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Je m'appelle Peter Docter,
je suis le directeur de la création des studios Pixar Animation.
Je suis chez Pixar depuis plus de 30 ans,
j'ai fait plein de choses, du storyboard, de l'animation, de la réalisation.
Pixar a beaucoup changé mais ses principes de base, pas du tout.
On a commencé dans un petit bâtiment décrépi.
On avait une équipe de 112 personnes pour réaliser Toy Story,
et pourtant, c'était une histoire très personnelle.
On racontait nos propres expériences de vie,
ce que signifiait pour nous la jalousie,
notre façon de réagir face à quelqu'un qui était meilleur que nous...
Toutes ces choses dont on traitait dans ce film.
J'ai grandi dans le Minnesota, dans une ville-dortoir sans intérêt.
J'ai compris que tous mes films, qu'ils parlent de monstres,
d'un vieil homme qui s'envole pour l'Amérique du Sud,
ou d'une jeune fille qui déménage à San Francisco,
tout ça, c'était mes histoires à moi.
Elles s'inspiraient de mon expérience personnelle.
On s'est demandé comment on pouvait se renouveler, trouver de nouvelles idées,
en donnant la parole à des artistes qui, on en a l'intuition,
ont un véritable univers, des choses intéressantes à dire.
SPARKSHORTS Projets des artistes de chez Pixar
SparkShorts est un programme relativement récent.
On voulait donner une opportunité
à nos artistes de nous montrer, en quelques minutes,
qui ils sont et quel est leur univers.
Pixar a un lien très fort avec les courts métrages,
parce que c'est comme ça que nous avons commencé.
Le premier s'intitulait Les Aventures d'André et Wally B.
C'était la toute première réalisation en images de synthèse.
Les courts métrages font partie intégrante de l'ADN du studio.
Ils nous servaient à tester de nouvelles technologies,
au fur et à mesure qu'elles évoluaient.
Tout ça, bien avant Toy Story.
L'idée de départ derrière ce programme de courts métrages,
c'est de prendre des risques.
On savait qu'on n'avait rien à perdre.
Après tout, personne ne nous connaissait
alors, on pouvait se permettre de prendre des risques.
On a donc décidé de produire de petits films sur un budget bien moindre
que sur nos courts traditionnels.
L'artiste serait libre de raconter l'histoire qu'il ou elle voudrait
et on lui donnerait six mois pour terminer.
On a lancé le programme SparkShorts
pour détecter les talents cachés qu'on ignore peut-être
parce qu'on ne leur donne pas la chance de s'exprimer.
On voulait une vision sans filtre de ce qu'ils pouvaient apporter,
les laisser s'exprimer librement.
Le seul moyen de faire évoluer nos histoires dans les longs métrages,
c'est en laissant la parole à la future génération.
Il ne faut pas attendre vingt ans pour les écouter.
Il faut le faire dès aujourd'hui.
Je m'appelle Aphton Corbin.
Je suis story artist ici, aux studios Pixar.
J'ai toujours beaucoup aimé écrire et raconter des histoires.
Petite, j'agrafais des séries de petits dessins
pour en faire de petits scénarios,
que j'offrais ensuite à mes proches pour leur anniversaire.
Quand j'étais toute petite, je dirigeais les jeux avec ma sœur.
"Non, ce personnage ne parlerait pas comme ça. On recommence."
J'ai envie de réaliser depuis que je suis arrivée chez Pixar.
C'est très ambitieux : "Je veux réaliser".
Ça prendrait le temps qu'il faudrait
mais que je savais que je finirais par réaliser.
Aphton a impressionné tout le monde dès son arrivée au studio.
Très vite, elle s'est forgé une réputation,
celle de quelqu'un qui a quelque chose à dire,
qui intéresse tout le monde, quel que soit le contexte.
J'ai travaillé avec Aphton sur Soul.
C'est elle qui a trouvé comment visualiser les conseillers.
C'est une story artist très talentueuse avec plein d'idées décalées.
À se demander où elle va chercher tout ça. C'est bizarre et brillant à la fois.
Je m'appelle Louis Gonzales, je suis chez Pixar depuis plus de 20 ans.
Depuis que je suis dans l'animation,
j'ai la sensation d'être stimulé en permanence.
Je me suis toujours attaqué avec plaisir à toutes sortes de projets.
C'était une expérience, plus que du travail.
Au fil du temps, j'ai eu la chance de travailler sur de super films,
que beaucoup de gens adorent.
J'y ai contribué à ma petite échelle.
Mais au bout de 20 ans, j'étais un peu perdu.
Je ne savais plus où j'allais dans ma carrière, ce que je faisais.
Je commençais à me dire que je ne réaliserais jamais.
Louis travaille avec nous depuis très, très longtemps.
C'est un story artist reconnu.
Un esprit créatif exceptionnel.
Louis a travaillé sur des films avec Brad Bird,
comme Les Indestructibles.
Il apporte toujours une vision très originale.
Il a créé des tas de personnages extraordinaires.
Il a toujours d'excellentes idées.
Alors, on était curieux
de voir ce qu'il nous proposerait si on le laissait s'exprimer librement.
Quelle histoire il raconterait.
Ça faisait plus d'un an que je travaillais sur mon premier film, Toy Story 4,
j'essayais avant tout de bien faire mon travail de storyboardiste.
Et puis, j'ai reçu un e-mail
m'informant qu'on envisageait de me confier un SparkShort.
Il y a quelques temps, j'ai été contacté par Lindsey et Jim.
J'ai cru qu'ils allaient me virer.
Au contraire, ils m'ont demandé ce que j'avais envie de faire.
Je n'imaginais même pas que j'aie mon mot à dire.
Je n'avais même pas...
percuté que je pouvais choisir mon avenir.
Et puis, ils m'ont proposé de travailler sur un SparkShort.
Ce que je trouve génial dans ce programme,
c'est qu'on est très exposé, tout à coup.
On ne peut plus se cacher, on se met à nu.
La pression est énorme.
Il faut être à la hauteur de cette opportunité,
baisser sa garde pour laisser les autres contribuer.
Lorsqu'on explique aux réalisateurs les règles pour faire un SparkShort,
on leur dit qu'il faut que ce soit une fiction,
que ça peut être en images de synthèse ou en animation 2D,
et que ça doit être tout-public.
Qu'on essaie de boucler en six mois environ.
Mais qu'au-delà de ça, il n'y a pas vraiment de règles.
Annonce des réalisateurs 2020 24 octobre 2019
Les réalisateurs de nos SparkShorts 2020 sont...
Louis Gonzales...
Quand ils ont annoncé nos noms lors de la réunion,
je ne m'attendais pas à recevoir autant de soutien.
J'ai senti tout à coup que tout le monde ici
avait envie qu'on réussisse.
Qu'on raconte nos histoires.
Ça, c'était vraiment incroyable.
Ça nous a aussi mis la pression.
Quand on est soutenu comme ça, on ne veut surtout pas décevoir.
Quand on m'a demandé si ça me disait de faire un SparkShort,
j'ai répondu : "Je ne pense pas, je vais y réfléchir."
En fin de compte, j'ai compris que j'étais vraiment terrifié
à l'idée de me planter,
de me vautrer lamentablement et de laisser mes chicots par terre.
J'avais peur d'échouer.
Quand j'ai compris que c'était ça qui m'arrêtait,
la peur de ne pas être à la hauteur sur le plan créatif, ce dont je suis fier,
j'ai compris qu'il fallait, au contraire, que je fonce, que j'y aille à fond.
C'était un truc de dingue quand ils ont annoncé nos noms.
Ça me faisait encore très peur d'avoir été choisie.
J'avais peur de brûler un peu les étapes,
de ne pas savoir diriger toute une équipe.
J'avais aussi peur de la réaction des gens.
Qu'ils trouvent que c'était prématuré vu mon expérience,
que je n'avais rien à dire.
Et puis, Louis est un story artist exceptionnel,
il a travaillé sur plein de films de mon enfance,
ça me stressait de me dire que je passais en même temps que lui.
Beaucoup de gens se demandent comment on fait un film.
En réalité, il n'existe pas une seule manière de s'y prendre.
Bien sûr, on part toujours d'une idée.
Mais ensuite, on peut essayer d'en tirer un scénario, ou un plan.
L'artiste peut préférer dessiner son idée, faire un storyboard,
ou même juste quelques images pour expliciter le concept.
Après ma surprise, et ma panique, initiales,
j'ai commencé à avoir plein d'idées pour mon court métrage.
À un moment, j'ai même envisagé de faire un truc qui fait peur, un film d'horreur.
Il y a très peu de courts d'épouvante en animation.
Je me disais que ce serait cool et branché.
