaba tan seguro,
me rascaba la cabeza. Y antes de acostarme,
ponía la cabeza sobre la almohada y pensaba: "Dios mío. Es terrible.
"No servirá. ¿Qué voy a hacer?".
Basado en la historia y en cómo me sentía, era algo sísmico.
Iba de: "Voy a hacer el mejor corto de la historia"
a: "Voy a parecer el tipo más tonto del mundo".
Cada vez que lo escribía, me parecía más desastroso.
Me estaba hundiendo en una espiral.
Escribir, crear es un acto muy solitario, y te sientes aislado.
Fue mi período más sombrío.
Decía: "No sé qué hacer. Dame más tiempo, Courtney".
Me daba mucho miedo no saber lo que le pasaba por la cabeza
y pensaba: "¿Tenemos una historia que contar?".
La historia es el eje de lo que hacemos.
Y desde que estoy en Pixar,
soy testigo de la fortaleza titánica para perseverar
hasta dar en la tecla.
No es que te sientas y descubres la historia de una sola vez.
Lleva muchísimo tiempo.
Cuando nos damos cuenta de que no funciona bien,
y es necesario desarmarla, cambiarla,
lo tomamos como parte del proceso.
Porque si las cosas no nos cuestan,
seguramente no estamos esforzándonos por hacer algo genial.
Retrocedes, lo analizas
y tratas de perfeccionarlo una y otra vez.
BUSCANDO A NEMO (2003)
En Buscando a Nemo, durante mucho tiempo,
a nadie le caía bien Martin, el papá.
Aguarda. Espera antes de atravesar.
Decían: "Es irritante".
¡Ibas a entrar en mar abierto!
¡No es cierto!
-¡Menos mal que llegué! -Pero, papá...
Así que dijimos: "Bien, a reescribir".
La presunción inicial de la película
era que el momento traumático del ataque de la barracuda
no estaba el principio.
Se explicaba en flashbacks a lo largo de la película.
-Tenemos que ponerles nombre. -No me olvidé.
¿Sabes qué nombre me gustó siempre? Nemo.
¡Genial! Uno menos. Solo faltan otros 99.
El problema era que no sentías compasión por ese papá,
no entendías cuál era su problema. Pasó mucho tiempo
antes de que comprendiéramos: "Chicos, lo del flashback no funciona.
"Pongamos esa historia al principio".
El protagonista no despertaba compasión, y necesitábamos que la despertara.
¡Coral!
Papi te cuidará.
Contar una historia conlleva mucha reflexión.
Me estoy preguntando:
"¿Por qué importan estos personajes en esta idea?
"¿Por qué lo tengo siempre presente? ¿Por qué me agrada?".
Tienes que hacerte las preguntas difíciles.
¿CUÁL ES LA VERDAD?
"¿Qué significa para ti? ¿Qué intenta decir?
"¿Qué te está pasando ahora?".
Uno de los momentos que lo cambiaba todo para mí
era cuando se rompía el televisor.
La abuela se enfurecía con la niña.
Y yo pensaba: "Qué desgraciada. ¿Quién quiere ver a ese personaje?".
Así me di cuenta de que no podía ser un personaje
que prefería ver lucha a estar con su nieta. Eso no tiene sentido.
Tuvimos que hurgar más profundo y ver qué significaba para ella la lucha.
Porque necesitábamos saber, a nivel emocional,
por qué elegía alejarse del mundo
por la lucha, ese día,
y por qué le molestaba que alguien la visitara.
Me pregunté: "¿Qué reacción da miedo en ese momento?".
Para mí, su vulnerabilidad
era lo que más miedo podía dar.
Que ella se quebrara y llorara,
que la angustiara profundamente
esa interrupción en su rutina...
Ese fue un momento crucial para mí,
porque mi instinto me gritaba que era lo correcto,
pero yo dudaba porque no quería que pareciera débil.
Pensé: "Bien, tenemos que hacerlo".
Porque debíamos ser vulnerables con los personajes.
