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Mi chiamo Pete Docter e sono il CCO,
ovvero il responsabile creativo dei Pixar Animation Studios.
In oltre 30 anni, in Pixar ho fatto di tutto:
dallo Storyboard Artist, all'animazione, alla regia.
La Pixar è cambiata molto, ma senza mai snaturarsi.
La nostra prima sede era un po' malandata.
Pur essendo in 112, credo, a lavorare su Toy Story,
quella restava una storia molto personale.
Inserivamo le nostre esperienze di vita nella narrazione
e ci chiedevamo: "Che cos'è l'invidia?
"Come reagirei, constatando
"che qualcuno è migliore di me?"
Erano alcuni dei temi affrontati nel film.
Sono cresciuto in Minnesota, in una sonnolenta fascia suburbana.
Però tutti i miei film, che parlino di mostri,
MONSTERS & CO. (2001)
di un anziano che vola in Sudamerica con la casa,
di un'adolescente trapiantata a San Francisco,
sono tutte storie molto personali,
che si ispirano al mio vissuto.
E ci siamo chiesti:
"Come possiamo apportare nuove idee
"e puntare su qualcuno, affidandoci solo all'intuito, tipo:
"'Sento che questa persona
"'ha cose interessanti da raccontare.'"
SPARKSHORTS PROGETTI FIRMATI DAGLI ANIMATORI PIXAR
SparkShorts è un programma relativamente recente,
lanciato per dare a narratori nuovi e diversi,
l'occasione per dirci, in breve lasso di tempo,
LINDSEY COLLINS Produttrice & Vicepresidente Sviluppo
chi sono e cosa hanno da raccontare.
La storia dei corti in ambito Pixar è interessante,
perché in qualche modo Pixar nasce proprio dai corti
JIM MORRIS Presidente
e in particolare dal corto intitolato André & Wally B,
che è il primo lavoro d'animazione in computer grafica.
LE AVVENTURE DI ANDRÉ & WALLY B. (1984)
I corti entrarono a far parte del DNA dell'azienda.
IL SOGNO DI RED (1987)
Ci servivano a testare nuove idee
in base all'evoluzione della CG.
Il tutto molto prima di Toy Story.
LA PARTITA DI GERI (1997)
Il concetto alla base dei corti iniziali
era l'assunzione di rischi.
PARZIALMENTE NUVOLOSO (2009)
Ci dicevamo:
"Abbiamo poco da perdere perché non ci conosce nessuno",
quindi potevamo osare e scommettere.
Ora abbiamo pensato: "Perché non fare dei corti dal budget molto ridotto
"rispetto ai costi tradizionali?"
Diamo ai realizzatori la possibilità di raccontare ciò che vogliono
e sei mesi per portare a termine il progetto.
Il programma SparkShorts
è nato per scoprire se ci fossero talenti rimasti nell'ombra,
senza l'occasione di raccontare proprie storie.
Vogliamo una visione senza filtri del loro pensiero,
evitando di essere d'intralcio.
L'unico modo per far evolvere le storie dei nostri lungometraggi
è coinvolgere la prossima generazione.
Ma non si può aspettare 20 anni.
Dobbiamo farlo adesso.
Mi chiamo Aphton Corbin.
Sono Storyboard Artist dei Pixar Animation Studios.
APHTON CORBIN Storyboard Artist
Mi è sempre piaciuto scrivere e condividere brevi storie.
Da bambina facevo disegni e li spillavo insieme,
creando delle mini-sceneggiature
che davo alle persone come regalo di compleanno.
E già in tenera età giocavo alla regista con mia sorella.
Le dicevo: "Il personaggio non la direbbe così.
"Dobbiamo rifare la battuta."
Da quando sono in Pixar, ho capito di voler diventare regista.
Può sembrare presuntuoso: "Voglio fare la regista."
Non sapevo quando sarebbe successo,
ma sapevo che prima o poi avrei diretto qualcosa.
Sin dal primo giorno, Aphton ha fatto un'ottima impressione a tutti.
Si è subito conquistata la reputazione
di persona che ha molto da dire e che tutti ascoltano volentieri,
a prescindere dal reparto.
Ho lavorato con Aphton su Soul.
È sua l'ideazione grafica dei consulenti nell'universo di Soul.
COME SI MUOVONO...
È una Storyboard Artist di talento che ha trovate davvero originali, da chiedersi:
"Da dove le arrivano? È stravagante e geniale."
Mi chiamo Louis Gonzales e sono alla Pixar da quasi 20 anni.
LOUIS GONZALES Storyboard Artist
Da quando sono nell'animazione,
ogni giorno ho dovuto affrontare una sfida diversa.
Ho sempre accolto con gioia qualsiasi progetto, qui alla Pixar,
perché più che un lavoro è un'esperienza.
Negli anni ho avuto la fortuna di lavorare a film molto speciali,
che tutti adorano,
dando il mio piccolo contributo.
Ma dopo quasi 20 anni, ti chiedi a che punto è la tua carriera
e che cosa ti ci vorrebbe per progredire.
E s'insinua il sospetto che non riuscirai mai a firmare una regia.
Louis è con noi da molto, molto tempo.
È uno Storyboard Artist di livello
RIBELLE - THE BRAVE (2012) Storyboard di Louis Gonzales
e di grande creatività.
RATATOUILLE (2007) Storyboard di Louis Gonzales
Louis ha lavorato con Brad Bird su Gli Incredibili.
Propone un punto di vista sempre originale,
GLI INCREDIBILI (2004)
riuscendo a dare vita a personaggi sensazionali.
È un vero vulcano di idee.
Al punto che ci siamo chiesti:
"Che cosa riuscirebbe a tirar fuori, se ne avesse l'opportunità?
"Che storia racconterebbe?"
Dopo più di anno di lavoro sul mio primo film, Toy Story 4,
pensavo solo a sviluppare e migliorare il lavoro di storyboard.
Un giorno, ricevo un'email:
"Volevamo comunicarti
"che sei stata scelta per dirigere uno SparkShort."
Un po' di tempo fa mi hanno chiamato Lindsey e Jim.
Ho pensato che volessero licenziarmi.
Invece mi chiedono: "Che cosa vuoi fare in futuro?"
Ho pensato: "Posso persino scegliere?"
Perché non mi aveva neanche...
sfiorato l'idea di poter decidere il mio futuro.
Allora mi lanciano lì: "Che ne dici di uno SparkShort?"
La cosa particolare degli SparkShorts
è che ti espongono, sei estremamente vulnerabile.
Non hai dove nasconderti, è tutto nelle tue mani.
La pressione che ne risulta è davvero notevole
e ti ritrovi a chiederti: "Come mi distinguo?
"Saprò abbassare la guardia quanto basta per farmi aiutare?"
Quando esponiamo ai registi le regole per realizzare uno SparkShort,
diciamo sempre: "Dev'essere un'opera narrativa
"realizzata in computer grafica o in 2D...
"e adatta a ogni platea."
E che hanno circa sei mesi di tempo.
A parte questo, non ci sono regole.
ANNUNCIO DEI REGISTI SPARKSHORTS 2020 24 ottobre 2019
Abbiamo scelto i registi SparkShorts 2020 e sono...
Louis Gonzales...
Dopo l'annuncio, durante il meeting aziendale,
non mi aspettavo una tale dimostrazione d'affetto.
E riflettevo: " I nostri colleghi fanno il tifo
"per noi e per la nostra riuscita.
"Vogliono sentire le nostre storie."
Per me era una cosa sensazionale, davvero.
Che ha aggiunto pressione.
Quando le persone ti sostengono,
pensi: "Non posso deluderli."
La prima volta che mi chiesero se volevo fare uno SparkShort,
risposi: "Non credo, ma ci penserò."
Poi ho capito che la mia
era solo paura di fare un disastro,
di sbattere contro un muro a faccia avanti e lasciarci tutti i denti.
Avevo paura di fallire.
E quando ho capito che la paura era di fallire in campo creativo,
dove mi sono sempre distinto come Storyboard Artist,
mi sono detto: "Devo scagliarmi contro quel muro, perché lo butterò giù."
Il giorno dell'annuncio è stato incredibile.
Non ero per nulla certa di essere scelta.
E avevo paura che fosse troppo presto,
perché non mi sentivo troppo pronta a guidare una troupe.
Mi chiedevo: "Che penseranno di me?
"Diranno forse: 'Aphton? È qui da poco.
"'Che combinerà?"'
E l'altro era Louis, un artista strepitoso che ha lavorato
su alcuni dei film che hanno segnato la mia crescita.
"Andiamo in contemporanea? Fantastico. Nessunissima pressione."
La gente spesso ci chiede: "Come realizzate i vostri film?"
In verità non c'è un criterio unico. Ogni film è storia a sé.
Certo, si parte sempre da un'idea,
ma la si può sviluppare in forma di sceneggiatura,
o di soggetto.
O l'artista può scegliere di affidarsi al disegno, sotto forma di storyboard,
o anche di immagini singole in grado di esprimere il concetto.