Finalement, c'était déjà assez dur de réaliser un film
sans, en plus, m'imposer de travailler
dans un genre complètement différent, que je ne connaissais pas du tout.
Je voulais parler de la transition vers l'âge adulte,
d'à quel point c'est compliqué.
J'ai la vingtaine
et j'ai très souvent la sensation de ne pas me comporter "en adulte".
J'avais fait un petit dessin à ce sujet, il y a des années.
Quand on a 26 ans, parfois, on a l'impression d'être une adulte,
et parfois, d'être deux gamines empilées sous une gabardine.
Mais c'était qu'un petit dessin comme ça,
comment est-ce que j'allais en faire tout une histoire ?
J'ai pensé à cette impression que j'ai,
que tout le monde me voit comme une gamine avec des habits de grande,
qui n'exploite pas tout son potentiel d'adulte.
Ou à ce moment, au travail, où je parle agressivement à quelqu'un,
et je sais que j'aurais pu dire les choses plus calmement.
Que je me suis comportée comme une ado.
Ces petites idées me trottaient dans la tête.
C'était un bon point de départ.
J'adore avoir des contraintes.
Quand on travaille dans l'urgence,
avec une équipe très réduite,
il faut vraiment être stratégique sur l'approche à adopter.
Le plus sûr, c'était de partir sur un gros concept.
Des parents qui boivent une potion, se transforment en peluches
et au final, apprennent à devenir de meilleurs parents.
"Ouah, des nounours animés ! J'adore, trop mignon."
Je voulais quelque chose de plus profond.
Je savais que je voulais qu'il y ait une grand-mère.
Les grands-mères de mon enfance.
Elles n'étaient pas commodes, mais elles avaient énormément d'amour.
Elles vous auraient donné leur chemise
mais elles pouvaient avoir l'air un peu antipathiques.
Petit à petit, je me suis focalisé sur l'idée du fossé des générations.
Pour moi, c'était très important de m'inspirer de mes proches.
Je veux que ma famille, mes amis, soient représentatifs du monde,
de la façon dont le monde bouge.
C'est une façon qui est propre à chacun d'entre nous.
Nos univers sont différents.
Ma grand-mère Pearl, qui est décédée, avait beaucoup de caractère.
Ma fille était encore trop jeune pour l'avoir vraiment connue.
Mais quand elle était petite, elle avait beaucoup de caractère aussi.
J'aurais adoré les voir interagir toutes les deux.
J'adore cette confrontation entre l'innocence et l'expérience.
Mais pour créer des personnages vraiment vulnérables,
il faut que l'artiste soit totalement sincère.
Il faut qu'il se mette à nu.
C'est le plus difficile pour moi.
J'étais assailli de centaines de questions,
j'essayais de cerner cette grande idée nébuleuse, qui, pourtant, semble simple.
Il me fallait un repère.
Quelque chose pour me rassurer, me dire que c'était possible.
Je suis allé à Londres, rendre visite à un ami
et il m'a emmené voir une pièce, Mort d'un commis-voyageur.
La vie de cet homme, ce mari, et sa relation avec sa famille,
c'était tout simple, mais limpide.
Je me suis dit que si j'arrivais ne serait-ce qu'à approcher de ça,
de ce que les comédiens transmettaient, de cet impact qu'ils avaient,
c'était ce que je voulais faire.
J'ai la brochure accrochée au mur,
pour me rappeler que l'important, ce sont les personnages.
Alors, que faire avec une mamie, une petite-fille,
et le chien de la mamie dans un appartement ?
Je peux simplement exploiter à fond leurs trois personnalités,
comme dans une pièce de théâtre.
Beaucoup de gens disent qu'ils n'ont jamais dessiné parce qu'ils étaient nuls.
Je n'ai jamais vu ça sous cet angle.
Il faut juste que je dessine.
C'est presque thérapeutique.
Si je suis frustrée, il faut que je dessine.
Si je suis contente, il faut que je dessine.
Dans mon enfance,
il n'y avait pas de films avec des petites filles noires.
Les deux princesses Disney qu'on adorait, ma sœur et moi,
c'était Pocahontas et Jasmine, qui étaient un peu mates de peau.
Toute petite,
je dessinais automatiquement des cheveux blonds, des yeux bleus.
À moins de dessiner quelqu'un en particulier, on fait ça par défaut.
Quelqu'un de ma famille me demandait toujours
pourquoi je ne dessinais que des personnages blancs.
- Parce que ! - Parce que quoi ?
Ça m'énervait d'avoir à m'expliquer auprès de ma famille.
"Pourquoi tu me poses cette question ? Tu sais très bien pourquoi."
"Je dessine ce que je vois
"et les gens ne veulent que des Blancs,
"sinon, il n'y aurait pas que ça à la télé."
Ça a été extrêmement difficile de dépasser tout ça.
Ça m'a pris du temps de désapprendre.
Je me suis juste lancée.
J'ai décidé de dessiner des personnages d'autres ethnicités.
Ça m'a tout de suite paru plus juste, plus sincère, plus vrai.
Très vite, c'est devenu : "Sauf instruction contraire,
"je dessinerai surtout des Noirs,
"et les autres seront mats de peau.
"Voyons qui sera le premier prof à me dire quelque chose."
Il n'y en a pas eu.
Ça aurait été une conversation très intéressante, pourtant.
C'est devenu ma norme.
Pourquoi tu dessines que des Noirs ?
Si je le fais pas, qui le fera ?
Quand je suis arrivée à Pixar, ils connaissaient mon travail.
Je me disais donc qu'ils étaient prévenus.
Ça a été une révélation pour moi de travailler sur Soul.
Étant blanc, quand j'étais petit,
j'ai vu des milliers de personnages qui représentaient ma vision du monde.
Joe Gardner, dans Soul, est notre premier personnage principal noir.
Pour essayer de voir le monde à travers ses yeux,
j'ai dû apprendre beaucoup de choses,
et Aphton a beaucoup contribué à l'histoire en elle-même.
Pour nous, continuer à apporter davantage de diversité,
montrer des univers, des personnages différents, c'est important.
Toujours poser des questions.
Pourquoi tel ou tel personne est blanc, si c'est pour une raison précise.
Ce n'est pas toujours le cas.
Souvent, c'est juste que quelqu'un a dessiné deux yeux et une bouche,
et sans y réfléchir, c'est automatiquement devenu un personnage blanc.
Remettre tout ça en question, faire en sorte qu'on soit plus ouverts
à l'idée d'apporter de la diversité dans les personnages.
Il y a des émotions, des expériences que tout le monde partage.
J'ai hâte que les gens s'habituent à voir des histoires ordinaires
à travers les yeux d'un personnage noir.
C'est ce que j'espère faire avec ce court.
LA VINGTAINE (2021) Design du personnage de 'Gia'
Au départ, je racontais une journée de mon personnage, Gia,
le jour de son 21e anniversaire.
Mon idée de départ,
c'était qu'au lieu qu'elle grandisse et gagne en maturité,
elle ajoutait juste une enfant de plus sous sa gabardine.
Ils se retrouvaient à 21 là-dessous.
J'ai vite vu que c'était trop, que je n'en rentrerais jamais autant.
Alors, j'ai essayé de cerner les âges les plus charnière.
J'ai choisi un an pour toute la période "bébé",
où il n'y a que de l'émotion pure.
Ensuite, dix ans, qui, dans ma tête, représente toute l'assurance de l'enfance,
la certitude que tout va bien,
cette manière qu'on a de penser tout savoir, à cet âge.
Et puis, seize ans, en pleine crise d'adolescence.
Pour moi, avoir 16 ans, c'était être à fleur de peau,
avoir beaucoup d'insécurités.
Les trois s'équilibraient bien, je trouvais.
J'espère qu'on y comprendra quelque chose
On ne peut pas dissocier l'expérience de vie de l'artiste
du genre d'histoires qu'il ou elle va raconter, c'est inné.
On fait tous ça, en tant qu'artistes.
On parle naturellement de choses qu'on connaît,
de ce qu'on aime.
Ça ne change jamais, je pense.
Plus jeune, j'avais un groupe d'amis très proches.
C'était ma bande, mon crew de graffeurs.
Je les adorais parce qu'on était passionnés.
On était tous de nationalité différente,
on venait de différentes cultures, et c'était nous contre les autres.
L'art, pour nous, il se partageait.
Peu importe qui était là, l'important, c'était notre art.
On vivait la belle vie. On traînait dans Los Angeles,
on graffait, on fuyait les flics, on s'incrustait dans un bus,
prêts à sauter avant que le chauffeur ne vous vire.
On faisait des bêtises mais c'était pour l'amour de l'art. Ça, j'adore.