Y no sé cómo puedes contar una historia si no hay un poco
de vulnerabilidad propia también.
Nona necesitaba una razón por la que eso fuera especial,
y yo había coqueteado con la idea de un marido difunto.
Como: "Quizá la lucha sea algo que disfrutaba con su marido".
Pero él había fallecido,
así que ahora empezamos a comprender
que ella se tomaba un día para celebrar al amor de su vida.
Ahora hurgamos un poco más para descubrir lo que significaba.
Una vez que incluí al marido,
entendemos que se trata de él y de ella.
Ahora tiene una carga emocional
que no tenía cuando solo se trataba de la lucha.
El consejo que les doy a los cineastas de SparkShorts es:
"Recuerda que esto no es para beneficio tuyo.
"Tu objetivo no es hacer una película para ti.
"Haces la película para el público.
"Así que, si a ti te parece genial, pero al público no, ¿sabes quién gana?".
Todas y cada una de nuestras películas procuran presentar personajes
y situaciones que atraigan la atención de inmediato.
Como el comienzo de Monsters Inc. Hay un niño que se va a dormir,
y, de inmediato, empiezas a ver que pasan cosas raras en la habitación.
Te atrae porque es algo
que todos experimentamos de niños, o incluso de adultos.
Luego la situación se invierte.
"Un momento, sí, hay monstruos, pero asustar a niños es su trabajo".
Tiene esa correlación intrínseca
de algo que sabemos que es cierto con un giro.
Es mayor. De hecho, ¡hoy es su cumpleaños!
Felicidades.
Al hacer una película animada, existe el entusiasmo
de: "¿Hasta dónde podemos ir sin perder credibilidad?".
Pide lo que quieras. Yo invito.
Entonces, leche. Bromeo.
Al principio, Gia es muy ambigua.
Pasa mucho tiempo hasta que te das cuenta:
"Es solo una mujer asustada por la adultez".
¡No! Ya comiste dulces.
-Gia, ¿te sientes bien? -Sí, estoy muy bien.
Hicimos dos proyecciones, y la gente opinó...
Tengo que ir al baño... Digo, al toilette. Debo ir al toilette.
Casi todos preguntaron:
"¿Es literalmente tres niñas y una gabardina, o es una metáfora?
"Creo que deben aclarar eso".
Y: "¿Cómo interpretará eso el público?".
¿Ser directora es como lo imaginabas?
Supongo que sí.
En general, creo que la gente entiende lo que busco decir.
¿Recibiste algún comentario que te indique que no?
La claridad es vital. Hay un lugar y un momento para ella,
pero sabiendo que cierta ambigüedad puede ser divertida y más misteriosa.
Sabía que era algo que deseaba probar.
Estar con el público en la oscuridad.
Es estupendo escucharlos reír y asombrarse.
DOMEE SHI Directora
Sí.
Después te vuelves adicta a eso
y quieres hacer que el público sienta cosas, reaccione y grite.
Domee es una directora de Pixar. Dirigió el corto Bao.
Me interesaba tener su consejo,
porque ella corrió riesgos muy interesantes en su corto.
Siempre siento que, al trabajar aquí,
te machacan que lo primordial es la claridad.
Pero lo primordial es el sentimiento.
Con Bao, recuerdo
que siempre había gente un poco confundida por el final.
Bao trata sobre una anciana china
que un día descubre que uno de sus dumplings
cobró vida y es un niño dumpling.
Por supuesto, lo adopta de inmediato
y pasa por todas las vicisitudes
de la maternidad con el dumpling.
Es semiautobiográfico. Me basé en mi vida como sofocada hija única.
Sentí que necesitaba hacer eso.
En ese momento, yo vivía lejos de mi casa
y sentía culpa por estar lejos de mi mamá.
Necesitaba algo para procesar esa dinámica.
Cuando le presenté la idea a Pete Docter, de una forma muy informal,
y llegué a la parte en que la mamá
se come al niño dumpling porque no quería que la abandonara,
quedó conmocionado, pero le encantó,
y me dijo: "Conserva ese final.