Superata la fase di stupore e di panico, ho iniziato a buttar giù qualche idea.
All'inizio pensavo
di fare qualcosa di pauroso, in stile horror.
Un genere poco frequentato, nei corti d'animazione.
Mi dicevo: "Sarà divertente e audace."
Ma alle difficoltà di realizzare un film
non è necessario aggiungerne altre,
con un genere diverso da tutto quello che avevo fatto finora.
Sapevo che sarebbe stata
una storia sugli impacci e le difficoltà di divenire adulti.
Per me, che mi trovo tra i 20 e i 30 anni,
la sensazione di inadeguatezza a volte prevale.
Ne avevo fatto un fumetto, un secolo fa.
A 26 anni, a volte ti senti adulto, mentre altre volte
ti senti come due ragazzini impilati sotto l'impermeabile.
Ma è il concetto di una striscia comica,
come lo sviluppo in una storia completa?
Ho pensato a quella sensazione,
che gli altri mi vedano come una bambina con le spalline imbottite,
che non sfrutta il suo lato adulto.
Oppure quando al lavoro do una risposta secca
e mi dico: "Avresti potuto essere più articolata,
"invece di regredire a livello adolescenziale."
Erano delle scintille ricorrenti,
potevo cucire insieme una storia.
Mi piace avere dei parametri.
Quando hai poco tempo
e una quantità minima di collaboratori,
serve una strategia vera per poter affrontare un corto.
Per non rischiare, ci voleva un concetto ampio.
Tipo: i genitori bevono una pozione, si trasformano in peluche
e alla fine ne escono genitori migliori.
"Wow, animare orsacchiotti. Carini, mi piace."
Ma cercavo un tema più profondo.
Volevo che nella mia storia ci fosse una nonna.
Come le due nonne con le quali sono cresciuto.
Grintose e anche severe, ma piene d'amore.
Pronte a dare qualsiasi cosa per te,
ma a prima vista nessuno l'avrebbe detto.
Così ho iniziato a girare intorno all'idea del gap generazionale.
Per me era importante ispirarmi alla mia gente.
Voglio che famiglia e amici rappresentino il mondo e il modo
in cui il mondo si muove e respira.
Che sarà diverso dal tuo o da quello degli altri, no?
Ognuno ha il suo, di mondo.
Ricordo che mia nonna, la compianta Pearl, aveva un bel caratterino.
Mia figlia era troppo piccola per instaurare
un vero rapporto con lei.
Ma anche mia figlia, da piccola, aveva un certo carattere.
Mi sarebbe piaciuto molto poterle vedere insieme.
Adoro l'accostamento di innocenza ed esperienza.
Ma perché la vulnerabilità dei personaggi sia reale,
l'artista deve coglierla in maniera autentica.
L'artista deve essere vulnerabile.
E questa, per me, è la vera sfida.
Mi sono posto cento domande,
per domare questa idea che sembra semplice ma in realtà è grande e nebulosa,
ma mi serviva un faro.
Qualcosa che mi facesse dire: "Sì, si può fare."
Poi andai a Londra a trovare un amico,
che mi portò a vedere Morte di un commesso viaggiatore.
La vita di un marito e il suo rapporto con la famiglia.
Semplice eppure chiarissimo.
E pensavo: "Cavolo, se riuscissi, anche in minima parte,
"a dare al mio corto l'impatto che questi attori riescono a conferire...
"È esattamente quello che voglio."
Ho la locandina sulla mia bacheca,
per non dimenticare che i personaggi sono tutto.
"Cosa posso fare con una nipote, una nonna
"e un vecchio cane, in un appartamento?"
Strizzare l'essenza delle loro personalità fino all'ultima goccia,
perché è come una pièce di teatro.
È curioso che la gente dica:
"Non ero bravo a disegnare quindi non disegnavo."
Non so se io sapessi di essere brava o meno.
Era una cosa che dovevo fare.
Era quasi una terapia, per me.
Quando sono frustrata penso: "Devo disegnare",
se sono felice: "Ora mi metto a disegnare."
Ma quando ero piccola io,
non c'erano molti contenuti con bambine afroamericane.
Tra tutte le principesse Disney, io e mia sorella ci vestivamo
da Pocahontas e Jasmine perché, ci dicevamo, "sono più scurette".
Quando ero molto piccola,
disegnavo automaticamente capelli biondi e occhi azzurri
perché se non c'è un personaggio definito, ti viene spontaneo.
E un mio parente mi chiedeva sempre
Aphton, non posso fare a meno di notarlo...
"Perché disegni solo personaggi bianchi?"
Perché sì! Perché, "Perché sì?"
Era frustrante cercare di spiegare alla tua famiglia:
"Non so perché me lo chiediate,
"sapete già la risposta."
No, papà! Loro sono in Giappone
"Disegno quello che vedo
"e la gente non vuole altro che personaggi bianchi.
"Se ne volesse altri, sarebbero in TV."
Se disegnassi persone di colore nessuno leggerebbe le mie cose
Fu molto difficile superare il blocco.
Sai che non dev'essere per forza così. Puoi cambiare le cose.
Dovetti disimparare, ci volle tempo
e un atto di fede.
Mi dissi: "Disegnerò più personaggi di etnie diverse."
E mi fece bene, mi sentii vera, perché quello è il mondo che conosco.
E decisi: "Se non ho richieste specifiche,
"disegnerò soprattutto afroamericani
"e personaggi non bianchi
"e vediamo se e quando un insegnante mi dirà qualcosa."
Nessuno lo fece,
ma sarebbe stata una conversazione interessante.
E poi, in qualche modo divenne la norma.
Come mai disegni tanti personaggi afroamericani?
Se non lo faccio io, chi lo farà?
In Pixar, quando arrivai, conoscevano i miei lavori.
Perciò, pensai: "Sapete a che cosa andate incontro."
Lavorare a Soul è stata una sorta di rivelazione, per me,
perché da americano bianco,
ho avuto migliaia di personaggi in cui riconoscermi e identificarmi.
Joe Gardner, in Soul, è il nostro primo protagonista afroamericano.
Perciò, per vedere il mondo dalla sua prospettiva,
ho dovuto imparare molte cose
e Aphton ha contribuito enormemente allo sviluppo narrativo.
Mettere in discussione la mancanza di eterogeneità,
di voci e di personaggi, è importante.
Fare domande:
"Perché questo personaggio è bianco? C'è un motivo preciso?"
Perché a volte non c'è. Capita, molto semplicemente,
che qualcuno disegni una faccina sorridente,
che in una fase successiva diventa automaticamente un personaggio bianco
e farlo notare aiuta tutti a essere più aperti e propensi
a trovare delle soluzioni per includere una maggiore diversità.
Tutti noi ci riconosciamo in determinate emozioni ed esperienze.
Mi piace che il pubblico possa vivere vicende quotidiane
attraverso gli occhi di un personaggio di colore.
E spero di ottenerlo con il mio film.
VENT'ANNI (2021) Character Design di Gia
L'idea di partenza era ritrarre Gia, la nostra protagonista,
nel giorno del suo 21° compleanno.
Nella mia testa l'idea era
che invece di avere una Gia più cresciuta e matura,
ci fossero più bambine, sotto l'impermeabile.
Quindi dovevano essercene 21.
Ma mi sono detta: "È ridicolo. Se va bene, riesci a inserirne un paio."
Allora ho puntato sulle fasce di età cruciali.
Ho elaborato il personaggio di Uno, il bebè che incarna
emozioni infantili e istintive.
Poi Dieci, che per me rappresenta l'autostima,
l'ottimismo...
e la convinzione di sapere tutto, tipici di quell'età.
E poi Sedici, ovvero, l'adolescenza piena.
Per me, avere sedici anni significa essere ultra-emotivi
e l'insicurezza totale.
Trovavo che i tre si bilanciassero bene.
Spero che questo film abbia senso
Sono convinto che non si possa separare l'esperienza dell'autore
dal tipo di storie che racconta: sono due cose inscindibili.
Per noi narratori è così, gravitiamo...
attorno alle cose con cui siamo cresciuti,
a ciò che ci piace.
Non ce ne distacchiamo mai.
RISPETTO
Sono cresciuto in un gruppo affiatato,
la mia crew, eravamo tutti graffitari.
Ci volevamo bene, vivevamo per l'arte.
In ogni crew c'erano ragazzi di nazionalità diverse,
culture diverse, eravamo "noi contro il mondo".
Mi piaceva che l'arte fosse il nostro mezzo di condivisione,
a prescindere dalle rispettive origini.
Ci divertivamo da matti, in giro per Los Angeles
a fare graffiti, seminare la polizia, prendere l'autobus
e poi saltare dai finestrini se l'autista inchiodava i freni.
Erano comportamenti al limite,
ma finalizzati all'arte, era bello.
Ed era una valvola di sfogo
per sentirci più importanti di quanto ci considerassero gli altri.
Stiamo parlando degli anni '80 e '90,
quando Los Angeles pullulava di bande criminali.