En fait, c'était un moyen d'exister,
un moyen de se donner davantage d'importance.
C'était à Los Angeles, dans les années 80 et 90.
Il y avait des gangs à tous les coins de rue.
À l'époque, personne n'imaginait un jeune latino partir étudier à Harvard.
On l'imaginait plutôt en prison.
"Tu t'es vu ? Tu n'es qu'un graffeur."
Mais nous, on voulait juste exister.
J'ai voulu m'inscrire en école d'art. Mes parents n'avaient pas les moyens.
J'ai essayé de demander une bourse,
mais j'étais nul en classe, je le reconnais.
Je ne travaillais pas suffisamment, parce que je dessinais tout le temps.
Mes parents étaient géniaux. Ils m'ont toujours soutenu.
Mais ils étaient chauffeurs de bus.
Ils me disaient : "Oui, c'est super le dessin, on te soutient à 100 %,
"mais qu'est-ce que tu dirais d'être chauffeur ?"
Je disais toujours non à ma mère, je ne voulais pas abandonner mon rêve.
Cette perspective-là, elle m'a poussé
à essayer de gagner ma vie avec le dessin.
À l'époque, ça pouvait être en dessinant des T-shirts,
en décorant des boutiques avec des graffs ou à l'aérographe.
C'était des petits boulots, j'aurais peut-être pu en vivre,
mais ce n'était pas assez pour élever une famille.
Je cherchais mieux que ça, et dans mon idée, c'était la B.D.
J'ai découvert les comics au lycée.
J'adorais les frères Hernandez. Jaime, Berto et Mario.
J'adorais leur travail parce que c'était un mélange
de personnages qui m'étaient familiers.
Surtout des Latinos.
Ça se passait dans mon univers, mais c'était plein d'aventure.
Ils partaient dans l'espace.
Je trouvais ça génial, ça changeait.
La B.D. m'a convaincu que je voulais raconter des histoires.
Petite, ma fille adorait se déguiser.
Elle avait un costume de Tigrou.
Elle adorait danser avec, elle se prenait pour Tigrou.
Elle ne le quittait pas pendant des jours.
Quand j'ai commencé à réfléchir au personnage de la petite fille,
je la voyais au départ dans un costume de chat.
Je voulais qu'elle ait la pureté d'une enfant de 4 ans,
avec l'énergie, le dynamisme et l'imagination
qu'ont les gamins de cet âge.
Les petits sont de l'émotion pure.
Ils peuvent être contents, tristes, en colère, ou avoir envie de jouer
tout ça en l'espace de 10 minutes.
J'avais donc ma grand-mère
qui recevait la visite de sa petite-fille, qui était pleine d'énergie.
La petite réclamait vraiment l'attention de sa mamie.
La grand-mère l'adorait mais elle était occupée à autre chose.
Il fallait que je trouve pour quelle bonne raison
elle ne voulait pas s'occuper de sa petite fille.
Cette grand-mère, je ne voulais pas
qu'elle fasse des gâteaux, qu'elle soit une mamie comme à la télé,
mais quelqu'un d'authentique.
Qu'elle soit un peu coriace, comme étaient mes grands-mères.
J'ai essayé de m'inspirer d'elles,
de glaner de petits détails.
En réfléchissant, j'ai pensé à en faire une fan de catch.
Mais sans tomber dans les clichés
de "T'es latino. Elle aussi, alors ?
"Ah oui, le catch mexicain, c'est une luchador, c'est ça ?"
Non, elle aime le catch comme d'autres les feuilletons.
C'est la même passion, sauf que c'est du sport.
Elle adore regarder le catch.
Ça, pour moi, ça sonnait vrai.
Ce n'était pas une décision arbitraire qui la rendait intéressante,
c'était inspiré de la vraie vie.
Ça, ça me plaisait. Alors, je suis parti de ça.
Je dessine surtout sur tablette,
mais quand je réfléchis à des idées, je commence souvent sur papier,
je fais de petites vignettes.
Juste pour essayer de poser les plans que j'ai dans la tête,
pour m'aider à visualiser certaines scènes-clés
que j'aimerais avoir dans mon court.
Là, je travaille sur la conversation d'introduction entre Gia et Nicole.
Nicole est la sœur de Gia, je me suis inspirée de la mienne.
C'est ma meilleure amie, on n'a que deux ans d'écart.
C'est top d'avoir quelqu'un d'aussi proche en âge,
qui comprend ce qu'on vit.
L'idée de sortir fêter son 21e anniversaire avec sa sœur,
c'est mignon, ça parle à tout le monde.
J'ai vraiment accroché sur leur relation.
Ensuite, j'ai réfléchi aux décors.
Au départ, ça se passait dans des bureaux.
Gia parlait à des amis près de la machine à café
sous la forme de trois personnages empilés sous une gabardine.
Ses amis l'emmenaient ensuite en boîte de nuit
et c'était là qu'elle craquait complètement.
Mais comme je ne travaille pas dans des bureaux,
ça manquait d'authenticité.
Alors, j'ai décidé de couper toute la séquence au bureau
et de commencer directement en boîte.
Étant moi-même casanière et introvertie,
ça sonnait plus juste de la placer dans un lieu
où elle est censée s'amuser mais n'y arrive pas du tout.
C'était parfait. C'était un seul décor, c'était concis,
ça permettait de mieux ficeler l'histoire.
Cette grand-mère, elle a une petite cinquantaine.
Elle est encore dynamique et alerte.
Et pour ses cheveux ? C'est toujours compliqué.
Alors, là...
Le réalisateur est en charge de l'histoire.
Son bras droit, c'est son producteur.
Il doit faire face à plein de situations tout à fait inattendues,
tout en cherchant à travailler mieux, plus vite et pour moins cher.
J'avais besoin de quelqu'un qui sache me cadrer,
pour ne laisser aucune zone d'ombre.
Je voulais mieux connaître Courtney.
Tu as travaillé dans tout un tas de services, non ?
Comment tu aimes travailler ?
L'une des choses les plus importantes à mes yeux, c'est la collaboration.
Je m'appelle Courtney Kent.
Je travaille chez Pixar depuis un peu plus de 13 ans.
Tu as combien de monteurs ? Ça marche comment ?
J'ai une liste de personnes intéressées,
on peut en discuter avec elles.
J'ai eu la possibilité d'aider au développement
du tout premier SparkShort, Smash and Grab.
Depuis, j'ai toujours dit
que si j'avais l'occasion de produire un SparkShort, ce serait avec plaisir.
On nous a associés, Louis et moi, sans qu'on se connaisse,
ce qui était intimidant et palpitant à la fois.
C'était un peu comme un mariage à l'aveugle.
J'avais le trac.
J'avais l'impression que je devais faire mes preuves.
Comme je n'avais jamais produit, je me disais sans arrêt
que je faisais n'importe quoi.
Mais dès qu'on a discuté de l'histoire,
qui était centrée sur la famille,
et comme j'ai aussi une petite fille,
on a très vite trouvé un terrain d'entente
qui nous a permis de faire avancer le projet.
Le producteur est le co-équipier du réalisateur,
mais c'est aussi le chef de l'équipe technique.
On demande donc aux producteurs de SparkShorts
de trouver des gens de confiance
et de les employer pour donner vie au projet du réalisateur.
On m'a dit : "Voilà, tu as un producteur, il s'appelle Erik."
Je ne le connaissais pas, alors au début, je me suis dit
que je pouvais me débrouiller seule.
Je ne savais pas quelle relation on aurait.
Et puis, j'ai commencé à comprendre quelle allait être notre dynamique.
Je m'appelle Erik Langley.
Je suis chez Pixar depuis 2004,
soit depuis plus de 16 ans.
C'est la première fois que je produis un SparkShort.
Aphton savait dès le départ quelle histoire elle voulait raconter.
Et pour la prod, il n'y a rien de mieux
qu'une réalisatrice qui sait ce qu'elle veut.
L'équipe la plus nombreuse est celle de l'animation.
J'imagine que les animateurs vont demander comment est ce manteau,
ou combien de fois on le verra de près.
On voulait les briefer pour qu'ils aient un peu de contexte,
qu'ils connaissent l'histoire, les personnages, le style...
À eux de voir.
Ils décident, ça va les motiver.
Les animateurs peuvent parfois choisir sur quel projet travailler,
alors il faut les convaincre qu'on a une idée vraiment sympa
et qu'ils vont s'amuser.
Les 70 animateurs étaient présents dans la salle de projection.
Ils ont la réputation de ne pas être commodes.
Il en faut pour les impressionner.
C'était la première fois que je pitchais une idée à autant de monde.