"Es único, raro, estupendo".
Eso me infundió seguridad para defender mi final,
aun cuando me comentaban que era retorcido o raro.
O que podía asustar a algunos niños.
91º PREMIOS DE LA ACADEMIA 24 de febrero de 2019
Y el Oscar es para Bao.
¡Sí!
Gracias a la Academia.
A todas las niñas nerd que se esconden detrás de sus bosquejos,
no teman contar sus historias al mundo.
No tienes que explicarlo todo.
En tanto la sensación que tenga la gente al final de tu corto
sea la que tú deseabas provocar.
Da miedo hacer eso.
A veces, hay que arriesgarse.
Y tras ver tus reels, siento que eso está.
Así que no te preocupes.
Recibir ese apoyo, que me dijera:
"Sí, adelante. No temas que sea un poco raro".
Me ayudó mucho.
No, esa es la cuestión.
Es como que disfrutamos una aventura abstracta.
Y luego, al final, llega la claridad.
Me intrigan los atuendos.
DAVID LALLY Supervisor de producción de SparkShorts
¿Qué hay de la simulación?
Cuando hablaba con Ana, pensé...
ANA LACAZE Supervisora de efectos visuales, Nona
...en la idea de priorizar el movimiento.
¿Cuál es la prioridad para Nona? Su camiseta.
En la niña, su símbolo principal
seguramente sea lo que hagan con su cabello.
Hasta pensé: "El perro se mueve muy lento".
-No sé si necesito que tenga algo. -Tienes el collar.
-Si le cuelga un dije... -O podríamos animarlo.
-Creo... Bien. -Olvidemos el collar.
Amo la animación por la colaboración.
Y realmente pienso que si tienes un equipo comprometido
y una historia para contar,
solo puede salir bien.
Pero hay una diferencia
entre abordar un SparkShort y un largometraje.
Los trazos fuertes ayudan a dirigir la vista.
En los largometrajes,
hay tiempo y dinero para eliminar las imperfecciones.
Yo busco imperfecciones.
Si simplificamos mucho los modelos,
podríamos ser más gráficos
-y acentuar qué son las arrugas. -Cierto.
Quiero que seamos como una banda novata.
Tienen una cierta crudeza, ¿me explico?
Comparo nuestro corto con eso.
Somos la mejor banda de garaje que existe.
Hagamos lo nuestro y seamos crudos.
No pulamos nada.
Seamos amplios y audaces con nuestras elecciones.
Y veamos qué pasa.
Las historias tienen problemas.
Siempre pienso que,
te toque lo que te toque, está ahí para que hagas algo.
Pero es más que eso. Existe una alquimia.
Existe una sensación de magia.
La pantalla debe moverse y bailar ante tus ojos
para urdir algo que provoque una emoción
que te transporte a algún lado. Y al final,
reafirme las cosas bellas de la vida.
En versiones anteriores de la escena de lucha
entre Nona y Renee,
ellas se tomaban el tiempo de ir por el apartamento y tomar cosas
para lucir como luchadoras.
Y luchaban ahí en el piso.
Sucedía todo en el mundo real.
Pero Louis sentía que la escena no tenía suficiente impulso.
Hola, ¡bienvenidos al evento principal!
En la esquina azul, Nona la Aplastadora.
Quería ver qué sentían mientras jugaban a la lucha.
Que no fuera literal.
Podemos verlo a través de los ojos de la niña.
Y sabemos que Nona tiene el mismo tipo de imaginación.
Queríamos probar
hasta dónde podíamos ir antes de empezar a perder al público
por lo inusual y loca que puede ser esa imaginación.
Pero algunas ideas parecían muy exageradas.
Debía ser como un patio de juegos infantil.
Pero, al mismo tiempo, algo sólido y real.
Luego intentamos encontrar un punto medio.
Renee seguía lanzando sus pegatinas,
y luego Nona hacía su gran llave.
Ahora los dos mundos que chocaban uno contra otro
quedaban armónicos en la escena.