Nessuno avrebbe detto a un ragazzo scuro:
"Bello, avrai un futuro a Harvard."
Piuttosto: "Bello, finirai in galera.
"Dove finiscono i graffitari come te."
Ma noi volevamo solo essere notati.
TI HO FATTO VOLTARE
Provai in vari istituti d'arte, ma i miei non potevano permetterselo.
Allora tentai la strada della borsa di studio,
ma come studente ero un disastro, sinceramente.
Non mi dedicavo allo studio quanto avrei dovuto
perché pensavo solo a disegnare.
I miei erano fantastici.
Nell'arte mi hanno sempre incoraggiato.
Ma guidavano l'autobus, per vivere.
E mi dicevano: "L'arte è una cosa magnifica.
"E noi ti sosterremo.
"Intanto, perché non fai l'autista?"
E io rispondevo: "Se lo facessi,
"significherebbe che ho già rinunciato, mamma."
In realtà, questo mi spingeva ancor più a trasformare
i miei disegni in una fonte di reddito.
Il mio ventaglio di possibilità era:
disegnare T-shirt, disegnare graffiti sulle facciate dei negozi,
o fare lavori all'aerografo.
Ma era un settore troppo limitato e marginale,
non ero certo di poter mantenere una famiglia.
Cercando l'opportunità giusta,
capii che potevano esserlo i fumetti.
Mi interessavano già molto alle superiori,
adoravo i fratelli Hernandez, Jaime, Berto e Mario
e il loro lavoro: una galleria, un groviglio
di personaggi di una realtà molto simile alla mia.
Erano in gran parte Latinos,
radicati un mondo simile al mio, ma loro vivano avventure.
Viaggiavano nello spazio.
E pensavo: "È straordinario, è diverso."
I fumetti mi stimolavano e mi convinsi: "Voglio essere autore."
Da piccola, mia figlia amava travestirsi.
Aveva un costume da Tigro.
E le piaceva ballare vestita da Tigro.
Lo teneva per giorni e giorni.
Vagliando varie idee per il mio personaggio,
ho iniziato con una bambina che si traveste da gatto.
Immaginavo una bambina di 4 anni,
con l'energia, l'entusiasmo e la fantasia
tipici dei bambini di quell'età.
Le emozioni dei piccoli non hanno freni,
passano dalla gioia alla tristezza, dalla rabbia alla voglia di giocare,
nel giro di 5-10 minuti.
Abbiamo questa nonna "tosta",
che riceve la visita della nipotina scatenata,
che vuole giocare e giocare e interagire con la nonna.
E la nonna dice: "Ti voglio tanto bene, ma ora sono impegnata."
Dovevo immaginare una cosa per la quale
fosse pronta a rinunciare alla bambina.
Lei non era il tipo che inforna biscotti
come le classiche nonne dei programmi TV anni '80.
Mi ricordava qualcuno.
E ho cercato ispirazione nella grinta delle mie nonne,
cercando di trarne richiami, cenni
dei tratti caratterizzanti.
E poi mi sono chiesto: "E se fosse appassionata di wrestling?"
Ma rischiavo lo stereotipo, genere:
"Ah, tu sei ispanico. Anche lei?
"Oh, i luchadores, giusto? Lei era una luchadora, vero?"
E io: "No, lei ama il wrestling come si ama la soap opera."
Non cambia molto, fisicità a parte.
È il suo programma TV preferito.
Al che mi sono detto: "Ok, funziona."
Perché non è una trovata arbitraria per renderla interessante,
bensì qualcosa che ha radici nella realtà.
Lì mi sono detto: "Ok, l'idea c'è." Ed è così che ho iniziato.
Creo i miei storyboard in digitale,
ma quando butto giù delle idee, prima faccio degli schizzi su carta,
dei bozzetti.
Per cercare di organizzare le immagini che ho in testa
e al tempo stesso visualizzare le situazioni importanti
che voglio avere nel mio corto.
Sto lavorando sul dialogo iniziale tra Gia e la sorella Nicole.
Per Nicole mi sono ispirata a mia sorella,
che è anche la mia migliore amica. Ci separano due anni
ed è bello avere una coetanea
che capisce quello che stai vivendo.
L'idea di farle uscire insieme per festeggiare il 21° compleanno
mi è sembrata verosimile e carina.
Ero davvero entusiasta del loro legame.
Poi ho pensato all'ambientazione.
All'inizio, pensavo all'ufficio.
Le colleghe che chiacchierano al distributore dell'acqua,
con Gia che è tre personaggi, impilati uno sull'altro.
Poi le colleghe l'avrebbero portata in un locale
e lì Gia avrebbe avuto il crollo.
Ma non lavorando in un ufficio classico,
mi sembrava una situazione artefatta.
E mi sono detta: "Perché non tagliare la parte dell'ufficio
"e ambientare direttamente nel club?"
Essendo io introversa e pantofolaia,
la situazione del posto dove vai per divertirti,
mentre in realtà non ti diverti affatto, era molto autentica.
Mi piaceva: unica ambientazione, asciutta, efficace e funzionale,
contribuisce a tenere insieme la trama.
Dunque, la nonna avrà poco più di 50 anni.
Non troppo vecchia, tipo: "Ahi, ho male all'anca."
Come vedi i capelli? È un dettaglio difficile.
Beh, noi...
Il regista dà la sua impronta alla storia.
Al suo braccio destro, il produttore,
vengono affidati i compiti più disparati,
per cui, insieme devono chiedersi:
"Come fare meglio, più in fretta, spendendo meno?"
Avevo bisogno di un partner che tenesse tutto sotto controllo,
perché non volevo trascurare nulla.
Ma volevo conoscere meglio Courtney.
Hai lavorato in molti reparti, vero?
Come ti piace lavorare?
Per me la cosa fondamentale,
perché tutto funzioni, è la collaborazione.
Mi chiamo Courtney Kent.
Sono in Pixar da poco più di 13 anni.
Quanti montatori abbiamo?
Come funziona?
Ho una lista di persone disponibili
e credo che dovremmo incontrarle tutte.
Tra le altre cose, ho contribuito allo sviluppo
del primissimo SparkShort, Smash and Grab.
E da quel momento ho sempre pensato
che mi sarebbe piaciuto lavorare come produttrice su uno SparkShort.
Louis e io siamo stati affiancati senza che ci conoscessimo,
il che è spaventoso ed emozionante allo stesso tempo:
una specie di matrimonio combinato.
Io ero molto tesa,
sentivo di avere molto da dimostrare
e non avendo precedenti esperienze come produttrice,
mi sentivo un po' smarrita.
Appena abbiamo iniziato a parlare della storia,
che è incentrata sulla famiglia,
per me che ho una figlia piccola,
è stato facile allacciare connessioni
che poi ci hanno dato un forte slancio.
Il produttore è il partner del regista,
ma è anche il capo della troupe.
Così abbiamo chiesto ai produttori degli SparkShorts
di scegliere persone di loro fiducia
per portare sullo schermo la visione del regista.
Me l'hanno annunciato così: "Adesso hai un produttore, Erik."
Non lo conoscevo granché e la mia prima reazione è stata:
"Posso farcela da sola."
Non sapevo cosa implicasse il rapporto regista-produttore.
Ma poi ho iniziato a capirne le dinamiche.
Mi chiamo Erik Langley.
Lavoro in Pixar dal 2004.
ERIK LANGLEY Produttore di Vent'anni
Cioè da circa 16 anni.
Ed è la prima volta che produco uno SparkShort.
Aphton conosceva dall'inizio la storia che voleva raccontare
e per la troupe non c'è niente di meglio
di un regista che sa quel che vuole.
Il gruppo più numeroso al lavoro su un film è quello degli animatori.
Penso che gli animatori finiranno per chiederci:
"Che succede sotto l'impermeabile?"
E: "Avete idea di quante volte
"dovremo mostrare dettagli..."
Volevamo presentare l'idea agli animatori per fornire
il contesto, illustrare la storia, i personaggi, lo stile...
- Sta a voi. - Insomma, penso. Sì.
- Decidi tu. Entusiasmali. - D'accordo.
A volte gli animatori possono scegliere a quale progetto partecipare,
quindi devi convincerli che la tua idea
è davvero stimolante e che si divertiranno.
C'erano ben 70 animatori in sala di proiezione
e gli animatori hanno la fama di essere un po' ostici.
Tipo: "Siamo venuti qui, fateci divertire."
Era la prima volta che presentavo di fronte a un gruppo così nutrito.
Intimorisce, stressa, è un grosso impegno.
Perché il modo in cui il tuo film
si svilupperà, dipenderà dal rapporto tra te e gli animatori.
Quando ti trovi davanti più di cento persone
per fare una presentazione,
penso sia normale essere un po' in ansia.
Buongiorno, Animazione.
Grazie di averci concesso di interrompere questa riunione. Io sono Erik, produttore.
Io Aphton, regista. Premo questo per partire?
Sì.