J'étais stressé. C'est très impressionnant
parce que la vie même de votre film
repose sur votre relation avec les animateurs.
Quand vous devez vous lever devant plus de 100 personnes
pour faire une présentation,
c'est normal d'avoir un petit peu le trac.
Bonjour à vous, l'animation.
Merci de nous laisser interrompre votre réunion.
Moi, c'est Erik. Je produis.
Et moi, Aphton, je réalise.
- J'appuie sur ce bouton pour lancer ? - Oui.
Le titre provisoire qu'on a choisi, c'est "La vingtaine".
J'espérais juste que je n'oublierais rien de ce que je voulais dire.
Ça, c'est moi quand je sors, en fait.
J'hallucine de voir tous ces gens qui ont l'air si à l'aise.
Ces moments, au travail, où on a dit quelque chose de débile.
Il y avait des photos honteuses de moi, petite.
Je savais que ça plairait.
Seize
Je déteste, mais ils vont adorer.
Vous remarquerez les mitaines en résille.
Bref, on enchaîne.
Aphton a un concept très intéressant.
C'était drôle, elle a bien décrit ses personnages. C'était un bon pitch.
Moi, à ce moment-là, je connaissais mes personnages,
et mon décor, mais toujours pas mon histoire.
Je cherchais quelle histoire me représenterait le mieux.
J'ai trouvé ! Celle d'une grand-mère de 50 ans
et de sa petite-fille.
Je me disais que personne n'aurait envie de travailler sur ce court.
Il n'avait rien d'excitant.
Alors, je me suis dit que c'était moi qu'il fallait que je présente.
- Ça vient... Allez ! Ouais ! - Elle adore le catch.
Mettre l'accent sur qui je suis, comment je créé.
La petite fille fait une prise de catch...
Pour que ça intéresse les gens.
Mamie la met au tapis, la fait tourner...
Tout ce qu'il ne faut surtout pas faire à un enfant,
cette mamie va le faire.
Voilà. Merci !
L'accueil a été très enthousiaste. Les gens avaient l'air motivés.
Des animateurs sont venus nous voir après
pour nous dire qu'ils trouvaient nos idées géniales.
- Bravo, c'était top. - Merci, vous aussi.
On a eu de bonnes réactions au pitch.
Les gens avaient envie d'y participer.
Toute ma carrière, je me suis retrouvé directement dans le grand bain
et il a fallu que je me débrouille.
J'ai pas fait une école d'art. Je ne rentre pas dans le moule
de tous les anciens étudiants d'art qui ont une formation académique.
Il a toujours fallu que je trouve mes propres approches et solutions.
Ado, je traînais dans un magasin de B.D.
avec des copains à moi, et j'ai rencontré ce type, Johan.
Il avait un programme de mentorat.
Il m'a demandé ce que je pensais de l'animation.
J'ai répondu : "À regarder ?" "Non, non, pour y travailler."
"Je sais pas si j'en suis capable."
Il m'a dit : "Fais-toi un portfolio et on va te trouver du boulot."
Je n'avais rien à perdre et je voulais vivre de mes dessins.
Alors, j'ai bossé. Je me suis levé à 7h tous les jours.
Je m'asseyais à mon petit bureau
et j'ai dessiné, tous les jours, pendant huit mois.
Pour créer un portfolio.
J'allais au zoo dessiner.
Dans des musées.
Partout où j'arrivais à m'incruster pour dessiner gratuitement.
À la fin, j'avais un portfolio. Je n'en revenais pas.
J'ai postulé dans divers studios.
Certains ont répondu "Merci mais non merci".
Mais Warner Brothers Feature m'a proposé d'être stagiaire.
"D'accord. C'est payé ?"
La Warner, ça a été mon école d'art.
J'y ai fait mes armes, j'ai eu de belles opportunités sur Le Géant de fer.
J'ai beaucoup appris.
Travailler sur Le Géant de fer, ça a été une des plus belles expériences de ma vie.
Brad Bird était une source incroyable d'énergie,
un vrai bulldozer qui faisait avancer le projet.
Et tout le monde s'accrochait pour essayer de suivre.
Brad et son équipe m'ont donné l'occasion de faire mes preuves.
Il n'y avait pas de snobisme.
C'était : "Continue comme ça et je continuerai à te donner du travail."
J'en voulais toujours plus.
Je voulais continuer à faire de l'animation, j'adorais ça.
Sans Le Géant de Fer et sans Brad, je ne serais pas chez Pixar.
Au début, c'était très bizarre de travailler ici.
Quand je suis arrivé, tout le monde a été super gentil.
Je me disais que c'était forcément de l'hypocrisie.
J'étais là : "Je vois clair dans votre jeu !"
Les gens ici veulent faire de l'excellent travail.
Ça, j'adore.
Mais quand je suis arrivé aux studios,
j'ai vu des figurines sur les bureaux des gens,
des tas de trucs décalés et ça me correspondait pas du tout.
C'était pas du tout mon style. Je vivais dans un autre univers.
Là, a commencé ma longue période de transition, d'adaptation.
En plus de ça, je bossais 14 heures par jour, 6 jours sur 7, minimum.
Quand on a des enfants, on a une responsabilité.
La famille, c'est primordial pour moi.
C'était très difficile de trouver un équilibre.
Que choisir ? Ma carrière, ou mes enfants ?
C'était le plus dur.
Quand j'ai eu l'idée
des trois gamines les unes sur les autres sous une gabardine,
je savais que je devais présenter ça comme un projet facile et peu onéreux.
Le meilleur moyen de faire ça,
pour que ça reste joli et intéressant, c'était en animation 2D.
La différence entre l'animation 2D et 3D,
c'est que la 3D est en images de synthèse et montre les choses en trois dimensions.
La 2D, ce sont des dessins à plat réalisés à la main.
Il y avait deux SparkShorts qui avaient réalisés en 2D,
Chatbull et Mon Terrier.
On avait donc suffisamment d'expérience collective
pour tenter le coup en 2D cette fois encore.
J'adore, Rachel. Tu as été super rapide.
Je t'ai dit ce que je voulais,
et toi, t'as fait : "Ok, alors, voilà, voilà, voilà."
- C'est mon boulot, non ? - Clairement.
J'ai travaillé avec Rachel sur la conception des personnages.
YINGZONG "RACHEL" XIN Design des personnages, La Vingtaine
J'ai envisagé de les concevoir moi-même
mais je voulais aussi me concentrer sur mon travail de réalisatrice.
Diriger d'autres artistes,
c'était une chose qu'il fallait que j'apprenne à faire.
J'aime beaucoup celle-là.
C'est une bonne idée, les coiffures différentes.
Je préfère cette forme de visage.
C'est devenu très important de trouver mon propre style de réalisation
dans cette folle aventure Spark.
- On peut... - La pastille ?
- Les Post-it de réalisatrice. - Oui, vas-y.
- Je peux me faire un délire ? - Vas-y, profites-en.
- C'est ton moment de gloire. - Oui. Profites-en.
Ça, j'adore. Là, j'aime la tête.
J'ai réfléchi aux choses qui font de moi qui je suis,
qui m'ont amenée jusqu'ici.
Petite, j'adorais l'animation, les dessins animés,
surtout les Disney.
Au lycée, j'ai pris des cours d'animation.
Je dessinais sur des feuilles que j'agrafais pour les faire bouger.
Quand j'ai vu mes dessins s'animer, ça a été un déclic.
Je me suis renseignée sur les écoles qui existaient.
Celle qui m'attirait, c'était CalArts,
c'était l'école fondée par Walt Disney lui-même.
Je voulais absolument y aller.
Dès que j'ai eu mon bac, j'ai postulé à CalArts.
Je n'ai pas été prise.
Alors, je me suis inscrite dans une fac publique.
Je travaillais comme une dingue à McDonald's pour gagner ma vie.
Je me disais que je n'arriverais jamais à vivre de ma passion.
Mais je continuais à étoffer mon portfolio.
Pendant cette année et demie, j'ai beaucoup réfléchi
à mon identité en tant qu'artiste.
J'étais très inspirée par les mangas.
J'essayais de dessiner
ces traits extrêmement délicats typiques des mangas, au crayon,
et en même temps, j'essayais de reproduire le style Disney.
De temps en temps,
je griffonnais de petits dessins, juste pour moi,
avec des petites bulles.
Beaucoup de gens me disaient qu'ils adoraient.
Pour moi, c'était pas important.
Je trouvais ça nul.
Pourtant, c'est à ça que les gens réagissaient le mieux.
Alors, j'ai commencé à mieux accepter cet aspect des choses.
J'ai fait un portfolio et j'ai de nouveau postulé à CalArts.