Ambas compartían un lugar en el tiempo que las hacía mejores,
que las hacía más fuertes.
...desde aquí arriba, prestando más atención al ojo, así...
Cuando reflexiono sobre la diferencia
entre un director de animación y uno de acción en vivo,
suelo pensar que un gran director de acción en vivo
tiene un guion, recibe a los actores en el set
y trabaja como un músico de jazz.
Va tomando las piezas, las ubica e improvisa.
En cambio, un director de animación es más como un compositor clásico
que escribe la música con mucho cuidado,
cambia esa nota de una semicorchea a una corchea.
Es un proceso muy largo.
Lleva mucho trabajo.
Y a menudo, se cometen errores.
Intentas algo y dices: "Eso no funcionó.
"No les causó nada de gracia. ¿Por qué?
"Revisémoslo y averigüémoslo".
Entonces, lo haces otra vez y otra vez y otra vez.
Vamos.
Para cuando la ves en la pantalla...
ESCUELA SECUNDARIA SAN FRANCISCO
...probablemente es la décima versión de la película.
Amigo potencial detectado.
-Otra vez esto no. -Quizá deberíamos hablarles.
Riley lleva más de dos meses en la escuela,
-y no tiene un solo amigo. -¿Y Bing-Bong?
Bing-Bong es imaginario...
Una versión de IntensaMente que tuvimos mucho tiempo
es que Alegría acompañaba a Temor durante todo el viaje.
No volverás al cuartel.
-Riley está mejor sin ti. -Espera, yo...
Atrápenla, muchachos.
INTENSAMENTE (2015)
Y muchísimo después,
vimos que, para que la historia tuviera sentido,
Alegría debía acompañar a Tristeza.
Extraño casa.
Eso significaba ir hacia atrás,
reorganizar toda la película, descartar muchísimo material.
Miles de dibujos, cientos de horas invertidas en grabar y editar.
Pero fue todo muy valioso,
nos enseñó cosas sobre los personajes,
el mundo y la historia, y cómo debía ser.
Sí, esto es genial. Es la primera vez
que vemos todo el crudo montado.
Sí. Es todo el crudo con diálogo, música y efectos sonoros temporarios.
De acuerdo. Vamos a ver.
De acuerdo, apúrate. Cuando regreses, ¡iremos a bailar!
Estoy ansiosa.
Algo complejo de este corto
fue dar credibilidad a la edad de los personajes.
Cielos, somos un desastre. ¿Qué nos pasa?
Primero, ¿quién murió y te puso a cargo?
Que Diez pareciera de diez,
Dieciséis, de 16.
Pero mientras usábamos voces del crudo.
Bien hecho, Dieciséis. ¿Cómo puedes ser tan estúpida?
No puedo creer que lo arruinaras.
Y en el crudo tienes a los actores de voz del borrador
que leen el diálogo,
para darnos una idea de cómo suena y cómo queda.
Tengo una pregunta sobre el audio de Diez.
¿Crees...? No parece una niña de diez años.
Cierto.
No teníamos niñas para grabar el crudo,
así que era difícil dar credibilidad a la edad de Diez.
Estaba pensando lo mismo.
No sé qué tan quisquillosa ponerme, porque es un crudo.
Sería lindo que la voz fuera un poquito desafinada.
Si sonara un poco más pequeña, y como...
En las proyecciones,
a la gente le costaba creer que Diez fuera una niña de diez años
porque teníamos a una mujer de 30 leyendo el diálogo temporario.
Somos una adulta.
Tenemos que controlarnos, porque eso hacen los adultos.
-¡De acuerdo! -¡Sí!
Sabía que la voz iba a lograr o arruinar la ilusión de una niña de diez.
Apenas Kaylin hizo la voz de Diez...
KAYLIN PRICE Gia de diez años, Veintialgo
Bien, contamos hacia atrás. Tres, dos, uno. Grabar.
Presiona la tecla "grabar" mientras dices: "Grabar".
¡Está bien!