Allora, il titolo provvisorio è Vent'anni.
Pensavo: "Spero solo di ricordare tutto quello che voglio dire."
Qui vediamo la mia serata-tipo,
resto basita dalle persone che sanno sempre cosa vogliono.
Poi, ci sono i momenti in ufficio,
in cui senti di aver detto la cosa sbagliata.
Avevo delle foto imbarazzanti di me bambina.
Pensavo: "A loro piaceranno."
Sedici
"Si divertiranno, io molto meno."
Notare i guanti a rete senza dita. Andiamo avanti.
Trovo che Aphton abbia un concept interessante.
Ha illustrato i personaggi divertendo. Bella presentazione.
Prego.
Io ero in una fase in cui avevo i miei personaggi,
avevo l'ambientazione, ma la trama difettava.
"Quale storia mi rappresenterebbe meglio?"
E ho pensato: "Che ne dici di una nonna ultracinquantenne?
"Con nipotina."
E mi dicevo: "Dai, nessuno vorrà mai lavorare al tuo corto."
Sembra di una noia mortale.
Così ho capito che dovevo presentarmi.
- Eccolo, andiamo, dai! Sì. - Sì, lei adora il wrestling.
Volevo essere certo di mettere in luce chi sono e come lavoro.
La bambina fa un elbow drop e un leg drop.
E farli appassionare.
La nonna la stende, la fa roteare, a testa in giù.
Tutto quello che non si deve fare con un bambino,
la nonna probabilmente lo farà.
Bene. Grazie!
Ottima accoglienza, sembravano tutti entusiasti.
Poi siamo stati avvicinati da alcuni animatori
che ci hanno detto di aver trovato divertente la storia.
- Daniel. - Ottimo lavoro.
Ciao, amico. Che piacere.
Ben fatto, ragazzi.
Anche voi, siete forti.
Abbiamo avuto un ottimo riscontro.
I colleghi erano entusiasti di partecipare.
Nella carriera mi sono sempre sentito come se mi gettassero in mare
e poi dovessi tornare a riva da solo.
Non ho frequentato la scuola d'arte
e non ho la facilità di rapporti
che si sviluppa frequentando altri studenti
o crescendo in un certo ambiente.
Ho sempre dovuto arrangiarmi, per tirare avanti.
Passando il mio tempo in fondo al negozio di fumetti,
insieme ad alcuni amici, ebbi modo di conoscere Johan,
che mi fece da mentore e mi chiese:
"Hai mai pensato all'animazione?"
E io: "Nel senso di guardarla?" E lui: "No, come lavoro."
"Non so neanche se sono capace."
E lui: "Mettiamo insieme un portfolio
"e vai a lavorare in animazione."
E io: "Proviamoci. Vorrei tanto poter vivere disegnando."
La maledetta sveglia suonava sempre alle 7:00.
Io mi sedevo alla piccola scrivania a disegnare bozze,
e preparare disegni, ogni giorno, per otto mesi.
Per poter mettere insieme il portfolio
andavo a disegnare allo zoo,
nei musei.
Ovunque potessi trovare soggetti
per schizzi anatomici.
Alla fine, il portfolio c'era e io ero sbalordito.
Mi proposi a diversi Studios.
Alcuni risposero: "Grazie, no."
Ma alla Warner Bros. Feature dissero:
"Ok, ti prendiamo come apprendista."
E chiesi: "Ma si guadagna qualcosa?"
La Warner Bros. Feature Animation fu la mia...
scuola d'arte, dove feci gavetta su Il gigante di ferro.
Perché c'era da imparare.
IL GIGANTE DI FERRO (1999)
Il gigante di ferro
è stata un'esperienza strepitosa, per la mia carriera.
BRAD BIRD Regista
Brad Bird era un vulcano di energia,
una forza della natura che trainava tutto e tutti.
Si faticava davvero a trovare il modo di stargli dietro.
Brad e i suoi mi diedero l'opportunità di dimostrare il mio valore.
IL GIGANTE DI FERRO (1999) Arte concettuale di Louis Gonzales
Senza dare voti, diceva:
"Questo è il lavoro. Se lo fai bene,
"ne avrai ancora."
E io: "Ti prego, dammene ancora!"
Non vorrei mai lasciare l'animazione, la adoro.
Non fosse per Il gigante di ferro,
non avrei mai lavorato con Brad e non sarei approdato alla Pixar.
In principio, la Pixar mi dava una strana sensazione.
Erano tutti talmente gentili, che tra me e me pensavo:
"Caspita, che ipocriti. Come posso fidarmi di voi?"
Però realizzavano cose bellissime e questo mi piaceva da morire.
Entrando in uno studio di animazione,
trovi pupazzi e pupazzetti su ogni scrivania
e buffi gadget di ogni genere. Mi dicevo: "Io non sono così.
"Non è proprio il mio genere." Mi sentivo fuori posto.
E così per me è iniziato un lungo periodo di ambientazione.
Per di più, lavorando 14 ore al giorno, sei giorni alla settimana.
Ma quando hai dei figli, hai anche delle responsabilità.
La famiglia è tutto, per me.
E trovare un equilibrio è stato molto difficile.
Scelgo la carriera o i figli?
È la parte più complicata.
Quando ho avuto l'idea di piazzare
tre bambine, una sull'altra, nell'impermeabile,
mi sono detta: "Dovrò spacciarla
"per un'idea non troppo costosa,
"né troppo difficile da realizzare
"e per renderla bella e accattivante sarà realizzata in 2D."
VENT'ANNI (2021) Rotazione del personaggio 'Gia'
La differenza tra animazione 2D e 3D
è che il 3D è generato al computer e rende la profondità in tre dimensioni.
Il 2D è disegnato a mano e quindi è piatto.
Erano già stati realizzati due SparkShorts
in 2D: Kitbull e La Tana.
LA TANA (2020)
Perciò era già stata acquisita una certa esperienza
per tentare la strada del 2D.
Mi piace molto, Rachel. Che velocità!
Appena ti ho spiegato la mia idea
hai sfornato disegni a raffica: "Tieni, tieni."
È il mio lavoro, no?
Giusto.
Lavoro con Rachel, la mia character designer.
Avevo pensato di disegnare io stessa i personaggi,
ma volevo anche dedicarmi al nuovo ruolo di regista.
Dirigere, nel campo artistico,
era un'altra delle cose importanti da imparare.
Questo mi piace moltissimo.
Penso che abbiamo trovato una soluzione spiritosa per i capelli.
Preferisco questa forma del viso.
Individuare il mio stile di regia era diventato cruciale,
durante questo pazzo progetto SparkShort.
- Dovremmo... - Vuoi un bigliettino?
- I Post-it del regista. - Ehm, sì. Vuoi... Fallo tu.
- Ti spiace se mi godo il momento? - Vai.
- Goditi il tuo momento. - Davvero. Mi piace questo!
Questo, sì. Mi piace davvero tanto. Adoro questa testa.
Così ho analizzato ciò che mi ha resa
quella che sono e che mi ha portata fin qui.
Io ho sempre amato moltissimo l'animazione e i cartoni.
Specialmente quelli della Disney.
Alle superiori ho frequentato un corso di animazione...
Progetto liceale di animazione di Aphton
e me ne stavo sempre in camera mia a fare disegni e pinzarli insieme.
Vedere un disegno prendere vita mi entusiasmava, così ho scoperto
diverse scuole di animazione.
ISTITUTO D'ARTE DELLA CALIFORNIA
Il sogno era la CalArts,
perché era stata fondata da Walt Disney.
E quindi decisi che dovevo andare là.
Dopo il diploma presentai la domanda di ammissione alla CalArts,
ma non mi presero, così ripiegai su una università pubblica,
mentre lavoravo lunghe ore da McDonald's per mantenermi.
Mi chiedevo: "Santo cielo, riuscirò mai a lavorare in animazione?"
Nel frattempo elaboravo il mio portfolio.
Durante quell'anno e mezzo ho riflettuto parecchio
sulla mia identità artistica.
Ero particolarmente ispirata dagli anime giapponesi.
Perciò cercavo di disegnare
questi anime dalle linee delicate con una matita portamina,
mentre, sull'altro lato,
provavo a disegnare una bozza in puro stile Disney.
Qui e là,
facevo degli schizzi, delle cose mie,
Ehi, Elfo!
dei mini-fumetti buffi
CHI FA LA SPIA FINISCE IN TERAPIA!
e tutti dicevano: "Bello, mi piace!"
E io: "Non voglio disegnare così.
"Non va bene."
Eppure la gente continuava ad apprezzare i miei lavori,
Vieni su, dai
così ho iniziato ad avere maggior fiducia nelle mie capacità.
Ho creato un portfolio che ho presentato di nuovo alla CalArts.
Portfolio CalArts di Aphton
A loro è piaciuto e sono stata ammessa.
L'idea era uscire di là il più in fretta possibile,
perché la retta annuale era davvero folle.
Mi dicevo: "Resterò qui un anno.
"Al massimo due.