Cette fois, ça leur a plu, et j'ai été admise.
L'idée, c'était de rester le moins longtemps possible
parce que l'inscription était ultra-chère.
Je m'étais dit : "J'y reste un an, peut-être deux,
"et puis, Pixar va adorer ce que je fais, m'embaucher,
"et le tour sera joué."
Ça ne s'est pas passé comme ça.
J'ai fait les quatre ans du cursus en stressant non-stop :
"Est-ce qu'on va me remarquer ? Pourquoi ça marche pas ?
"Que veulent les studios ?"
Je manquais encore de maturité.
J'avais besoin de temps pour me forger ma propre identité artistique.
Mon propre style.
Un prof m'a suggéré de publier des dessins sur Tumblr.
Je me suis servie de Tumblr
pour m'obliger à faire un dessin par semaine.
Qu'il soit moche ou pas, je devais poster.
Pourtant, tu es très jolie pour une Noire !
Tu t'es déjà sentie comme une étrangère chez toi ?
J'ai commencé à faire des dessins de moi-même sous forme de B.D.
Je parlais de mon expérience en tant que Noire à Sacramento,
une ville majoritairement blanche.
On était une famille noire
et ça entraînait pas mal de réactions un peu bizarres.
Ces dessins étaient un peu gribouillés, pas très appliqués.
T'aimerais pas avoir la peau plus claire ?
Je les postais pile à minuit.
Et puis, je me cachais, du genre : "Mon Dieu, pourquoi j'ai posté ça ?
"C'était tellement intime."
Mais j'ai eu plein de messages,
de gens qui m'arrêtaient dans le couloir pour me parler de ces dessins.
C'était vraiment énorme.
Ils me disaient qu'ils étaient d'accord, qu'ils vivaient la même chose,
ou me racontaient une histoire similaire.
J'ai senti qu'il y avait une réaction très forte et inattendue.
Ça m'a donné le courage de continuer à raconter mes histoires à ma manière.
J'ai compris que j'avais perdu du temps
à essayer d'être quelqu'un d'autre que moi-même.
C'est là que Pixar m'a remarquée.
Ils m'ont contactée.
De tout ce qui pouvait intéresser Pixar,
je ne pensais pas que ce serait mes dessins de fille noire.
Mais c'était un point de vue authentique
que je présentais de façon intelligible
et c'est ce qui intéresse vraiment Pixar.
De raconter des histoires véritablement authentiques.
Quand je raconte une histoire, je veux qu'elle sonne vrai.
Dans ce cas, la petite-fille vient chez sa mamie,
elle a envie de jouer avec elle.
Mais la grand-mère est occupée et la petite-fille la dérange.
Comment articuler tout ça ?
Je voulais que la mamie ait de l'imagination,
tout autant que sa petite-fille.
Je voulais créer ce lien, montrer qu'elles sont pareilles,
et faire ça visuellement sans qu'elles disent :
"Alors, tu aimes le catch ? Moi aussi ! Qu'est-ce qu'on s'entend bien !"
Je ne voulais pas de dialogues, je voulais voir ce que ça donnerait sans.
J'ai fait plein de films avec une tonne de dialogues.
Là, j'avais envie qu'on se taise.
J'aime l'animation qui en dit moins.
On a un principe ici,
c'est qu'on doit pouvoir suivre tous nos films avec le son coupé.
L'histoire doit être assez claire, les visuels assez évocateurs.
Pour Wall-E, on nous a toujours dit que les enfants ne tiendraient pas
devant 25 minutes de film sans une seule ligne de dialogue,
qu'ils décrocheraient.
En réalité,
durant leurs 4 ou 5 premières années, les enfants se contentent d'observer,
d'essayer de comprendre ce qui se passe.
Ils comprennent très bien ce qu'on leur montre.
L'important, c'est de faire en sorte que l'histoire et les visuels fonctionnent
pour que ce soit compréhensible sans dialogue.
Évidemment, ça marche mieux avec des dialogues,
mais ça devrait fonctionner sans.
Au départ, on nous a dit
que sur un SparkShort, il fallait se contenter d'un ou deux personnages,
avec peu de dialogues et peut-être un décor ou deux.
Sur le court d'Aphton, il y a 5 rôles principaux.
Pour qu'on comprenne mon idée, il fallait des dialogues,
parce que chaque personnage se définit par ce qu'il dit.
C'est parti !
J'ai demandé à Erik combien de dialogue il y avait sur les anciens courts.
Il m'a répondu : "Autour de quatre pages".
"Ah, d'accord.
"Le mien risque d'être plus long".
Parce que la difficulté du passage à l'âge adulte, c'est un peu complexe.
Quand on fait un film,
on passe par l'étape de ce qu'on appelle des story reels.
C'est une version de travail, dessinée à la main
avec des voix et une musique provisoires montées par-dessus.
On le visionne et on essaie de voir ce qui marche et ne marche pas.
Au début, on se dit "Ça va être génial",
et puis, on regarde
et là, c'est pas si génial que ça.
Comme ça, on dirait que Joe sait où il va,
que c'est pas sa première fois.
Il faut adapter un peu, je pense.
On analyse, on essaie de voir là où ça coince et on recommence.
Louis est un story artist,
alors il a l'habitude de dessiner lui-même les storyboards.
C'est un moyen pour lui de réfléchir en profondeur
à ce qu'il veut raconter,
aux moments-clés qui portent l'histoire.
On a donc la grand-mère qui s'installe pour regarder le catch,
le moment-clé suivant, c'est la petite-fille qui débarque.
Elles entrent en conflit.
Le téléviseur tombe.
Elles se font un petit combat de catch
et puis, elles se serrent dans les bras.
Quand il a un peu étoffé tout ça,
on envoie les dessins au montage,
on monte le film et on ajoute de la musique.
Je voulais tout de suite avoir quelques plans, pour voir si ça marchait,
le donner au monteur et vérifier que l'histoire se tenait.
On aurait réglé les problèmes au montage.
J'avais hâte de voir ce que ça donnait,
mais on a regardé le montage et c'était affreux.
J'étais dévasté.
J'avais plein d'idées qui partaient dans tous les sens.
L'histoire n'était pas claire.
Mais, même si c'était nul,
j'ai vu qu'il y avait quelque chose à creuser.
C'est là que j'ai un peu disparu.
Louis a fait silence radio,
et quand le réalisateur n'a pas une vision claire du projet,
c'est très, très compliqué.
Impossible de savoir si on pourrait faire le film.
Je me suis concentré sur le fait de trouver une histoire.
Mon cerveau tournait à plein régime, je ne l'arrêtais plus.
Je me réveillais à 3h du matin, je restais assis dans le noir.
Je puisais au fond de mon âme pour trouver des choses
qui toucheraient les gens en profondeur.
Pas dans ce qu'on voit, mais dans ce qu'on ressent.
La vérité humaine.
J'écrivais un truc, j'y réfléchissais toute la journée...
Le matin, je trouvais ça génial. Tous mes problèmes étaient résolus.
À midi, je commençais à douter, à me poser des questions.
Et puis, je me mettais au lit et là, le désastre.
"Non, c'est trop nul.
"Ça marche pas. Qu'est-ce que je vais faire ?"
Dans ma tête, c'était vraiment les montagnes russes.
Je passais de "Je vais faire un court métrage génial"
à "Je vais me ridiculiser devant tout le monde."
À chaque nouvelle version, c'était de pire en pire.
J'étais dans une période noire.
Quand on écrit, qu'on créé, on peut s'isoler et se sentir très seul.
Je n'avais jamais été aussi déprimé.
Je disais à Courtney que j'avais besoin de temps, que je ne savais pas.
C'était dur de ne pas savoir ce qui se passait dans sa tête.
Je ne savais même pas si on avait une histoire.
L'histoire, c'est au cœur de ce qu'on fait ici à Pixar.
Depuis que je suis ici,
j'ai vu de mes yeux cette volonté farouche de la travailler, et retravailler
jusqu'à ce que ça marche.
Une histoire, ça ne se créé pas d'un seul coup.
Ça prend beaucoup, beaucoup de temps.
Si on se rend compte que ça ne marche pas tout à fait,
qu'il faut tout déconstruire, changer des choses,
eh bien, ça fait partie du procédé.
Si les choses se passent trop bien,
c'est qu'on ne vise pas assez l'excellence.
Il faut analyser, revenir en arrière,
et essayer de perfectionner l'ensemble encore et toujours.
Sur Le Monde de Némo,
pendant très longtemps, personne n'appréciait Marin, le papa.
On vérifie que la voie est libre.
On le trouvait pénible.
Tu allais en pleine mer !
- Non, pas du tout... - Heureusement que j'étais là.