Ella le aportó al personaje mucho encanto e inocencia.
Somos una mujer hermosa, fuerte y madura de 21 años.
Sacudiremos el trasero en la pista de baile,
-nos acostaremos tarde... -¡Sí!
...y nos despediremos de nuestra juventud.
¡Porque es la noche de Gia!
-¡Sí! -¡Sí!
Creo que finalmente tenemos a alguien para los sets.
-Bien. Sí. -Trianne vendrá
-a empezar con las maquetas. Así que... -Bien.
¿Con qué tiene que empezar?
-Bien. Necesitamos un mapa. -Sí.
Tengo el plano de planta, sé cómo funciona.
Imagino una...
Como las casas grandes de Los Ángeles.
Paredes de estuco blancas, con textura,
así que no queremos paredes lisas.
Pero me gusta la idea de curar el espacio vivido.
Buscar un par de detalles adecuados para que se sienta completo.
Hay una cierta energía que debes lograr.
Porque, para mí, eso le da veracidad al mundo
o al lugar que tiene en él el personaje.
Debemos incluir detalles culturales que aporten autenticidad.
Sé que es la costa oeste,
y eso tiene un ritmo y una onda.
Y quiero prestarle atención a eso.
Llamamos a una diseñadora de sets para decorar el apartamento de Nona,
porque lo habíamos construido.
Es el único set que construimos.
Le di algunos detalles generales,
como que quería un estilo colonial en Los Ángeles.
Pisos cálidos de madera, arcadas, escaleras con pasamanos de hierro forjado.
Y ella acertó con el tono. Le dio alma al ambiente.
Dijo: "Mi abuela tiene esto en su casa.
"Una tabla para cortar que cuelga".
Dije: "Me encanta eso".
Puso mucha dedicación. Toda la decoración, las fotos.
Se siente vivido y tiene detalles,
aunque no todos, porque no alcanzaba el presupuesto.
A la hora de la verdad,
quienes hacen brillar la película son los animadores.
Es lo que ves en la pantalla.
No ves mis dibujos burdos de palitos,
ves la hermosa animación.
Esta película estaba ambientada en una disco, y eso implicaba multitudes.
Como somos un estudio de gráficos digitales,
si haces gráficos digitales,
hay todo un departamento dedicado a hacerte las multitudes.
Pero los que hacemos animación 2D en el programa Spark,
tuvimos que usar la creatividad para que la disco se viera llena y alegre
sin animar más de 70 personas.
Ella se inspiró en caricaturas viejas,
como las películas de UPA en donde los entornos de los fondos
eran unas pocas líneas,
solo para indicar que había algo.
Así que decidimos poner muchos personajes de fondo,
pero sin movimiento.
Sin embargo, colocamos unos pocos en puntos estratégicos
con movimiento para darle al público la impresión
de que había un grupo bailando, y la disco estaba llena.
Siento que le di un trabajo enorme al departamento de animación.
Estos personajes hacen muchas cosas.
Hay escenas con seis diferentes
que tuvo que hacer un mismo animador.
Y son personajes muy complicados.
Disculpa.
Sentí que era como una prueba de fuego.
Bueno, yo...
Mi supervisor de animación, Lucas,
me preguntaba si estaba dispuesta a modificar algunas cosas,
como bolsos y aretes extra,
cosas que los animadores tendrían que crear una y otra vez
y acabarían siendo una gran carga a lo largo del tiempo.
Pero lo que realmente deseaba conservar
eran los distintos peinados de los personajes.
Es algo esencial en la cultura negra.
Hay muchos peinados especiales, diferentes.
Y me parece que son un buen indicador de la edad que tienes.
Es como la diferencia
entre que te peine tu mamá, de niña,
y que luego vayas a una peluquería.
Sabía que algunas trenzas y algunos peinados iban a ser difíciles,
pero es un punto clave de la historia para los personajes.
El plan, ¿recuerdas?
Hicimos algunas cosas para simplificar los peinados.
¿Dónde estás? ¿Gia?