"Alla Pixar piaceranno le mie cose, mi chiameranno
"e sarà fatta, finalmente." Ma non andò così.
Passai quattro anni molto complicati a chiedermi:
"Perché non vengo notata? Dove sto sbagliando?
"Che cosa cercano gli Studios?"
Avevo bisogno di crescere.
Avevo bisogno di tempo per imparare a rendere la mia arte più personale.
E avevo bisogno di trovare il mio stile.
Un insegnante mi disse: "Usa Tumblr, carica lì i tuoi lavori."
Ed io l'ho fatto, dicendomi:
"Caricherò qualcosa ogni settimana,
"se è brutto, farà lo stesso."
Sì, ma diciamo che sei molto carina per essere nera.
Voglio dire, vi siete mai sentiti estranei a casa vostra?
E per la prima volta iniziai a ritrarre
Adesso moltiplicate per due.
me stessa, in un fumetto,
con le esperienze vissute a Sacramento,
che ha una popolazione principalmente bianca.
Vivere lì, per una famiglia afroamericana,
era abbastanza complicato e imbarazzante.
I miei fumetti erano molto grezzi e abbozzati.
Hai mai desiderato avere la pelle più chiara?
Li pubblicavo allo scoccare della mezzanotte.
E mi rintanavo nella mia stanza dicendomi: "Che cosa hai postato?"
Ero parecchio esplicita.
Ho letto alcune delle storie che hai postato
e pensavo che magari ti andasse di sentire la mia storia.
Tanta gente commentava,
mi fermava in corridoio
per condividere le proprie storie con me, erano molti più di quanto pensassi.
Mi dicevano: "Ho provato la stessa cosa", "Sono d'accordo", o anche
"È successo anche a me."
La mia iniziativa aveva avuto un impatto forte e inatteso
e questo mi incoraggiò, nel continuare a condividere le mie storie a modo mio.
Grazie di avermi seguita!
E pensai: "Perché ho perso tanto tempo
"a cercare di essere qualcun altro?"
Fu allora che venni notata in Pixar.
Mi contattarono e pensai:
"Tra mille cose che interessano la Pixar, non credevo
"che ci fosse un fumetto su una ragazzina nera."
non era una bugia, sono l'unica ragazza nera del mio reparto.
Ma non è nulla che io non sappia già.
Ormai sono abituata a questo tipo di situazioni.
Avevo attinto ad una storia reale
per aiutare altri a capire il mio punto di vista.
Ed è proprio questo che appassiona la Pixar:
raccontare storie autentiche.
Raccontando una storia, voglio creare qualcosa di sincero.
La trama è questa: la nipote va a trovare la nonna
per stare un po' con lei.
La nonna sta facendo un qualcosa
che la nipote interrompe.
Come si va avanti?
Volevo che la nonna dimostrasse una certa fantasia,
perché i bambini ce l'hanno innata.
Volevo evidenziare una sintonia, una forte somiglianza.
Ma come comunicarla visivamente, senza farle dire:
"Ti piace il wrestling?
"Anche a me! Splendido, si vede che siamo nonna e nipote!"
Non volevo dialoghi. Volevo vedere se si riusciva a evitarli.
Ho lavorato su molti film pieni di dialoghi e a volte mi chiedo:
"Possiamo smettere di parlare?"
Adoro l'animazione di poche parole.
Una delle ovvietà, qui in Pixar, è che
si deve poter seguire uno dei nostri film anche con il volume a zero.
La narrazione dovrebbe essere chiara, le immagini evocative.
Per Wall-E, ci dicevano sempre:
"I bambini non staranno mai seduti
"a guardare un prologo di 25 minuti senza dialoghi,
"si distrarranno." In realtà,
i bambini trascorrono i primi quattro o cinque anni di vita a osservare
e a cercare di capire che succede intorno a loro.
E non hanno problemi a comprendere questo tipo di linguaggio.
Perciò, bisogna fare in modo che la storia vada a braccetto con le immagini,
ovvero far sì che tutto funzioni anche senza dialoghi.
- WALL-E! - WALL-E!
Certo, magari con i dialoghi funziona meglio.
Ma è comprensibile anche senza.
All'inizio, ci hanno detto:
"In uno SparkShort sarebbe meglio avere solo due personaggi,
"pochi dialoghi e un ambiente unico, due al massimo."
Il corto di Aphton prevedeva cinque personaggi parlanti.
Per far approvare l'idea, i dialoghi erano indispensabili,
perché dal modo di parlare emerge subito la personalità.
Whoo! Diamoci dentro!
Così, ho chiesto a Erik: "Puoi darmi un'idea di quanto dialogo
"ci fosse nei corti precedenti?"
E lui: "Bah, forse quattro pagine." E io: "Ok.
"Penso che nel mio ce ne sarà di più."
Perché esprimere le difficoltà del divenire adulti è un tantino complesso.
Durante la lavorazione,
c'è una fase in cui si realizzano gli Animatic,
ovvero uno storyboard disegnato a mano,
montato e filmato, con voci e musiche provvisorie.
Li proiettiamo per cercare di capire cosa funziona e cosa no.
All'inizio, pensi: "Sarà fantastico."
Poi, guardi gli Animatic e ti dici:
"Non è esattamente come pensavo."
Secondo me Joe sa bene dove sta andando,
non è una novità, per lui.
Ma c'è ancora qualcosa da sistemare.
Allora smonti tutto per capire che cos'è che non va
e poi assembli di nuovo.
Louis viene dal reparto storyboard,
non era un problema, per lui, disegnarsi lo storyboard da solo.
Ed è tipico, che lui si concentri e rifletta
sulla storia che vuole raccontare,
visualizzando i momenti clou, fondamentali nell'economia narrativa.
Abbiamo la nonna che si prepara a godersi l'incontro di wrestling in TV,
SABATO SMASHDOWN
poi, nel momento clou successivo, arriva la nipote.
Si crea un certo scompiglio.
Il televisore cade.
Fanno una specie di lotta sul pavimento e poi si abbracciano.
E man mano che il materiale prende corpo,
i disegni vengono inviati al montaggio
dove vengono assemblati, verificandone i tempi.
Volevo abbozzare qualche tavola, giusto per capire se avevamo qualcosa.
Le ho passate al montatore per vedere se la trama filava.
Risolvendo eventuali problemi al montaggio.
Ero impaziente di visionare il risultato,
ma una volta montato, il tutto era... terribile.
Un tuffo al cuore.
Avevo un mucchio di idee che sgomitavano per emergere.
Per questo la trama non era chiara.
Ma per quanto confusa e farraginosa,
il potenziale c'era tutto.
Bastava estrapolarlo. Ma è a quel punto, che mi sono un po' defilato.
Louis era entrato in silenzio radio
e quando il regista non ha una visione ben definita,
diventa tutto molto complicato.
Mi chiedevo: "Riusciremo a fare questo film?"
Mi ero imposto di individuare la trama,
cercavo di venirne a capo, senza sosta.
MI svegliavo alle 3 del mattino e restavo lì, al buio.
Bisogna davvero scavare dentro di sé per trovare un qualcosa
che tocchi certe corde emotive...
situato in una dimensione che si può solo percepire:
l'umana verità.
Passavo le giornate a scrivere e ad approfondire.
Al mattino sembrava tutto magnifico,
credevo di aver risolto, ma a mezzogiorno non ne ero più tanto convinto,
mi grattavo la testa perplesso, poi una volta a letto,
poggiavo la testa sul cuscino e mi dicevo: "È una cosa terribile,
"non funzionerà mai. Come ne esco?"
A seconda di quello che tiravo fuori provavo emozioni altalenanti, da:
"Sarà il più bel corto della storia del cinema",
a: "Farò la figura dell'idiota, del re degli idioti del mondo intero."
E più ritoccavo, più danni facevo.
Ero in una spirale super-negativa.
Scrivere e creare mi faceva sentire isolato, solo.
È stato il mio periodo più buio.
E ripetevo: "Sono a un punto morto. Dammi ancora un po' di tempo, Courtney."
La paura di non sapere che cosa gli frullasse in testa era reale,
mentre riflettevo: "Abbiamo o no, una storia da raccontare?"
La storia è il cuore del nostro lavoro.
Da quando sono in Pixar,
ho visto autori cercarla, inseguirla con incrollabile forza d'animo,
finché non trovavano la strada giusta.
Non è che ti siedi e inventi una storia così, di getto.
Ci vuole tanto, tanto, tanto, tanto tempo.
E se capisci che la narrazione non è fluida
e va smantellata, modificata,
è una cosa che fa parte del processo.
Perché se fila tutto troppo liscio,
forse non ce la stai mettendo tutta per eccellere.
Si torna indietro e si ricontrolla tutto,
cercando di perfezionare ancora e ancora e ancora.
ALLA RICERCA DI NEMO (2003)
In Alla ricerca di Nemo, per lungo tempo,
a nessuno piaceva Marlin, il papà.
Aspetta. Aspetta ad attraversare.
Lo trovavano "irritante".