Alors, on réécrivait, réécrivait...
Dans la première version du film,
le moment traumatisant de l'attaque du barracuda
n'était pas au début.
On en voyait des moments, en flashbacks, tout au long du film.
- Il faut leur trouver un prénom. - Je n'ai pas oublié.
Il y a un prénom que j'aime beaucoup. Némo.
Super, ça en fait un. Plus que 99 à trouver.
Du coup, on avait aucune compassion pour le père.
On ne comprenait pas pourquoi il était comme ça.
Ce n'est que beaucoup plus tard
qu'on a compris que le flashback, ça ne marchait pas
et qu'il fallait montrer ça au début.
Sinon, le personnage principal n'était pas sympathique et c'était indispensable.
Corail !
Papa te tient.
Quand on doit raconter une histoire, on se pose beaucoup de questions.
Je me demandais en permanence
pourquoi ces personnages avaient tant d'importance,
pourquoi j'y pensais tout le temps, pourquoi ils me plaisaient.
Il faut se poser les questions qui fâchent.
"Qu'est-ce que ça veut dire pour moi ? Qu'est-ce que je ressens, là ?"
Une des choses qui a changé la donne pour moi,
c'est ce moment, dans le court, où la télé se casse.
Au départ, la grand-mère était très énervée vis-à-vis de la petite.
Ça la rendait très antipathique, personne ne voulait de ce personnage.
J'ai compris qu'elle ne pouvait pas juste préférer le catch à sa petite-fille.
Ça ne tenait pas !
Alors, on a cherché pour quelles raisons ça pouvait être aussi important pour elle.
Il fallait un motif affectif,
une raison pour laquelle elle ne voulait rater ça pour rien au monde,
pour laquelle elle ne voulait être dérangée par personne.
Je réfléchissais à la réaction qui serait la plus effrayante.
Pour moi, c'était qu'elle soit vulnérable.
C'était la chose qui me faisait le plus peur.
Et si, à ce moment-là, elle se mettait à pleurer à chaudes larmes,
si elle était véritablement bouleversée
par cette irruption dans sa vie...
Ça a été un déclic pour moi.
Je sentais que c'était la direction à prendre
mais j'hésitais. Je ne voulais pas qu'elle paraisse faible.
Et puis, je me suis décidé,
parce qu'il faut être vulnérable avec les personnages.
Je ne vois pas comment raconter une histoire
si on n'y met pas de sa propre vulnérabilité aussi.
Il fallait une raison pour que Nona y tienne autant
et j'avais envisagé que son mari soit mort.
En me disant que c'était peut-être une passion qu'ils avaient en commun.
Depuis, il était décédé.
Là, on commence à partir
sur l'idée qu'elle se prend une journée pour penser à l'homme de sa vie.
Là, on va vraiment chercher les raisons profondes.
Si j'ajoute le personnage du mari,
on comprend qu'elle fait ça par amour pour lui.
Ses actions ont un poids émotionnel
qu'elles n'avaient pas quand c'était "juste du catch".
Le conseil que je donne aux réalisateurs pour leur SparkShort,
c'est de ne pas oublier qu'ils ne font pas ça pour eux-mêmes.
Que ce film ne s'adresse pas à eux-mêmes
mais qu'ils le font pour le public.
Même si vous trouvez ça génial, mais que le public non,
devinez qui a le dernier mot.
Dans chacun de nos films, on essaie de présenter des personnages
dans une situation qui capte tout de suite l'attention.
Comme au début de Monstres et Cie, on voit un enfant qui se couche,
et immédiatement, il se passe des choses bizarres dans sa chambre.
On entre directement dans le film
parce que c'est une chose qu'on a tous vécue enfant, ou même adulte.
Et puis, on renverse la situation.
Il y a des monstres mais c'est simplement leur boulot d'effrayer les enfants.
C'est comme ça qu'on établit un lien
entre une situation connue et sa version revisitée.
Elle est majeure. D'ailleurs, c'est son anniversaire !
Bon anniv.
Quand on fait un film d'animation, la question se pose toujours
de savoir jusqu'où on peut aller pour que ça reste crédible.
Commande ce que tu veux, je t'invite.
Alors, du lait. Je rigole.
Au début, Gia est très ambiguë.
Il faut un bon moment pour comprendre
que c'est une jeune femme qui panique à l'idée de devenir adulte.
Non ! T'as eu des bonbons tout à l'heure.
- Gia, ça va ? - Ouais, super.
On a fait deux projections et les gens ont donné leur avis...
Je vais sur le pot... Je veux dire, aux toilettes.
Presque tout le monde m'a demandé
si c'était vraiment trois enfants sous une gabardine, ou une métaphore.
On m'a dit qu'il fallait clarifier ça
parce que le public ne comprendrait pas.
C'est comme ça que tu imaginais le travail de réalisatrice ?
Je crois, oui.
Dans l'ensemble, les gens comprennent ce que je veux dire.
Tu as eu des commentaires positifs ?
C'est important d'être clair, mais il y a un moment pour ça.
Laisser planer une certaine ambiguïté, c'est marrant, c'est mystérieux.
Je voulais vraiment essayer de l'être.
Être dans le public, dans l'obscurité,
et entendre les gens rire et réagir...
c'est trop cool.
Ça devient comme une drogue,
tu ne peux plus te passer de faire rire les gens, les faire réagir.
Domee est réalisatrice, ici chez Pixar. Elle a réalisé le court Bao.
J'avais envie de lui demander conseil
parce qu'elle a su prendre des risques très intéressants dans son film.
Quand on travaille ici,
on te rabâche toujours qu'il faut que ce soir "clair".
Mais l'important, c'est l'émotion.
Je me souviens que sur Bao,
il y avait toujours des gens qui ne comprenaient pas trop la fin.
Bao, ça parle d'une vieille dame chinoise qui se sent seule
et qui, un jour, découvre qu'un de ses raviolis vapeur
a pris vie sous la forme d'un petit garçon-ravioli.
Évidemment, elle l'adopte immédiatement,
et elle traverse toutes les épreuves de la vie de mère avec son ravioli.
C'est semi-autobiographique,
et basé sur ma propre expérience de fille unique hyper couvée.
J'avais vraiment besoin de faire ce film.
À l'époque, je vivais loin de mes parents,
je culpabilisais d'être aussi loin de ma mère
et j'avais besoin de quelque chose pour gérer ces sentiments-là.
Je me souviens que j'ai pitché l'idée à Pete Docter, comme ça, en passant.
Quand je lui ai raconté que la mère mangeait le garçon-ravioli
pour empêcher qu'il la quitte,
il a été vraiment surpris mais il a adoré
et il m'a dit "Ne change pas la fin.
"C'est original, c'est bizarre. C'est cool."
Il m'a motivée à défendre cette fin
même quand certains trouvaient ça "trop noir" ou "bizarre"
ou disaient que j'allais faire peur aux gamins.
CÉRÉMONIE DES OSCARS 24 février 2019
L'Oscar est attribué à Bao.
Je remercie l'Academy.
À toutes les petites filles timides qui se cachent derrière leurs dessins,
n'ayez pas peur de raconter vos histoires à vous.
Pas besoin de tout expliquer.
Tant que l'émotion que ressent le public à la fin du film
est celle qu'on voulait leur procurer.
Ça peut faire peur.
Il faut foncer, c'est tout.
J'ai vu tes reels, je trouve que ça marche.
Alors, ne t'en fais pas trop.
L'entendre me dire :
"Oui, vas-y, n'aie pas peur que ce soit un peu bizarre",
ça m'a beaucoup aidée.
Au contraire, c'est ça l'idée.
On est embarqué dans une histoire un peu abstraite
et ce n'est qu'à la fin que tout devient clair.
Parle-moi des vêtements.
Que dit la simu ?
J'en discutais justement avec Ana.
La priorité, c'est qu'ils ne gênent pas le mouvement.
Sur Nona, quelle est la priorité ? Son T-shirt.
Sur la petite fille, ça va certainement être sa coiffure.
Le chien, lui, il bouge très lentement.
- On a pas besoin de quoi que ce soit. - Il a son collier.
- Avec un truc qui pend... - On pourrait l'animer.
On peut se passer du collier.
J'adore l'animation parce que c'est une collaboration.
Je suis vraiment convaincu que si on mobilise son équipe,
et qu'on a une histoire en laquelle en croit,
le résultat ne peut être que réussi.
Mais on n'approche pas un SparkShort comme un long métrage.
Les lignes fortes dirigeront le regard.
Sur un film, on a le temps et le budget pour gommer toutes les imperfections.
Je veux des imperfections.
Si on simplifie les modèles,
on peut obtenir quelque chose de plus graphique,
ne garder que les rides qui comptent.