Pero los animadores son sensacionales,
y yo estaba muy contenta, porque había tan poco tiempo...
Tú lo eres, pero ¿y yo?
...pero se veía muy bien.
No sabes lo que haces.
Llevo 20 años en la industria
y, por primera vez, realmente me siento veterano.
Hay muchos jóvenes que van llegando
y tienen ideas geniales, mucha energía,
y me doy cuenta de que yo no tengo tanta energía.
Pero este corto trata sobre la interacción de las generaciones.
Siempre uso el ejemplo de mi perra, antes de que muriera.
Mi perra se llamaba Pica.
Era una Pitbull pequeña y tenía 12 años.
Sufría problemas de cadera.
Era vieja y ya no quería moverse.
Para esa época, en Navidad le regalamos un Yorkie a mi hija.
Mi hija se puso feliz,
pero creo que la perra vieja se puso aún más feliz.
Porque, de repente, dijo: "Voy a jugar".
El cachorrito la revivió, le contagió energía.
Y así quería que fuese la relación de la niña y el perro.
Cuando le proponga el perro al equipo,
dirán: "No creemos que puedas tener un perro,
"y ciertamente, no uno con sudadera con capucha".
Los cuadrúpedos, lo que tiene cuatro patas,
son notoriamente complejos de animar.
Y la abuela tiene que cargarlo y moverlo,
lo cual también es muy complejo de animar.
Pero la imagen que había dibujado Louis era muy tierna
y hacía la historia mucho más personal,
así que quisimos ver cómo podíamos hacerlo.
Mi equipo aportó muchísimo.
Esculpieron las formas, vistieron al perro
con una sudadera de felpa muy creíble
y agregaron toques del perro en el sofá.
Al final, no faltó nada.
Y lo emocionante es que no veo la hora de mostrarlo.
No sé cómo resultará,
pero está hecho, y me siento orgulloso, así que veamos qué pasa.
SALA DE PROYECCIÓN
Lo primero que buscas cuando ves una película
es que te entretenga.
Pero eso es lo más superficial, como la cobertura.
Nuestra tarea como cineastas es descubrir:
"¿Qué le damos al público para que se lleve consigo?
"¿En qué lo dejamos pensando?".
Para que esa noche, en la cena, digan: "Ajá".
Y creo que el único modo de hacer eso
es tener cineastas con algo interesante para decir y un modo especial de decirlo.
Con suerte, de formas, ideas, conceptos que no se habían mostrado antes.
En términos generales, estoy muy conforme con la película
y extremadamente orgullosa.
Y estaba muy emocionada. Erik también,
porque fue un vértigo constante de principio a fin.
VEiNTiALGO
Solo quería contar una historia
que yo estaba viviendo y que sé que es universal.
Más allá de la edad, la raza o el género,
me parecía una historia que llegaba a mucha gente.
Y la especificidad de que la contara un personaje negro
la hace especial, original y atractiva.
La historia es divertida, emotiva
y tiene una voz que fue poco representada.
Me entusiasma que la gente vea eso y que se sienta identificada,
pues nos pasa a todos.
Estoy ansiosa por que la comunidad afroamericana,
en especial, las niñas negras, lo vean.
Hay una enorme necesidad de representación,
y poder ver esto y reconocerte
significa mucho para mucha gente.
Así que estoy muy ansiosa porque la gente se sienta vista
y sepa que esto es específicamente para ella.
También estoy ansiosa por que lo vea mi familia.
Especialmente, mi hermana.
Cuando le conté:
"Hay un personaje que basé ligeramente en ti".
¡A festejar!
Dijo: "¡Oh!". Está muy entusiasmada.
Muy bien, retrocedan. No hay nada que ver. Muévanse.
-Gia. -Déjame sola.
Es una película sobre ser adulto
y aceptar las complicaciones que eso conlleva.
¿Estás llorando en el inodoro?
No.
Sí.
Quise incluir la idea de Nicole que dice:
"No, estás dramatizándolo. Todo estará bien".