Stavi per nuotare in mare aperto!
Non l'avrei mai fatto!
- Meno male che ero da queste parti. - Ma papà...
E quindi riscrivevamo, cambiavamo, correggevamo.
L'idea di partenza prevedeva
che la scena traumatica, quella dell'attacco del barracuda,
non fosse all'inizio del film,
bensì venisse mostrata in vari flashback, nel corso della narrazione.
- Dobbiamo ancora decidere i nomi. - Non l'ho dimenticato.
Sai quale nome mi è sempre piaciuto? Nemo.
Bene! Uno di meno. Ne restano altri 99.
Il problema era che il padre non suscitava empatia
perché ci si chiedeva: "Che problema ha?" Eravamo in una fase già molto avanzata,
quando ci è stato detto: "Ragazzi, il flashback non funziona.
"Anticipiamo l'attacco."
Perché lo spettatore deve identificarsi con il protagonista, è indispensabile.
Coral!
Penso io a te.
Spesso le storie che raccontiamo ci rispecchiano.
E spesso mi chiedevo:
"Perché mi vengono sempre in mente personaggi così,
"in un contesto come questo? Che cosa ci trovo?"
E devi porti l'interrogativo più profondo.
QUAL È LA VERITÀ?
"Che significato ha per te? Che cosa vuol dire?
"Che cosa stai vivendo, al momento?"
Nel corto, la svolta narrativa, secondo me,
è la rottura del televisore.
La nonna era sempre molto infastidita dalla bambina.
E pensavo: "Che cattiveria. Chi ha simpatia per un personaggio così?"
E ho capito che non poteva semplicemente preferire
il wrestling alla nipote, non aveva senso.
E abbiamo dovuto scavare in profondità per capire la valenza del wrestling.
Dovevamo sapere, da un punto di vista emotivo,
perché quell'evento annuale
la portasse a estraniarsi dal mondo
e perché non sopportasse la benché minima intrusione.
Mi chiedevo anche quale potesse essere una reazione drammatica, nel momento.
E secondo me, mostrare la sua fragilità
poteva essere la cosa più umana e terribile.
La nonna va in crisi e inizia a piangere, piange a dirotto,
profondamente turbata da quella...
interruzione della sua routine.
Quell'intuizione è stata cruciale,
perché l'istinto mi diceva che avevo preso la strada giusta,
ma esitavo perché non volevo che Nona potesse apparire debole.
Poi ho detto: "Andiamo fino in fondo",
perché ogni personaggio ha le sue fragilità.
E non si può raccontare una storia se non si è disposti
a mostrare anche le proprie fragilità.
Serviva un motivo perché questo evento fosse tanto speciale per lei
e avevo accarezzato l'idea di un defunto marito.
"Magari il wrestling era una cosa che guardavano insieme in TV."
Ma adesso lui non c'è più.
E abbiamo iniziato ad accarezzare l'idea
che lei avesse scelto un giorno da dedicare alla memoria del suo amore.
Questo è scavare in profondità per scoprire certi significati.
Una volta inserita la figura del marito,
comprendiamo che è una cosa che riguarda la coppia.
E c'è un diverso peso emotivo,
rispetto a quando si parlava solo di wrestling.
Il consiglio che do ai registi SparkShorts è:
"Ricordate che non è una cosa a vostro uso e consumo.
"Non siete qui per fare un film per voi,
"state facendo un film per il pubblico.
"Perciò, se voi lo trovate eccezionale, e il pubblico no, indovinate chi vince?"
Ogni nostro film cerca di ritrarre personaggi
e situazioni in grado di catturare subito l'attenzione.
Come l'inizio di Monsters & Co., dove c'è un bambino che va a letto
e subito dopo iniziano a succedere cose strane nella stanza.
Il coinvolgimento è assicurato perché è una cosa
che tutti abbiamo vissuto, da bambini o da adulti.
Poi, tutto viene ribaltato:
"Quindi è vero che i mostri esistono, ma spaventare i bambini è il loro lavoro."
Perciò, creiamo una sorta di collegamento
tra un dato di fatto e un'inversione di prospettiva.
Tranquillo, lei è in regola. Compie gli anni proprio oggi!
Auguri.
Lavorando su un film d'animazione, a volte ci si chiede:
"Fino a dove possiamo spingerci, rimanendo credibili?"
Ordina quello che vuoi. Pago io.
Del latte, allora. Scherzo.
Gia è molto ambigua, all'inizio
e passa del tempo prima che si capisca
che è una ragazza in crisi nella fase di passaggio alla maggiore età.
No! Hai già mangiato il dolce.
- Gia, ti senti bene? - Sì, sì, da favola.
Abbiamo fatto due proiezioni e preso nota dei commenti...
Mi scappa la popò. Voglio dire, devo andare in bagno.
E quasi tutti ci chiedevano:
"Le tre bambine sotto all'impermeabile sono reali o è una metafora?
"Penso che questo vada chiarito."
E poi: "Come reagirà il pubblico?"
Lo immaginavi così, il lavoro di regista?
Credo di sì.
Mi sembra che, nel complesso, la gente capisca ciò che voglio dire.
Hai avuto commenti contrari?
La chiarezza è importante, soprattutto in certe situazioni,
ma l'ambiguità, a volte, è più divertente e misteriosa.
Era un'esperienza che volevo tanto fare.
Quando sei tra il pubblico, al buio
e vedi la gente ridere ed emozionarsi, è proprio bello.
DOMEE SHI Regista
Sì.
E diventa una dipendenza,
continuare a far sì che il pubblico si emozioni, reagisca, urli.
Domee è regista qui alla Pixar e ha diretto il corto Bao.
Volevo chiederle dei consigli,
perché ha fatto un corto coraggioso, con risultati molto interessanti.
Diciamo che quando lavori qui,
ti martellano con il mantra: "La chiarezza è fondamentale."
Ma la vera chiave sono i sentimenti.
Ricordo che in Bao
c'era sempre qualcuno che rimaneva confuso dal finale.
Bao parla di una donna cinese di una certa età,
la quale un giorno scopre che uno dei suoi ravioli
ha preso vita, diventando un raviolo-bambino.
Naturalmente, lei lo adotta senza indugio,
affrontando problemi e preoccupazioni
della genitorialità.
È in parte autobiografico, in quanto figlia unica di genitori asfissianti.
Sentivo il bisogno di esprimere un disagio...
perché ero andata via da casa
e mi sentivo in colpa per la lontananza da mia madre,
così, ho capito di dover elaborare certe dinamiche.
La prima volta che presentai l'idea a Pete Docter, quasi per caso,
quando arrivai alla scena in cui la madre
mangia il piccolo raviolo per non essere abbandonata,
Pete rimase sconvolto, ma gli piacque molto
e mi disse: "Tieni il finale.
"È molto originale. Inquietante ma bello."
Mi ha dato sicurezza e ho difeso quel finale,
anche quando mi dicevano: "È cupo." "È angosciante."
Oppure: "Non credi che i bambini si spaventino?"
ACADEMY AWARDS 91ma EDIZIONE 24 Febbraio 2019
E l'Oscar va a Bao.
Sì!
Ringrazio l'Academy.
A tutte le ragazze nerd nascoste dietro ai loro album da disegno,
non abbiate paura di condividere le vostre storie con il mondo.
Non si deve spiegare tutto.
Se l'emozione che resta nello spettatore, alla fine del tuo corto,
è quella che vuoi che si porti dentro.
Anche se fa un po' paura.
A volte devi solo buttarti.
E i tuoi Animatic mi trasmettono qualcosa.
Quindi, non mi preoccuperei.
Sentirmi dire:
"Buttati. Non avere paura di risultare strana",
mi è stato di grande aiuto.
Cioè, è questo il punto:
seguiamo la trama su un piano astratto, metaforico
e alla fine, diventa tutto chiaro.
Sono curioso di sapere dell'abbigliamento.
DAVID LALLY Supervisore di Produzione SparkShorts
Come va la simulazione?
Parlando con Ana,
ANA LACAZE Supervisore tecnico, Nona
pensavamo di dare priorità al movimento.
Qual è la priorità di Nona? La sua T-shirt.
La bambina invece, è caratterizzata
dal taglio di capelli.
E dicevo: "Il cane si muove lentamente."
- Non so se mettergli qualcosa addosso. - Ha il collare.
- Magari con una medaglietta... - Che potremmo animare.
- Credo... Ok. - Via il collare.
Adoro l'animazione per via della collaborazione.
E sono fermamente convinto che se sai coinvolgere la troupe
e hai una storia da raccontare,
non può che andar bene.
Anche se c'è differenza
nell'approccio a uno SparkShort rispetto a un lungometraggio.
Le linee marcate guidano l'occhio.
Nel lungometraggio,
è questione di tempo e di budget per smussare tutte le imperfezioni.
Io amo le imperfezioni.
Se semplificassimo i modelli,
potremmo essere più diretti e concentrarci
- sui dettagli importanti. - Giusto.