J'ai envie qu'on soit comme un jeune groupe de rock.
Tout est encore très brut, vous voyez ?
Pour moi, c'était la même chose.
On était les meilleurs "petits jeunes" du milieu.
À nous de produire notre musique, avec un son brut.
Pas trop lisse.
Faisons des choix risqués, audacieux.
Et puis, on verra ce que ça donne.
Écrire, c'est résoudre des problèmes.
Je me dis toujours
que rien n'arrive pas hasard, qu'il faut toujours utiliser ce qui se passe.
Mais ça va plus loin que ça. Il y a une alchimie.
Une sorte de magie.
L'écran doit bouger, danser devant nos yeux
pour arriver à véritablement susciter une émotion
qui nous emmène ailleurs, et qu'on montre à nouveau
tout ce qu'il y a de beau dans la vie.
Dans certaines versions antérieures du combat de catch
entre Nona et Renée,
elles prenaient le temps d'attraper des objets dans la pièce
pour se faire des costumes de catcheuses.
Et puis, elles combattaient, là, dans le salon.
Tout se passait dans le monde réel.
Louis trouvait qu'on n'allait pas assez loin dans cette scène.
Bonsoir et bienvenue à l'évènement !
Dans le coin bleu, Nona le Laminoir.
Je voulais qu'elles jouent à faire du catch.
Pas qu'elles se battent vraiment.
Il fallait montrer ça à travers les yeux de la petite fille.
Sachant que Nona, elle aussi, a beaucoup d'imagination.
On voulait vraiment voir
jusqu'où on pouvait aller avant de perdre le public,
s'aventurer dans le monde de l'imaginaire le plus débridé.
Certaines idées allaient quand même un peu trop loin.
Ça devait ressembler à un terrain de jeu,
tout en paraissant réel, crédible.
On a essayé de trouver un juste milieu entre les deux.
Renée avait toujours ses autocollants,
et Nona pouvait faire sa prise qui tue.
Ces deux mondes qui étaient entrés en conflit
retrouvaient l'harmonie dans cette scène.
Elles partagent un moment qui les rend plus fortes,
plus solides.
Il faut faire attention aux yeux.
Quelle est la différence
entre réaliser un film animation et un en prises réelles ?
Je trouve qu'un bon réalisateur en prises réelles
part du scénario, fait venir les acteurs,
et travaille comme un musicien de jazz.
Il prend chaque élément, il les assemble, il improvise.
Au contraire, pour l'animation, il faut être un compositeur classique.
On va minutieusement écrire la moindre note de la partition,
changer telle double-croche en croche,
et tout ça est très, très long.
Ça demande beaucoup de travail.
Et puis, c'est aussi beaucoup se tromper.
On essaie quelque chose et puis, finalement, ça ne marche pas,
les gens n'ont pas ri du tout, pourquoi ?
On cherche à analyser tout ça.
Et puis, on réessaie encore et encore.
C'est parti !
Ce que vous voyez à l'écran,
c'est certainement la dixième version du film.
Copine potentielle droit devant.
- Tu vas pas recommencer. - On devrait peut-être lui parler.
Ça fait deux mois que Riley est au collège
- et elle n'a pas un seul copain. - Et Bing Bong, alors ?
Il est imaginaire.
Dans une version de Vice-versa qu'on a eue longtemps,
Joie était associée à Peur du début à la fin.
Tu ne rentres pas avec nous, Joie.
- Riley se porte mieux sans toi. - Attendez !
Attrapez-la.
VICE-VERSA (2015)
Assez tard dans le procédé,
on s'est rendu compte que pour que ça marche,
Joie devait être associée à Tristesse.
Je veux rentrer à la maison.
Il a donc fallu tout reprendre,
refaire tout un tas de scènes, jeter plein de choses.
Des milliers de dessins, des centaines d'heures d'enregistrement et de montage.
Mais tout ça nous a été très précieux,
parce qu'on a appris des choses sur les personnages,
leur univers, l'histoire, et la direction à prendre.
C'est top, c'est la première fois qu'on va le regarder entièrement monté.
Oui, avec les dialogues, la musique et les bruitages. Tout est provisoire.
Regardons ça.
Dépêche-toi. Après, on se lâche sur la piste !
J'ai trop hâte.
Un des aspects les plus compliqués,
c'était d'attribuer un âge précis à chacun des personnages.
On est trop nulles. Qu'est-ce qui nous arrive ?
Où t'as vu que c'était toi le chef ?
Qu'on comprenne que Dix a 10 ans,
que Seize a 16 ans,
tout en ayant un doublage provisoire.
Bien joué, Seize. Quelle idiote !
T'as tout fichu en l'air.
Le doublage provisoire, ce sont juste des comédiens
qui lisent les dialogues
pour qu'on se fasse une idée de ce que ça va donner.
J'ai une question sur la voix de Dix.
Clairement, on ne sent pas qu'elle n'a que dix ans.
On n'avait pas d'enfant pour faire une voix,
alors on avait du mal à rendre Dix crédible.
C'est aussi mon avis.
Ce n'est pas pour critiquer la comédienne
mais ce serait bien si la voix était un peu... frêle.
Si elle avait l'air plus jeune.
Lors des projections,
les gens avaient du mal à croire que Dix n'avait que dix ans
parce qu'elle était doublée par une femme de 30 ans.
On est adulte !
On va assurer, parce que c'est ce que font les adultes.
D'accord !
Pour moi, c'était la voix qui allait vraiment la rendre crédible.
Dès que Kaylin est venue doubler Dix...
Tu vas compter 3, 2, 1 et on va enregistrer.
Tu appuies sur "enregistrer" au moment où tu le dis.
Elle a apporté beaucoup de charme et d'innocence au personnage.
On est une belle femme de 21 ans, forte et responsable !
On va remuer les fesses sur la piste,
on va se coucher super tard,
et on va dire adieu à l'enfance,
parce que c'est la soirée de Gia !
On a enfin trouvé quelqu'un pour faire des décors.
- Super. - Trianne va s'en occuper,
elle va faire les modélisations.
Qu'est-ce qui lui faut pour démarrer ?
Il faudrait un plan, je pense.
J'ai le plan des décors.
J'envisage...
une résidence dans le style de Los Angeles.
Des murs en stuc blanc, pour la texture,
pour qu'ils ne soient pas lisses.
J'aime bien l'idée qu'on compose cette pièce avec des détails.
C'est comme ça qu'on va vraiment lui donner vie.
Il faut vraiment trouver la bonne ambiance.
C'est important d'avoir un univers crédible
et qui correspond au personnage.
Il y a quelques détails typiques qui vont faire toute l'ambiance.
C'est sur la Côte ouest,
il y a un rythme, une ambiance spécifiques.
Je veux vraiment être attentif à ça.
On a fait appel à une décoratrice pour l'appartement de Nona,
on l'a créé de toutes pièces.
C'était notre seul décor.
Je lui ai donné des directives générales.
Je voulais un style typique de L.A., le style colonial espagnol.
Du parquet, des arches, une rampe d'escalier en fer forgé.
Elle a compris l'idée. Elle a saisi l'esprit, l'âme du truc.
Elle me disait : "Ma grand-mère a ça, une planche à découper au mur."
J'étais trop fan.
Elle s'est investie à fond. Toute la déco, les cadres...
Quelqu'un vit vraiment là, les détails sont là
sans être non plus trop nombreux parce qu'on n'avait pas le budget.
En fin de compte,
ceux qui donnent vraiment vie au film, ce sont les animateurs.
C'est ce qu'on voit à l'écran.
Pas mes croquis vite fait,
mais une belle animation.
Le film se passe dans une boîte de nuit
donc il y a du monde.
Comme on fait beaucoup d'animation 3D,
on a un service qui est spécialisé dans la création des foules en 3D.
Mais sur le programme Spark, quand on fait de l'animation 2D,
il faut être créatif pour que la boîte ait l'air bondée et dynamique,
sans animer plus de 70 personnes.
Elle s'est inspirée de vieux dessins aimés...
comme ceux d'UPA, où les fonds, les décors
ne sont que quelques lignes,
juste pour indiquer qu'il y a quelque chose.
On a donc décidé d'avoir beaucoup de personnes en fond
mais qui ne bougent pas.
On a placé quelques silhouettes à des endroits stratégique,
qui eux bougent, pour donner l'impression
qu'il y a plein de gens qui dansent et que l'endroit est bondé.
J'ai donné du fil à retordre au service animation.
Mes personnages sont très actifs.
Sur certaines scènes, il y a six personnes différentes à animer.
Et elles sont complexes.
C'était un peu un baptême du feu.