Muy bien. Hagámoslo.
Esa es mi chica. Vamos.
Como en el corto,
creo que estoy aprendiendo a confiar en mí cada vez más,
a pensar que hago las cosas bien. O bastante bien.
Voy a seguir creciendo y aprendiendo,
y eso no tiene nada de malo, es todo parte del proceso.
Y pienso que eso se debe al hecho de que hice el corto,
lo logré y sobreviví.
Esta es la primera vez que termino algo.
Nunca había terminado un corto. Y llevaba mucho tiempo intentándolo.
Había intentado hallar el modo, organizarlo y armar un equipo,
pero hasta ahora nunca había podido.
Es importante terminar cosas.
No creces a menos que las termines.
Estamos muy entusiasmados por compartir Nona con el mundo, al fin.
Y yo estoy muy entusiasmada por que lo vea mi familia.
Mi hija también tiene cinco años, igual que Renee.
Poder sentarme
a ver con ella el corto completo en su versión final
también será emocionante. Ojalá no le dé malas ideas.
Hacer el corto fue una experiencia muy hermosa.
Las historias honran la vida. Honran a la gente.
Con mis historias, estoy honrando a mi familia y mis amigos.
Y eso es algo que amo.
Amo el hecho de estar haciéndolo ahora. Aunque tuve que esperar 20 años.
Cuando hubiera tenido la posibilidad
de intentar avanzar hacia la dirección,
me detuve porque quería estar con mis hijos.
Y no podía tener las dos cosas.
Trabajaba después del trabajo y los fines de semana.
Recuerdo claramente una mañana
en que mis hijos me dijeron: "¿Vienes a jugar con nosotros?
"A la pelota". Les dije: "Enseguida voy".
Pensé: "Dibujo unas cosas y ya termino".
Luego vinieron a desearme buenas noches.
Me había perdido todo el día, y eso me dolió mucho.
Viven esto una sola vez, y quiero asegurarme
de darles lo máximo de mí.
Al avanzar con la historia e ir hilando cada vez más fino,
empiezas a darte cuenta de lo que significa para ti.
Para mí, fue: "Dios mío.
"Son mis hijos queriendo que juegue con ellos,
"mientras yo intento progresar en mi carrera".
Los estaba decepcionando porque no les prestaba atención,
que es lo que pasa en mi corto.
Necesitaba tomar consciencia.
Y es curioso cómo el corto se convirtió justamente en eso.
Entonces, adquirió franqueza,
porque me identifiqué de una forma muy específica,
de una forma sincera.
Sucede que cuanto más personal la haces,
más universal se vuelve la historia.
Para la generación de mis hijos, para la de los hijos de mis hijos,
esas historias son, cada vez menos, los típicos cuentos de hadas
en cuanto a lo que les despierta
interés y les habla.
El público siempre busca sorprenderse
cuando se sienta a mirar una película.
Si tenemos cineastas con orígenes distintos y diversos,
es más posible
que les demos esa sorpresa que busca.
Dada la falta de experiencia de los directores,
dadas sus limitaciones presupuestarias,
dado el poco tiempo que tuvieron para filmar,
siempre me maravilla cuando veo las películas terminadas
y siempre me asombra cuánto logran,
lo talentosos que son.
Creo que SparkShorts evoluciona solo si los cineastas evolucionan.
Y al mirar hacia el futuro,
debemos continuar buscando voces nuevas,
darles una oportunidad, darles la plataforma...
MADRIGUERA (2020)
...y desafiarnos a estar abiertos a escucharlas...
...como estudio, como mundo, como público.
VEINTIALGO (2020)
Este programa nos da un adelanto de los futuros cineastas.
Escrita y dirigida por Louis Gonzales
Y será el mejor acto de apertura de lo que serán, esperamos...
ESCRITA Y DIRIGIDA POR APHTON CORBIN
...las siguientes dos décadas del cine de Pixar.
A SPARK STORY: UNA HISTORIA CON CHISPA
Subtítulos: Sandra Larroza