Vi voglio come una band esordiente,
con quel sound un po' ruvido, sapete?
Usavo sempre analogie musicali.
Dicevo: siamo la migliore band di liceali che ci sia.
Facciamo il nostro lavoro come viene, di getto,
senza limare troppo.
Facciamo scelte audaci, di carattere.
E vediamo che succede.
Una buona storia risolve da sé
ogni problema, per cui credo
che si possa usare davvero tutto, non si butta via nulla.
Ma c'è molto di più. È un fatto di alchimia.
C'è un che di magico.
Lo schermo deve muoversi, le immagini devono fare presa,
evocare un'emozione capace di sollevarti,
trasportarti e farti viaggiare. E infine, di farti riscoprire
il bello della vita.
Nelle prime versioni della scena di lotta
tra Nona e Renée,
andavano entrambe in giro per l'appartamento alla ricerca di oggetti
per travestirsi da lottatrici.
E poi si affrontavano là, sul pavimento.
Tutto si svolgeva nel mondo reale.
Ma secondo Louis non era abbastanza forte.
Salve e benvenuti all' Evento Clou!
All'angolo blu, Nona "il Martello"!
Volevo che le loro emozioni, quando si affrontano nel wrestling,
fossero vissute nell'immaginazione.
Prima dal punto di vista della bambina.
Poi scopriamo che anche Nona possiede grande fantasia.
Abbiamo cercato di capire
fin dove ci potevamo spingere, senza alienarci lo spettatore,
per il livello di bizzarria della visione fantastica.
Alcune idee erano effettivamente un po' eccessive.
Sembrava di stare al parco giochi.
Ma ancorati al reale.
E così, abbiamo optato per una via di mezzo.
Renée combatteva scagliando i suoi adesivi
e Nona poteva fare la sua celebre mossa di wrestling.
E adesso, i due mondi che si respingevano
trovano l'armonia, in questa scena.
Perché hanno condiviso un'esperienza che ha reso entrambe
migliori e più forti.
...da qui colpisce l'impatto visivo...
Riflettendo sulle differenze tra
un regista d'animazione e uno non d'animazione,
ho sempre pensato che un grande regista live-action
ha un copione, chiama gli interpreti sul set,
e lavora un po' come un musicista jazz.
Prende un brano e lo mette insieme, lo interpreta improvvisando.
Contrariamente al regista d'animazione, più simile a un compositore classico:
lui scrive lo spartito scrupolosamente
e cambia anche solo la singola nota: da semicroma a croma.
È un processo molto lungo.
Richiede tantissimo lavoro.
E spesso è costellato di errori.
Ad esempio, proviamo una scena e diciamo: "Non funziona.
"Non hanno riso per niente. Perché?
"Cerchiamo di capirlo."
E si va avanti così, ancora e ancora e ancora.
Facciamolo.
Quella che arriva sullo schermo
SCUOLE MEDIE SAN FRANCISCO
probabilmente è la decima versione di quel film.
Avvistati potenziali amici.
- Non di nuovo. - Forse dovremmo parlargli.
Riley frequenta questa scuola da più di due mesi
- e non ha un solo amico. - Che mi dici di Bing-Bong?
Bing-Bong è immaginario.
In una versione di Inside Out che ha retto a lungo,
Gioia era accompagnata da Paura per tutto il film.
Non tornerai al quartier generale.
- Riley sta meglio senza di te. - Aspetta, io...
Prendetela, ragazzi.
E solo molto tempo dopo,
abbiamo capito che Gioia avrebbe dovuto
alternarsi a Tristezza, piuttosto.
Ho nostalgia di casa.
Perciò dovemmo tornare indietro,
riorganizzare l'intero film e buttar via molto materiale.
Migliaia di disegni, centinaia di ore di incisione e di montaggio.
Ma quel lavoro era stato prezioso:
ci aveva insegnato molto sui personaggi
e il loro mondo, sulla trama e come andava sviluppata.
Fantastico, è la prima volta
che vediamo uno storyboard montato.
Sì. È tutto provvisorio: dialoghi, musica, ed effetti sonori.
Bene, vediamo.
Ok, ma sbrigati! La pista da ballo ci aspetta!
Non vedo l'ora.
Una delle maggiori sfide di questo corto
è stata convincere il pubblico circa le diverse età dei personaggi.
Accidenti, siamo un disastro. Ma che cosa ci prende, oggi?
Ehi, tanto per cominciare, chi ha deciso che sei tu il capo?
Una decenne per 10,
Una sedicenne per 16.
Il tutto, con una sola voce provvisoria.
Ben fatto, Sedici. Ma quanto sei stupida?
Non posso credere che tu abbia mandato tutto all'aria.
Le voci dell'Animatic sono provvisorie.
Qualcuno legge le battute
per avere un'idea di come suonano e di come si sviluppa la scena.
Ho delle riserve sulla voce di Dieci.
A te sembra... Non ci credi che sia una bambina di 10 anni.
Infatti.
Non avevamo una bambina per l'Animatic,
quindi la voce di 10 era poco convincente in rapporto all'età.
Sì, ci pensavo anch'io.
Ma non so quanto preoccuparci, visto che è una voce appoggiata.
Sarebbe carino se avesse più esitazioni,
per sembrare più piccolina.
Nelle proiezioni,
i colleghi faticavano a credere che 10 avesse davvero dieci anni,
perché i dialoghi provvisori li aveva incisi una trentenne.
Siamo una donna adulta.
Dobbiamo mantenere la calma, perché questo fanno gli adulti.
- D'accordo! - Sì!
La voce era fondamentale perché Dieci fosse credibile come bambina di 10 anni.
Nel momento in cui Kaylin ha dato la voce a Dieci
KAYLIN PRICE Voce di Gia a 10 anni, Vent'anni
Allora, conto alla rovescia: tre, due, uno. Incisione.
E premi il tasto "Rec", quando dici: "Incisione."
Ok!
Ha conferito al personaggio candore e carattere.
Per diventare una ventunenne bella, forte, matura.
Perciò ora scendiamo in pista
- e ci scateniamo fino all'alba... - Sì!
...e ciao ciao all'adolescenza,
questa è la serata di Gia!
- Sì! - Sì!
Abbiamo trovato qualcuno per le scenografie.
- Ah, bene. - Trianne si unirà a noi...
- per iniziare con il modeling. - Ok.
Da dove deve iniziare?
- Serve un progettino, vero? - Sì.
Ho una planimetria. So come funziona.
La immagino tipo...
le villette a schiera di Los Angeles, sai,
con l'intonaco bianco, graffiato,
con quella trama particolare.
E vorrei che si notasse una certa cura,
con un paio di elementi d'arredo giusti, per renderla più completa.
L'ambientazione ha una sua energia che va colta,
perché l'ambiente risulti autentico,
e i personaggi credibili.
Le note culturali, poi, aggiungono un tocco vissuto e realistico.
Siamo in California,
quindi c'è un certo ritmo e un'atmosfera.
E voglio curare tutti questi elementi.
Abbiamo chiamato una scenografa, per la casa di Nona,
è immaginaria, nasce dal nulla
ed è il nostro unico set.
Le ho dato delle indicazioni generali:
ho in mente lo stile coloniale spagnolo di Los Angeles,
con il calore del parquet, archi, scale e ringhiere in ferro battuto.
Lei ne ha afferrato il concetto e ne ha catturato l'essenza.
E mi fa: "Sai, mia nonna in casa
"aveva un tagliere appeso in cucina."
E io: "Mi piace!"
Ha dato un contributo enorme: l'arredamento, perfino alle cornici.
L'aria è vissuta e ci sono tutti gli arredi,
senza bisogno di dettagli maniacali che non potevamo permetterci.
Alla fine della fiera,
se un film è più o meno riuscito, dipende dagli animatori.
Vediamo il loro lavoro,
non i miei schizzi o i bozzetti:
vediamo bellissime scene animate.
Il mio film è ambientato in un locale, il che si traduce in "folla".
Siamo uno Studio che fa Computer Grafica,
le scene di folla in CG
vengono realizzate da un reparto specializzato.
Ma lavorando in 2D per il programma SparkShorts,
abbiamo fatto ricorso alla creatività per far sì che il locale sembrasse pieno,
evitando di dover animare più di 70 figuranti.
Aphton si è ispirata a vecchi cartoni,
come quelli dell'UPA, dove gli sfondi erano appena accennati,
con elementi grafici basilari,
solo a indicare che c'era qualcosa.
Così, abbiamo pensato di inserire diversi personaggi di contorno,
del tutto immobili,
con l'aggiunta strategica, qua e là,
di altre figure in movimento per dare l'illusione
che la gente ballasse e il locale fosse gremito.
Al reparto animazione ho chiesto l'impossibile.
Alcuni personaggi ne fanno di tutti i colori:
ci sono scene in cui un solo animatore
ha dovuto creare sei personaggi diversi.
E tutti piuttosto complicati.
Scusa.
L'ho vissuta come una prova del fuoco.
Beh, io...