Mon directeur de l'animation, Lucas,
m'a demandé si j'acceptais de modifier quelques trucs,
des boucles d'oreille, des sacs,
des choses que les animateurs devaient prendre en compte
et qui finissaient pas poser beaucoup de problèmes.
Cependant, il y avait une chose que je voulais garder,
c'était les coupes de cheveux de chaque enfant.
C'est très important chez les Noirs.
On a plein de coiffures différentes, originales.
C'est aussi un bon indicateur de l'âge qu'on a.
C'est la différence
entre l'âge où c'est maman qui te coiffe,
et quand tu commences à aller chez le coiffeur.
Je savais que ces coiffures, les tresses et tout ça, c'était du boulot,
mais c'était un élément important des personnages.
On a simplifié un peu les coiffures pour leur faciliter la tâche.
Mais les animateurs sont géniaux,
et j'étais trop contente parce qu'on avait très peu de temps...
mais le résultat est top.
Ça fait 20 ans que je travaille dans l'animation.
Pour la première fois, j'ai la sensation d'être un ancien.
Il y a plein de petits jeunes qui débarquent
et qui sont plein d'idées, plein d'énergie.
Je me rends compte que je n'ai plus autant d'énergie.
Le court parle de l'influence des générations les unes sur les autres.
Je prends toujours l'exemple de la chienne que j'avais.
Elle s'appelait Pica.
C'était un petit pitbull, elle avait une douzaine d'années.
Elle avait mal à la hanche.
Elle était vieille, elle n'avait pas envie de bouger.
Et puis, on a offert un Yorkshire à ma fille pour Noël.
Ma fille était contente
mais la chienne, encore plus !
Tout à coup, elle a eu envie de jouer.
Ce petit chiot lui a redonné une étincelle de vie.
C'est ce que je voulais voir entre la petite fille et le chien.
Quand j'ai parlé à l'équipe du fait d'avoir un chien,
ils m'ont dit que ce serait difficile,
et qu'un chien avec un sweat-shirt, ça, c'était impossible.
Les quadrupèdes ont la réputation
d'être toujours difficiles à faire en animation.
La mamie devait soulever le chien, le déplacer,
ça aussi, c'était difficile à animer.
En même temps, le dessin qu'en avait fait Louis était très mignon,
ça donnait tellement d'épaisseur à l'histoire,
qu'on a cherché un moyen de le conserver.
Mon équipe a fait un gros travail.
Pour sculpter les formes, faire la simu du chien
avec un vrai sweat à capuche,
le chien sur le canapé.
Finalement, on a pu tout avoir.
Et maintenant, j'ai vraiment hâte de le montrer.
Je ne sais pas ce que ça donnera,
mais c'est fait, j'en suis fier, et on verra pour la suite.
La première chose qu'on cherche quand on va voir un film,
c'est d'être diverti.
Mais ça, c'est la surface, le glaçage, si on peut dire.
Notre rôle, en tant que cinéastes,
c'est de trouver ce qui va marquer durablement les spectateurs.
Ce qui va leur rester en tête.
De manière à ce que le soir, au dîner, ils y repensent.
La seule manière de réussir ça,
c'est d'avoir des cinéastes qui ont des choses intéressantes et originales à dire,
une façon de faire, des idées
et des concepts qui sont nouveaux.
Je suis très contente du film dans l'ensemble,
j'en suis extrêmement fière.
J'étais très émue, tout comme Erik,
parce que je repensais à l'aventure folle que ça a été du début à la fin.
Je voulais juste filmer une histoire
qui raconte ce que je vivais, ce sentiment qu'on connaît tous.
Quels que soient votre âge, race, genre,
tout le monde pouvait se reconnaître.
Et le fait que ce soit raconté par un personnage noir,
ça ajoute un côté novateur et intéressant.
L'histoire est drôle, émouvante,
et elle montre un point de vue qu'on n'entend pas assez.
J'ai hâte que tout le monde voie ça, et se reconnaisse dans l'histoire
parce que ça s'adresse à tous.
J'ai hâte que la communauté noire,
les petites filles en particulier, le voient.
Il y a un énorme besoin de représentation.
Le fait de pouvoir se reconnaître à l'écran,
c'est très important pour beaucoup de gens.
Je suis contente que ces gens se sentent représentés
et sachent que ce film leur est dédié.
J'ai aussi hâte que ma famille le voie.
Surtout ma sœur.
Quand je lui ai dit qu'un personnage était inspiré d'elle...
C'est parti !
elle était toute contente.
Allez, circulez. Il y a rien à voir.
- Gia. - Laisse-moi tranquille.
Ce film parle du passage à l'âge adulte,
du fait d'accepter l'incertitude qui va avec.
T'es vraiment en train de pleurer aux toilettes ?
Non.
Si.
Je voulais que Nicole lui fasse comprendre
qu'elle s'inquiétait pour rien et que tout irait bien.
C'est bon, je suis prête.
Là, je te reconnais. On y va.
Comme dans le court métrage,
j'apprends à me faire de plus en plus confiance,
à me dire que j'agis bien. Ou pas trop mal.
Que je vais continuer à progresser, à apprendre,
que ça n'a rien de mal, que ça fait partie de la vie.
Tout ça, c'est parce que j'ai réalisé ce court métrage,
que je suis allée au bout et que j'ai survécu.
C'est la première fois que je finis vraiment quelque chose.
Je n'avais jamais fini de court métrage, et ce n'était pas faute d'essayer.
Il fallait juste que j'avance par étapes, que je travaille en équipe,
et jusqu'à maintenant, je n'avais jamais réussi.
C'est important de finir.
Sans ça, on ne peut pas progresser.
On est content de pouvoir enfin présenter Nona.
J'ai vraiment hâte que ma famille le voie.
Ma fille a aussi 5 ans, comme Renée.
Pouvoir vivre avec elle
la projection de la version achevée,
ça va être fabuleux. J'espère que ça lui donnera pas des idées.
Réaliser ce film, ça a été une expérience merveilleuse.
Les histoires font honneur à la vie. Aux gens.
Dans mes histoires, je rends hommage à ma famille, à mes amis.
Et j'adore ça.
Je suis ravi de faire ça à mon âge. Même si j'ai dû attendre 20 ans pour ça.
Quand j'aurais pu avoir l'occasion de me lancer vraiment dans la réalisation,
j'ai tout arrêté pour privilégier mes enfants.
Je ne pouvais pas avoir les deux.
Je travaillais le soir, le week-end.
Je me souviens très bien d'un matin,
mes enfants m'ont demandé de jouer au ballon avec eux.
J'ai répondu : "J'arrive."
Je pensais dessiner un peu et puis, les rejoindre.
Ils sont venus me dire bonne nuit.
J'avais manqué toute la journée. J'ai pris ça en plein visage.
Ils ne sont enfants qu'une fois.
Je voulais être là le plus possible pour eux.
Quand j'ai filmé cette histoire, et que les choses se précisaient,
j'ai compris ce qu'elle signifiait pour moi.
Ça représentait mes enfants qui voulaient que je joue avec eux,
tandis que j'étais concentré sur ma carrière.
Je n'étais pas présent, je n'étais pas assez attentif,
comme dans le court métrage.
J'avais besoin de ce déclic.
C'est drôle que le court en soit venu à parler de ça.
C'est là qu'il est devenu honnête,
parce qu'il me parlait de façon très précise,
que c'était vrai.
Plus on dit des choses intimes et plus l'histoire devient universelle.
Pour la génération de mes enfants, ou de leurs enfants,
les histoires universelles, ce sont de moins en moins
les contes de fées classiques.
Ce n'est plus ce qui les représente. Ce qui leur parle.
Le public a toujours envie d'être surpris,
quand il s'assied devant un film.
En donnant leur chance à des réalisateurs d'horizons très divers,
on a de meilleures chances
de créer cet effet de surprise.
Étant donné que c'est un premier film,
vu les contraintes de budget
et de temps qu'ils ont eues pour le faire,
je suis toujours époustouflé par la qualité du résultat.
C'est extraordinaire ce qu'ils arrivent à faire,
le talent qu'ils ont.
L'évolution des SparkShorts, c'est celles des réalisateurs eux-mêmes.
À l'avenir,
il faut continuer à chercher de nouveaux points de vue,
leur donner les moyens, leur donner voix au chapitre,
oser nous montrer plus ouverts sur ce qu'ils ont à dire.
En tant que studio, en tant que public, en toutes circonstances.
Ce programme nous donnera un avant-goût
des réalisateurs de demain.
C'est une très belle introduction de ce que seront, je l'espère,
les films Pixar des vingt prochaines années.
Sous-titres : Virginie Clamens