Lucas, il supervisore dell'animazione,
mi chiese se fossi disposta ad apportare qualche modifica,
tipo eliminare orecchini, borse e tutto quello
che gli animatori avrebbero dovuto modificare continuamente,
cosa che, a lungo andare, diventa molto impegnativa.
Solo su una cosa non ero disposta a transigere:
le varie acconciature, perché quello è un aspetto essenziale
nella cultura afroamericana.
Esistono capigliature diverse e particolari,
che sono tipiche dell'età di chi le porta.
È un po' la differenza che c'è
tra quando i capelli te li sistema tua madre
e quando sei più grande e vai dal parrucchiere.
Perciò, nonostante sapessi che le treccine e le acconciature fossero impegnative
erano un elemento narrativo imprescindibile per i miei personaggi.
Atteniamoci al piano.
Però abbiamo modificato delle acconciature perché fossero meno laboriose.
Gia? Dove sei? Gia?
Ma i nostri animatori sono fantastici
e alla fine ero entusiasta, perché nonostante i tempi stretti...
E tu ancora di più.
...il risultato è stato straordinario.
Non sai quello che fai.
Sono nell'industria da 20 anni
e per la prima volta mi sento uno degli "anziani."
Molti giovani si stanno formando sotto la mia supervisione.
Sono ricchi di idee e carichi di energia
e io mi rendo conto di averne un po' meno, adesso.
Il mio corto parla di come le generazioni si influenzino a vicenda.
Uso sempre l'esempio della mia cagnolina, che ora non c'è più.
Si chiamava Pika,
ed era un piccolo pitbull di 12 anni.
Aveva problemi all'anca
ed essendo anche anziana, rifiutava di muoversi.
In quel periodo, regalammo a mia figlia uno Yorkshire, per Natale.
Mia figlia era felice,
ma credo che l'anziana Pika lo fosse ancora di più.
Perché improvvisamente aveva un compagno di giochi.
Quel cucciolo la riportò alla vita, le accese una scintilla.
Ed è così che vedevo il rapporto tra la bambina e il cane, nel corto.
Quando parlai del cane alla mia troupe,
mi dissero: "Vedrai che diranno no al cane,
"figurati poi, mettergli anche una felpa addosso!"
I quadrupedi, tutto ciò che ha 4 zampe,
sono notoriamente complicati da realizzare in animazione.
Per di più, la nonna prendeva in braccio il cane per spostarlo,
altra azione difficile da animare.
D'altro canto, l'immagine che Louis aveva disegnato era molto tenera
e dava alla storia un tocco molto personale,
quindi abbiamo fatto di tutto per tenere il cane.
Il mio team ha molto contribuito,
realizzando le forme, simulando il cane
con indosso una felpa molto realistica...
e le pose del cane sul divano.
Alla fine abbiamo tenuto tutto.
Non vedo l'ora di proiettarlo.
Non so come verrà accolto,
ma ne vado fiero, perciò staremo a vedere.
SALA DI PROIEZIONE
La prima cosa per cui andiamo al cinema
è l'intrattenimento.
Ma questo è l'intento superficiale, come la glassa della caramella.
Da cineasti dobbiamo chiederci:
"Quale messaggio porterà con sé lo spettatore?
"Quali spunti di riflessione gli stiamo offrendo?"
E che più tardi, a cena, magari, si sorprenda a ripensarci.
Secondo me, l'unico modo per riuscirci
è avere dei realizzatori che abbiano cose interessanti e speciali da raccontare,
auspicabilmente con mezzi espressivi e concetti originali, inediti.
Nel complesso, sono super soddisfatta del film
e ne sono estremamente orgogliosa.
È stata una grande emozione, condivisa con Erik,
perché l'esperienza è stata pazzesca, dall'inizio alla fine.
Io volevo descrivere la fase di vita
che stavo attraversando e che ci accomuna tutti.
A prescindere dall'età, dalla razza e dal genere,
ritengo sia una storia universale, ma il fatto che sia raccontata
dal punto di vista di un personaggio afroamericano
la rende ancora più speciale, nuova e coinvolgente.
La storia è divertente, commovente,
ed è narrata da una voce poco rappresentata.
Sono felice che il pubblico possa vederlo e riconoscersi,
perché è universale.
Non vedo l'ora che la comunità afroamericana,
le adolescenti in particolare, vedano questo film.
C'è un forte desiderio di rappresentazione
e il semplice fatto di potersi riconoscere
è importante per molte persone.
Io sono felice che si sentano considerate,
perché è a loro che mi rivolgo.
E poi non vedo l'ora che lo veda la mia famiglia.
Specialmente mia sorella.
Quando le ho detto:
"C'è un personaggio vagamente ispirato a te"...
Diamoci dentro!
...non stava più nella pelle.
State indietro. Non c'è niente da vedere.
- Oh, Gia. - Lasciami stare.
È un film che parla del divenire adulti
e del saper accettare tutto ciò che questo comporta.
Ti sei chiusa in bagno a piangere?
No.
Sì.
Mi piaceva l'idea che Nicole le dicesse:
"Nah, ne stai facendo un dramma, vedrai che si sistema tutto."
Ok, buttiamoci in pista.
Così mi piaci. Andiamo.
Come i personaggi del corto,
credo che anch'io imparerò ad avere fiducia in me stessa
e a convincermi che vado nella direzione giusta. O giù di lì.
E so che continuerò a crescere e imparare.
Non c'è niente di strano, è la vita.
E forse la percezione viene dall'averlo realizzato, il corto:
ce l'ho fatta e sono sopravvissuta.
È la prima volta che completo un progetto.
Non avevo mai realizzato un corto, anche se ci ho provato spesso.
Ho cercato anche di farlo a tappe, mettendo insieme un team,
ma solo adesso ne ho avuto davvero l'occasione.
È importante arrivare in porto.
È indispensabile per crescere.
Siamo entusiasti di poter condividere Nona con il mondo
e sono contenta che la mia famiglia lo veda.
Mia figlia ha cinque anni, come Renée.
Sedermi in sala
e guardare il film insieme a lei
sarà davvero emozionante. Spero solo che non le ispiri idee bizzarre.
Fare il corto è stata un'esperienza bellissima.
Le storie celebrano la vita e le persone.
Le mie storie le dedico alla famiglia e agli amici.
Ed è una cosa che trovo meravigliosa.
E meraviglioso è esserci riuscito adesso, anche se ho dovuto aspettare 20 anni.
Quando ebbi l'opportunità
di dedicarmi alla carriera e alla regia,
misi da parte le mie aspirazioni per stare con i figli.
Non si può avere tutto.
Lavoravo già fino a tardi e nel weekend.
Ricordo vividamente una mattina, i figli mi chiesero:
"Perché non vieni a giocare con noi?
"A rincorrerci." Ed io: "Arrivo subito."
Pensai: "Ma sì, disegno un paio di tavole ed esco."
I bambini vennero a darmi la buonanotte.
Li avevo ignorati tutto il santo giorno e questo mi fece soffrire molto.
Il tempo non torna più, per questo voglio
dedicarmi a loro al cento per cento.
Elaborando la trama ed entrando sempre più in dettaglio,
ho capito il significato della storia, per me.
E mi sono detto: "Santo cielo,
"parla dei miei bambini che chiedono di giocare con me,
"mentre io penso a farmi una carriera."
Li stavo trascurando perché ero distratto,
come accade nel mio film.
Quell'intuizione mi ha salvato.
Ed è buffo che il corto abbia preso quello sviluppo.
Ha acquistato autenticità,
perché mi ci riconosco in modo particolare
e profondo.
Incredibilmente, più la vicenda è intima,
più la storia ha valenza universale.
Credo che la generazione dei miei figli e dei miei nipoti,
nel confronto con le favole classiche, le storie come queste hanno...
un fascino diverso e un impatto maggiore,
perché parlano al cuore.
Lo spettatore vuole essere sorpreso, stupito,
quando si siede a guardare un film.
Con registi che provengono da contesti diversi e variegati,
è più facile offrire al pubblico
il senso di meraviglia che sta cercando.
Data la scarsa esperienza dei registi
degli SparkShorts, i vincoli di budget
e lo scarso tempo a disposizione,
resto sempre più che meravigliato dai risultati eccellenti,
dalla qualità dei film realizzati
e dalla bravura che i registi dimostrano.
Gli SparkShorts potranno migliorare solo se i registi stessi progrediranno.
E, in un'ottica lungimirante,
abbiamo bisogno di continuare a cercare nuovi talenti
e dare loro spazio e visibilità,
sfidando noi stessi per essere sempre più aperti e disposti ad ascoltare,
come Studio, come mondo e come pubblico.
Il programma SparkShorts è un'anteprima sui nostri registi di domani.
Scritto e diretto da Louis Gonzales
È il miglior preludio a quello che, nelle aspettative,
SCRITTO E DIRETTO DA APHTON CORBIN
sarà il prossimo ventennio di produzione Pixar.
Sottotitoli: Roberto Morville